Rocas Azules

Entrevista a Jimmy Page y Robert Plant en el Andrew Denton show 1994

2009-04-06T20:59:00.000-07:00

Esta es una entrevista realizada a Robert Plant y Jimmy Page, en Australia, durante parte de la gira No Quarter en 1994

Ceremonia de la entrada de Jeff Beck al Rock and roll hall of fame

2009-04-06T10:48:00.000-07:00

El sabado 4 de abril, fue la ceremonia para recibir a los nuevos miembros del Rock and Roll Hall of Fame de Cleveland. En esta oportunidad le toco el turno a Jeff Beck, quien ya fuera en otra ocasion recibido como miembro de este numero honroso de musicos que han aportado algo en el desarrollo de la musica.

El encargado de recibir a Jeff Beck, fue su amigo de infancia y musico Jimmy Page, a continuacion ponemos unos videos de la ceremonia

Historia de la guitarra electrica

2009-04-02T17:21:00.000-07:00

En los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5. Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.

la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.

Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.

Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”. Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”. Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta. Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros. Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.

Cómo surgió la ideaEl principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.

La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas. A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.

Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento. Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender. Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras. Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores. Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas. En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”. Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.

Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival. La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre: la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas. Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.

La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso. Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta. Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.

Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia. Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.

Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra. Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.

También han probado nuevos materiales: Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera. También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador. Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.

El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión. A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.

En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores. No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo. Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.

Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows

Eddie Cochran

2009-04-02T17:05:00.000-07:00

El compositor y cantante Eddie Cochran quien saltó a la fama con la canción "Twenty flight rock", tema de la cinta "The girl can"t help it", que también colocó entre los principales lugares de la lista Billboard los éxitos: "Summertime blues" y "Sittin" in the balcony", nació el 3 de octubre de 1938.

Ray Edward Cochran nació en Albert Lea, Minnesota (Estados Unidos). Hijo menor de Frank y Alice Cochran. En 1949 se trasladó con sus padres y sus cuatro hermanos a California, para residir en la localidad de Bell Gardens.

Desde su adolescencia, Eddie comenzó a tocar la guitarra y en la época escolar formó su primer grupo con Conrad "Guybo" Smith, especializado en la steel guitar y el bajo.

En 1954, Eddie formó un dúo con Hank Cochran, un instrumentista amante de la música country, con el que fundó The Cochran Brothers, fraternal nombre que no concordaba con la realidad, ya que Eddie y Hank no tenían ningún parentesco familiar.

La pareja consiguió publicar sus primeras grabaciones en Ekko Records con los singles "Mr. Fiddle" y "Guilty conscience", dos temas hillbilie que serían continuados por "Tired and sleepy", una canción con la que se iniciaban dentro del rock.

Después de contemplar a Elvis Presley en Dallas, Eddie abrazó efusivamente el rock"n"roll, mientras que Hank terminó alejándose de su compañero para dedicarse a componer dentro de su amado estilo country en Nashville.

El nuevo aliado de Cochran en 1955 sería el baterista Jerry Capehart, con quien estableció una asociación compositiva. Capehart dejó las baquetas para convertirse en representante de Eddie, grabando en el sello Crest temas como "Skinny Jim" "Half loved".

El gran salto del anonimato a la fama de Eddie se produjo cuando intervino en la mítica película "The girl can"t help it" (1956), un filme en el que también aparecía Gene Vincent, que se haría muy amigo de Cochran, al igual que Buddy Holly y Ritchie Valens.

El tema que interpretó Eddie en la película de Frank Tashlin fue "Twenty flight rock". Así, Eddie alcanzó la popularidad entre la audiencia adolescente de la época.

Capehart consiguió que el cantante firmará un contrato discográfico con Liberty Records. Su primer trabajo con este sello fue "Sittin" in the balcony", balada publicada en 1957 y que alcanzó el puesto número 17 en el Billboard.

Su mayor éxito llegó en 1958, cuando grabó "Summertime blues", todo un himno adolescente, versionado posteriormente en multitud de ocasiones, siendo la adaptación más popular la realizada por Los Who en su disco en vivo "Live at Leeds".

La canción, co-escrita con Capehart, llegó hasta el número ocho en las listas estadunidenses. Ese mismo año, consiguió un meritorio resultado en ventas con otro de sus clásicos, "C"mon everybody".

En 1959, Eddie estuvo de gira con Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en el denominado Winter Dance Party Tour. Pero, en febrero de ese año, Cochran abandonó a sus compañeros, pues tenía que grabar la película musical de Paul Landres "Go, Johnny go!".

Sus amigos fallecieron en un accidente de aviación, y Eddie grabó en su honor el tema "Three stars", publicado póstumamente en 1966.

También en 1959, Cochran grabó el sencillo "Somethin" Else", una canción realizada por él y por su novia Sharon Sheeley, una compositora que había sido compañera sentimental de Phil Everly, miembro del dúo The Everly Brothers.

Cochran fue uno de los primeros protagonistas en la historia del rock que compuso y cantó sus propias canciones, al mismo tiempo que experimentaba en el estudio, siendo un adelantado en el overdubbing, hecho inusitado a finales de los 50.

Eddie tenía gran habilidad como guitarrista y escritor de temas irrigados de pasión vital, lo cual, lo convirtió en uno de los pináculos de la mitología del género del rock.

Los últimos sencillos de Cochran obtuvieron un mejor recibimiento en el Reino Unido que en su propio país natal, lo que provocó la marcha del cantante de Minnesota a Inglaterra, donde inició una exitosa gira junto al roquero Gene Vincent.

En 17 de abril de 1960, Vincent, Cochran y Sharon tomaron un taxi para su traslado de Bristol a Londres. El coche sufrió un accidente y Eddie falleció poco después, cuando sólo tenía 21 años.

En mayo de 1960 el single "Three steps to heaven" alcanzó el número uno en las listas inglesas. Después de 27 años, Eddie fue elegido para entrar en el Rock "n" Roll Hall of Fame por su labor pionera en el mundo del rock.

100 mejores canciones con guitarra de la historia, según “Rolling Stone”

2009-04-02T16:57:00.000-07:00

1. “Johnny B. Goode,” Chuck Berry
2. “Purple Haze,” The Jimi Hendrix Experience (1967)
3. “Crossroads” Cream (1968)
4. “You Really Got Me” The Kinks (1964)
5. “Brown Sugar” The Rolling Stones (1971)
6. “Eruption” Van Halen (1978)
7. “While My Guitar Gently Weeps” The Beatles (1968)
8. “Stairway to Heaven” Led Zepplin (1971)
9. “Statesboro Blues” The Allman Brothers Band (1971)
10. “Smells Like Teen Spirit” Nirvana (1991)
11. “Whole Lotta Love” Led Zeppelin (1969)
12. “Voodoo Child (Slight Return)” The Jimi Hendrix Experience (1968)
13. “Layla” Derek and the Dominos (1970)
14. “Born to Run” Bruce Springsteen (1975)
15. “My Generation” The Who (1965)
16. “Cowgirl in the Sand” Neil Young with Crazy Horse (1969)
17. “Black Sabbath” Black Sabbath (1970)
18. “Blitzkrieg Bop” Ramones (1976)
19. “Purple Rain” Prince and the Revolution (1984)
20. “People Get Ready” The Impressions (1965)
21. “Seven Nation Army” The White Stripes (2003)
22. “A Hard Day’s Night” The Beatles (1964)
23. “Over Under Sideways Down” The Yardbirds (1966)
24. “Killing In The Name Of” Rage Against The Machine (1992)
25. “Can’t You Hear Me Knocking” The Rolling Stones (1971)
26. “How Blue Can you Get” B.B. King (1965)
27. “Look Over Yonders Wall” The Paul Butterfield Blues Band (1965)
28. “Where the Streets Have No Name” U2 (1987)
29. “Back in Black” AC/DC (1980)
30. “(We’re Gonna) Rock Around the Clock” Bill Haley and His Comets (1954)
31. “Keep Yourself Alive” Queen (1973)
32. “Sultans of Swing” Dire Straits (1978)
33. “Master of Puppets” Metallica (1986)
34. “Walk This Way” Aerosmith (1975)
35. “1969″ The Stooges (1969)
36. “Interstellar Overdrive” Pink Floyd (1967)
37. “That’s All Right” Elvis Presley (1954)
38. “Stay With Me” The Faces (1971)
39. “Black Magic Woman” Santana (1970)
40. “I Can See for Miles” The Who (1967)
41. “Marquee Moon” Television (1977)
42. “Hideaway” John Mayall and the Bluesbreakers (1966)
43. “Holidays in the Sun” The Sex Pistols (1977)
44. “Dig Me Out” Sleater-Kinne (1997)
45. “I Saw Her Standing There” The Beatles (1963)
46. “Miserlou” Dick Dale and the Del-Tones (1962)
47. “Panama” Van Halen (1984)
48. “London Calling” The Clash (1980)
49. “Machine Gun” Jimi Hendrix (1970)
50. “Debaser” Pixies (1989)
51. “Crazy Train” Ozzy Osbourne (1981)
52. “My Iron Lung” Radiohead (1995)
53. “Born on the Bayou” Creedence Clearwater Revival (1969)
54. “Little Wing” Stevie Ray Vaughan (1991)
55. “White Room” Cream (1968)
56. “Eight Miles High” The Byrds (1966)
57. “Dark Star” Grateful Dead (1969)
58. “Rumble” Link Wray (1958)
59. “Freeway Jam” Jeff Beck (1975)
60. “Maggot Brain” Funkadelic (1971)
61. “Soul Man” Sam and Dave (1967)
62. “Born Under a Bad Sign” Albert King (1967)
63. “Sweet Child O’ Mine” Guns n’ Roses (1987)
64. “Freebird” Lyrnyrd Skynyrd (1973)
65. “Message in a Bottle” The Police (1979)
66. “Texas Flood” Stevie Ray Vaughan (1983)
67. “Adam Raised a Cain” Bruce Springsteen (1978)
68. “The Thrill is Gone” B.B. King (1969)
69. “Money” Pink Floyd (1973)
70. “Bullet With Butterfly Wings” Smashing Pumpkins (1995)
71. “Take It or Leave It” The Strokes (2001)
72. “Say It Ain’t So” Weezer (1994)
73. “Summertime Blues” Blue Cheer (1968)
74. “La Grange” ZZ Top (1973)
75. “Willie the Pimp” Frank Zappa (1969)
76. “American Girl” Tom Petty and the Heartbreakers (1976)
77. “Even Flow” Pearl Jam (1991)
78. “Stone Crazy” Buddy Guy (1970)
79. “Silver Rocket” Sonic Youth (1988)
80. “Kid Charlemagne” Steely Dan (1976)
81. “Beat It” Michael Jackson (1982)
82. “Walk — Don’t Run” The Ventures (1960)
83. “What I Got” Sublime (1996)
84. “Gravity” John Mayer (2006)
85. “You Enjoy Myself” Phish (1988)
86. “I Ain’t Superstitious” Jeff Beck (1968)
87. “Red” King Crimson (1974)
88. “Mona” Quicksilver Messenger Service (1969)
89. “I Love Rock N Roll” Joan Jett and the Blackhearts (1981)
90. “How Soon Is Now?” The Smiths (1985)
91. “Drunkship of Lanterns” The Mars Volta (2003)
92. “Memo from Turner” Mick Jagger (1970)
93. “Only Shallow” My Bloody Valentine (1991)
94. “Money for Nothing” Dire Straits (1984)
95. “Omaha” Moby Grape (1967)
96. “New Day Rising” Husker Du (1985)
97. “No One Knows” Queens of the Stone Age (2002)
98. “Under the Bridge” Red Hot Chili Peppers (1991)
99. “Run Thru” My Morning Jacket (2003)
100. “Vicarious” Tool (2006)

100 mejores guitarristas segun la revista Rolling Stone

2009-04-02T16:43:00.001-07:00

Esta es la nueva lista de la revista Rolling Stones sobre los 100 mejores guitarristas:

1) Jimi Hendrix
2) Duane Allman of the Allman Brothers Band
3) B.B. King
4) Eric Clapton
5) Robert Johnson
6) Chuck Berry
7) Stevie Ray Vaughan
8) Ry Cooder
9) Jimmy Page of Led Zeppelin
10) Keith Richards of the Rolling Stones
11) Kirk Hammett of Metallica
12) Kurt Cobain of Nirvana
13) Jerry Garcia of the Grateful Dead
14) Jeff Beck
15) Carlos Santana
16) Johnny Ramone of the Ramones
17) Jack White of the White Stripes
18) John Frusciante of the Red Hot Chili Peppers
19) Richard Thompson
20) James Burton
21) George Harrison
22) Mike Bloomfield
23) Warren Haynes
24) The Edge of U2
25) Freddy King
26) Tom Morello of Rage Against the Machine and Audioslave
27) Mark Knopfler of Dire Straits
28) Stephen Stills
29) Ron Asheton of the Stooges
30) Buddy Guy
31) Dick Dale
32) John Cipollina of Quicksilver Messenger Service
33) Lee Ranaldo of Sonic Youth
34) Thurston Moore of Sonic Youth
35) John Fahey
36) Steve Cropper of Booker T. and the MG's
37) Bo Diddley
38) Peter Green of Fleetwood Mac
39) Brian May of Queen
40) John Fogerty of Creedence Clearwater Revival
41) Clarence White of the Byrds
42) Robert Fripp of King Crimson
43) Eddie Hazel of Funkadelic
44) Scotty Moore
45) Frank Zappa
46) Les Paul
47) T-Bone Walker
48) Joe Perry of Aerosmith
49) John McLaughlin
50) Pete Townshend
51) Paul Kossoff of Free
52) Lou Reed
53) Mickey Baker
54) Jorma Kaukonen of Jefferson Airplane
55) Ritchie Blackmore of Deep Purple
56) Tom Verlaine of Television
57) Roy Buchanan
58) Dickey Betts
59) Jonny Greenwood of Radiohead
60) Ed O'Brien of Radiohead
61) Ike Turner
62) Zoot Horn Rollo of the Magic Band
63) Danny Gatton
64) Mick Ronson
65) Hubert Sumlin
66) Vernon Reid of Living Colour
67) Link Wray
68) Jerry Miller of Moby Grape
69) Steve Howe of Yes
70) Eddie Van Halen
71) Lightnin' Hopkins
72) Joni Mitchell
73) Trey Anastasio of Phish
74) Johnny Winter
75) Adam Jones of Tool
76) Ali Farka Toure
77) Henry Vestine of Canned Heat
78) Robbie Robertson of the Band
79) Cliff Gallup of the Blue Caps (1997)
80) Robert Quine of the Voidoids
81) Derek Trucks
82) David Gilmour of Pink Floyd
83) Neil Young
84) Eddie Cochran
85) Randy Rhoads
86) Tony Iommi of Black Sabbath
87) Joan Jett
88) Dave Davies of the Kinks
89) D. Boon of the Minutemen
90) Glen Buxton of Alice Cooper
91) Robby Krieger of the Doors
92) Fred "Sonic" Smith of the MC5
93) Wayne Kramer of the MC5
94) Bert Jansch
95) Kevin Shields of My Bloody Valentine
96) Angus Young of AC/DC
97) Robert Randolph
98) Leigh Stephens of Blue Cheer
99) Greg Ginn of Black Flag
100) Kim Thayil of Soundgarden

B B King

2009-04-02T16:03:00.000-07:00

Riley B. King mejor conocido como B. B. King, nacido el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Misisipi, es un famoso guitarrista de blues y compositor.

Carrera

B. B. King es considerado como el mejor guitarrista de blues que ha tenido la historia de la música [cita requerida]. Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s.

Años de grabación En 1947, B. B. King comenzó grabando canciones bajo contrato con Los Ángeles basado en RPM Records. Muchos de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de "Beale Street Blues Boy", luego abreviado B. B.

En los 1950s, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como "You Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "Whole Lotta Love," "You Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin' Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My Love". En 1962, King firmó con ABC-Paramount Records.

En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum Live at the Regal en el Teatro Regal en Chicago, Illinois.

Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, "The Thrill Is Gone", la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B, lo cual fue raro para un artista R&B. También se elevó al puesto 193 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la revista Rolling Stone. Ganó visibilidad en la abertura del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los éxitos de King continuaron durante los 1970s con canciones como "To Know You Is to Love You" y "I Like to Live the Love." Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard unas impresionantes 74 veces.

Corriente dominante

Los 1980s, 1990s y 2000s vieron a King grabando menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se lo ve con más movimiento y realizando 300 noches en un año. En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans con el tema "When Love Comes To Town", junto a la banda Irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum. En 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar Riding with the King.

En 2003, King se mostró en el escenario con la banda de rock Phish en Nueva Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.

En junio de 2006, King estuvo presente en la conmemoración de su primer transmisión de radio en Three Deuces Building en Greenwood, Misisipi, donde una marca oficial del Mississippi Blues Trail fue construida.

B. B. King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton. En el DVD él toca "Rock Me Baby" junto a Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan.

Durante los años más de 100 conciertos de B. B. King han sido emitidos, al menos en parte, en radio y TV a muchos países.

Gira de despedida

A los 80 años, el 29 de marzo de 2006, King tocó en el Sheffield's Hallam Arena. Esta fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Europa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero convertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha previamente realizado otras giras, incluyendo la canción "Since I Met You Baby". Esta gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena.

En julio, B. B. volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio) en la décimo cuarta edición del Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el "Blues at Sunset" el 14 de julio. Durante su último show en Montreux en el Salón Stravinski tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendricks y George Duke. La Gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006 en el estadio D'Coque.

Entre noviembre y diciembre, King tocó seis veces en Brasil.

Durante una conferencia de prensa el 29 de noviembre en São Paulo, un periodista le preguntó a King si aquella sería la verdadera gira de despedida. Él contestó: "Uno de mis actores favoritos es un hombre de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de ustedes lo deben conocer como James Bond, 007. Hizo una película llamada "Never Say Never Again" (Nunca digas nunca jamás).

Vida personal

B. B. King ha sido un piloto licenciado, un conocido jugador y es también un vegetariano, no bebedor y no fumador.[1] King ha vivido con diabetes por casi diez años y ha sido un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.

El 26 de enero de 2007, durante una gira, King fue hospitalizado en Galveston, Texas debido a un bajo grado (100.4ºF, 38ºC) de fiebre luego de un reciente ataque de influenza. Fue dado de alta el 27 de enero, tras una estadía de una noche.[2] Tuvo tiempo para terminar su gira, con su actuación el 30 de enero.

Filantropía

King es un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Forma parte de la tabla de organizaciones de los directores como miembro honorario.

Lucille

Lucille es el nombre de la guitarra más famosa de B.B. King. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille. [3]

Curiosidades

El Boxeador Sonny Liston fue tío de King.[4]
De acuerdo a una lista de la revista Rolling Stone de 2003, King es el guitarrista más grande en vida, y ocupa el tercer puesto entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (detrás de Jimi Hendrix y Duane Allman).[5]
El argentino Norberto "Pappo" Napolitano, guitarrista, cantante y compositor de blues, rock y metal argentino conocio a B. B. King, quien lo invitó a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1994.
Es mencionado en la canción "Dig It" de los Beatles.
Su cantante favorito es Frank Sinatra. En su autobiografía King habla acerca de cómo era, y es, un "Fanático de Sinatra" y cómo iba a la cama todas las noches escuchando el álbum de clásicos de Sinatra In the Wee Small Hours. King ha acreditado a Sinatra por abrirle las puertas a los artistas negros a los que no se les dio la oportunidad de tocar en lugares dominados por "blancos". Sinatra tenía a B. B. King en los principales lugares en los que cantaba en las Vegas durante los años 1960.[6]
Ha participado como invitado en numerosos programas de televisión muy populares en los Estados Unidos, incluyendo a "The Cosby Show,[7] " "The Young and the Restless,[7] " "Hospital General[cita requerida]," "El Príncipe del Rap,[7] " "Plaza Sésamo," "Married... with Children[7] " y "Sanford and Son.[7] "
King ha usado otras guitarras además de las encarnaciones de "Lucille", como una Fender Telecaster, Gibson ES-330, Gibson ES-335, Gibson ES-345, Gibson ES-5, y Gibson ES-175.[cita requerida]
Cada año, durante la primera semana de junio, se celebra un festival de regreso al hogar para B. B. King en Indianola.[cita requerida]
Se dice que King tiene 15 hijos.[8] [9]

Discografía

B.B. King
Álbums

Singin' The Blues (1957)
King of the Blues (1960)
My Kind of Blues (1960)
Live at the Regal (Live, 1965)
Lucille (1968)
Live and Well (1969)
Completely Well (1969)
Indianola Mississippi Seeds (1970)
B. B. King in London (1971)
Live in Cook County Jail (1971)
Lucille Talks Back (1975)
Midnight Believer (1978)
Live "Now Appearing" at Ole Miss (1980)
There Must Be a Better World Somewhere (1981)
Love Me Tender (1982)
Why I Sing the Blues (1983)
B. B. King and Sons Live (Live, 1990)
Live at San Quentin (1991)
Live at the Apollo (Live, 1991)
There is Always One More Time (1991)
Deuces Wild (1997)
Blues On The Bayou (1998)
Riding with the King (2000)
Reflections (2003)
The Ultimate Collection (2005)
B. B. King & Friends: 80 (2005)
One Kind Favor (2008)

Temas seleccionados

"Miss Martha King" (1949, Bullet)
"Got the Blues" (1949)
"Mistreated Woman" (1950, RPM)
"The Other Night Blues" (1950)
"I Am" (1950)
"My Baby's Gone" (1950)
"B. B. Blues" (1951)
"She's a Mean Woman" (1951)
"Three O'Clock Blues" (1951)
"Fine-Looking Woman" (1952)
"Shake It Up and Go" (1952)
"Someday, Somewhere" (1952)
"You Didn't Want Me" (1952)
"Story from My Heart and Soul" (1952)
"Woke Up This Morning With A Bellyache" (1953)
"Please Love Me" (1953)
"Neighborhood Affair" (1953)
"Why Did You Leave Me" (1953)
"Praying to the Lord" (1953)
"Love Me Baby" (1954)
"Everything I Do Is Wrong" (1954)
"When My Heart Beats Like a Hammer" (1954)
"You Upset Me Baby" (1954)
"Sneaking Around" (1955) R&B: #14
"Every Day I Have the Blues" (1955) R&B: #8 1
"Ten Long Years" (1955) R&B: #9 2
"I'm Cracking Up Over You" (1956)
"Crying Won't Help You" (1956) R&B: #15
"Did You Ever Love a Woman?" (1956)
"Dark Is the Night, Pts. I & II" (1956)
"Sweet Little Angel" (1956) R&B: #6
"Bad Luck" (1956) R&B: #3 3
"On My Word of Honor" (1956) R&B: #3
"Early in the Morning" (1957)
"How Do I Love You" (1957)
"I Want to Get Married" (1957) R&B: #14
"Twoubles, Twoubles, Twoubles" (1957) R&B: #13 4
"(I'm Gonna) Quit My Baby" (1957)
"Be Careful with a Fool" (1957) Pop: #95 5
"The Keyblade to My Kingdom" (1957)
"Why Do Everything Happen to Me" (1958, Kent)
"Don't Look Now, But You Got the Blues" (1958)
"Please Accept My Love" (1958) R&B: #9
"You've Been an Angel" (1958) R&B: #16 6
"The Fool" (1958)
"A Lonely Lover's Plea" (1959)
"Time to Say Goodbye" (1959)
"Sugar Mama" (1959)
"Sweet Sixteen, Pt. I" (1960) R&B: #2
"Peace of Mind" (1961) R&B: #7 7
"How Blue Can You Get" (1964, ABC) Pop: #97 8
"Help the Poor" (1964, ABC) Pop: #98 8
"The Worst Thing in My Life" (1964, Kent)
"Rock Me Baby" (1964) Pop: #34 8
"Never Trust a Woman" (1964) Pop: #90 8
"Don't Answer the Door, Pt. I" (1966, ABC) R&B: #2 Pop: #72
"I Say in the Mood" (1966, Kent) R&B: #45
"Paying the Cost to Be the Boss" (1968, Bluesway) R&B: #10 Pop: #39
"I'm Gonna Do What They Do to Me" (1968) R&B: #26 Pop: #74
"The B. B. Jones" (1968) Pop: #98
"You Put It on Me" (1968) R&B: #25 Pop: #82 9
"The Woman I Love" (1968) R&B: #31 Pop: #94
"Get Off My Back Woman" (1969) R&B: #32 Pop: #74 10
"Why I Sing the Blues" (1969) R&B: #13 Pop: #61
"Just a Little Love" (1969) R&B: #15 Pop: #76
"I Want You So Bad" (1969) R&B: #34
"The Thrill Is Gone" (1970) R&B: #3 Pop: #15
"So Excited" (1970) R&B: #14 Pop: #54
"Hummingbird" (1970) R&B: #25 Pop: #48
"Worried Life" (1970) R&B: #48
"Ask Me No Questions" (1970, ABC) R&B: #18 Pop: #40
"Chains and Things" (1970) R&B: #6 Pop: #45
"Help the Poor" (1971, re-grabación) R&B: #36 Pop: #90
"Ghetto Woman" (1971) R&B: #18 Pop: #40
"The Evil Child" (1971) R&B: #34 Pop: #97
"Sweet Sixteen" (1972, re-grabación) R&B: #37 Pop: #93
"I Got Some Help I Don't Need" (1972) R&B: #28 Pop: #92
"Ain't Nobody Home" (1972) R&B: #28 Pop: #46
"Guess Who" (1972) R&B: #21 Pop: #62
"To Know You Is to Love You" (1973) R&B: #12 Pop: #38
"I Like to Live the Love" (1974) R&B: #6 Pop: #28
"Who Are You" (1974) R&B: #27 Pop: #78
"Philadelphia" (1974) R&B: #19 Pop: #64
"Friends" (1975) R&B: #34 11
"Let the Good Times Roll" (1976) R&B: #20
"Slow and Easy" (1977) R&B: #88
"Never Make a Move Too Soon" (1978) R&B: #19
"I Just Can't Leave Your Love Alone" (1978) R&B: #90
"Better Not Look Down" (1979) R&B: #30
"There Must Be a Better World Somewhere" (1981) R&B: #91
"Into the Night" (1985) R&B: #15
"Big Boss Man" (1985) R&B: #62
"When Love Comes to Town" (1988, con U2) Rock: #2 Pop: #68 12
"The Blues Come Over Me" (1992) R&B: #63
"Riding with the King" (2000, con Eric Clapton) Rock: #26

Notas:

"Everyday I Have the Blues" fue el lado-b de "Sneaking Around."
"Ten Long fue el lado-b de "What Can I Do (Just Sing the Blues)."
"Bad Luck" fue el lado-b de "Sweet Little Angel."
"Troubles, Troubles, Troubles" fue el lado-b de "I Want to Get Married."
"Be Careful with a Fool" fue el lado-b de "(I'm Gonna) Quit My Baby."
"You've Been an Angel" fue el lado-b de "Please Accept My Love."
"Peace of Mind" fue el lado-b de "Someday Baby."
La Revista Billboard no publicó la lista de éxitos de R&B entre noviembre de 1963 y enero de 1965.
"You Put It On Me" fue el lado-b de "The B.B. Jones."
"Get Off My Back Woman" fue el lado-b de "I Want You So Bad."
"Friends" fue el lado-b de "My Song."
"When Love Comes to Town" fue el primer sencillo de B.B. King en entrar a la lista de éxitos Mainstream Rock Tracks Billboard.

Grabaciones aún no categorizadas

Blues Summit; 1993
How Blue Can You Get? Live Performances; 1996
Deuces Wild; 1997
Take it Home; 1998
His Best - The Electric B. B. King; 1998
Completely Well; 1998
Greatest Hits; 1998
Blues on the Bayou; 1998
Millennium Collection - 20th Century Masters; 1999
His Definitive Greatest Hits; app. 1999
Live in Japan; 1999
Let the Good Times Roll; 1999
Makin' Love is Good for You; 2000
Anthology; 2000
Live at San Quentin (Remastered); 2001
Here & There - The Uncollected B.B. King; 2001
A Christmas Collection of Hope; 2001
Blues is King; 2002
Christmas Collection - 20th Century Masters; 2003
Reflections; 2003
Before the night is over-Last man standing; 2006

Videografía

The Electric B. B. King - His Best (1960)
Great Moments with B. B. King (1981)
The King of the Blues: 1989 (1988)
Got My Mojo Working (1989)
King of the Blues (Box Set, 1992)
Why I Sing the Blues (1992)
B. B. King: Live By Request (2003) DVD
Martin Scorsese Presents the Blues: B. B. King; (2003)
Ultimate Collection (2005)

Honores y condecoraciones

King fue premiado con la Medalla Nacional de Artes en 1990.[10]
En 2004, fue premiado con un honorario Ph.D de la Universidad de Misisipi y la Real Academia Sueca de música lo galardonó con el Premio de Música Polar, por sus "significantes contribuciones al blues".
El 15 de diciembre de 2006, el Presidente de Estados Unidos George W. Bush premió a King con la Medalla Presidencial de la Libertad.[11]
Premios Grammy - King recibió un Premio Grammy por Logros en la Vida en 1987.[12] Ganó el premio Grammy por Mejor Álbum Tradicional nueve veces, en 2006 (por B. B. King & Friends: 80), 2003 (por A Christmas Celebration of Hope), 2001 (por Riding with the King), 2000 (por Blues on the Bayou), 1994 (por Blues Summit), 1992 (por Live at the Apollo), 1991 (por Live at San Quentin), 1986 (por My Guitar Sings the Blues) and 1984 (por Blues 'N' Jazz). En 1982, ganó el Grammy por Mejor Grabación de Folk Étnica o Tradicional (por There Must Be a Better World Somewhere). El Grammy por Mejor Folk Tradicional o Étnico fue entregado por última vez en 1986; el Grammy por mejor Álbum de Blues Tradicional fue entregado por primera vez en 1983. En 1997, ganó un Grammy por Mejor Performance Instrumental de Rock (junto a otros artistas, para "SRV Shuffle"). En 1971, ganó el Grammy por Mejor Performance Vocal Masculina R&B (por "The Thrill is Gone"). Un Premio Grammy en el Salón de la Fama fue dado a "The Thrill is Gone" en 1998, además de otro dirigido a las grabaciones que tienen como mínimo 25 años y que tienen un "significado específico o histórico."[13]
King fue galardonado con el "Centro de Honores Kennedy" en 1995. Esto se hace para reconocer "los cumplimientos y extraordinarios talentos de la vida de los más prestigiosos artistas de nuestra Nación."[14]
B.B. King ocupa el tercer puesto en la lista de "Los 100 mejores Guitarristas de la Historia", elaborada por la revista Rolling Stone, sólo por detrás de Duane Allman y Jimi Hendrix.

Referencias

↑ http://www.guitarworld.com/allaccess/interviews/bb-king.html
↑ Associated Press. «B. B. King dado de alta de hospital de Texas», Houston Chronicle, 27 de enero de 2007. Consultado el 2007-01-28.
↑ [http://www.worldblues.com/bbking/prairie/lucille.html B.B. King: Lucille Speaks
↑ "El Diablo y Sonny Liston" por Nick Tosches, 2000, ISBN 0-316-89775-2
↑ The 100 Greatest Guitarists of All Time : Rolling Stone
↑ Blue All Around Me, 1999, BB King y Daniel Ritz
↑ a b c d e IMDb. «B.B. King». Consultado el 2007-02-06.
↑ BB King
↑ http://www.guitarworld.com/allaccess/interviews/bb-king.html
↑ Lista de Condecorados con la Medalla Nacional de Artes en el sitioweb de NEA
↑ Lista de Condecorados con la Medalla Presidencial de la Libertad en el sitioweb del Senado de los Estados Unidos
↑ Ganadores del Premio Grammy por Logros en la Vida
↑ Base de Datos de Grammy
↑ Kennedy Center Records

Frases célebres

Wikiquote

Wikiquote alberga frases célebres de B. B. King.
"Tú tienes un alma, tú tienes un corazón, tú tienes el sentimiento de que tu música es vida. La vida que vivimos en el pasado, la vida que estamos viviendo hoy y la vida que creo que viviré mañana."
"Yo creo que hay un lugar para tocar la guitarra. Hay un lugar para cantar el blues."

Led Zeppelin en el O2 Arena en Londres - 11 Diciembre 2007

2009-04-02T14:48:00.001-07:00

http://www.publico.es/agencias/efe/026267/led/zeppelin/llevara/londres/reunion/esperada/rock

Eléctrico, contagioso, virtuoso, tremebundo. Salió Led Zeppelin y los 18.000 espectadores del O2 Arena se pusieron en pie con las primeras notas de Good Times Bad Times, llevados más que por un mito por la realidad de lo que apuntaba a un super-concierto.

Y eso que los Led Zep no salieron en plan histriónico sino más bien sobrios, vestidos de oscuro y en el caso de Jimmy Page, siempre un dandy, con traje y chaleco y el pelo ya blanco.

La negra tela que cubría el fondo del escenario se abrió para descubrir una enorme pantalla en la que se proyectaban desde figuras geométricas minimalistas a detalles de los músicos que de pronto podían cambiar distorsiones de la imagen, pura sicodelia.Ellos no solo parecían más limpios y menos pretenciosos, daban la impresión de estar pasándoselo enorme y encima de sentirse emocionados.

Robert Plant dijo : "Hemos sentido mil emociones las ultimas seis semanas al reunirnos nosotros y traer a Jason (Bonham, hijo del fallecido batería)". Otro momento dejó claras las cosas desde un principio cuando Page definió Trampled Under Foot como, "la forma en que Led Zep ataca el blues", es decir rápido, duro, en plan sicodélico. Un periodista holandés Jean Paul Heck les vió hace mil años aseguraba que están incluso mejor que en los setenta, con mas estilo y sin los abusos de drogas.

La gente estaba de un humor mejor que excelente que llegó al delirio con Black Dog o Stairway To Heaven, dos de tantos clásicos esperados. Los únicos molestos fueron los hermanos Gallagher siempre dispuestos a montar el número.

La larga velada había comenzado con la presentación de Harvey Goldsmith y con un interminable instrumental con músicos de ELP y Yes. Sin embargo, ni Keith Emerson, ni Chris Squire, ni Alan White, ni luego Bill Wyman lograron encender a un personal expectante aunque educado. Hizo falta que saliera el gran Paul Rodgers, cantante que fue de Free y Bad Company y ahora de Queen para que la gente se decidiera a moverse. Claro que All Right Now es mucha canción.

Durante estos prolegómenos podían contemplarse detalles como un escenario de apariencia pobre, una simple tela negra con dos crespones que aludían al acto caritativo y sendas grandes pantallas a los lados. Nada que ver, parecía, con unos Stones, un Prince o unos U2.

Antes de esto y en la entrada del O2 arena todo eran inmensas colas. Colas para recoger las invitaciones, para entrar, para comprar recuerdos... Y en esas colas la presencia española de famosos y menos famosos en conversación. Sí, el mismísimo Mariscal Romero, dueño de las ondas rockeras en los setenta, charlaba con los españoles agraciados en el sorteo, Nico Bech y su hermano Paco. Sevillanos a quienes la broma les va a costar casi 1.000 euros por cabeza, pero que se animan mucho cuando se les comenta que el concierto durará dos horas: "Bueno, merecerá la pena el esfuerzo".

Aquí ya se iba viendo que el público en general superaba los cuarenta años y que sería mucho más masculino que femenino.La historia de esta historia comenzó el pasado 12 de Septiembre, cuando Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones, los tres miembros del grupo que restan tras las muerte del batería John Bonham en 1980, anunciaron una reunión única para un concierto benéfico (de ahí los más de 250 euros por entrada). A partir de ese momento se desató la locura. Lógico, la mayor banda de los setenta llevaba lustros sin ofrecer un concierto íntegro y sin editar un disco de material original desde 1979 con In Through The Out Door.

Unos 20 millones de personas se apuntaron en una lista de espera que luego quedó reducida a un millón. De ahí salieron los agraciados de la loto de las 18.000 entradas puestas a la venta. Las medidas de seguridad han rozado el absurdo, con la prohibición de comprar localidades si no es con una tarjeta de crédito a nombre del comprador (lo cual ha dejado teóricamente fuera a muchos ciudadanos, sobre todo jóvenes) y haciendo que los fans recogieran este último fin de semana las entradas-brazalete que les han permitido entrar en el O2 Arena.

El gusanillo del directo despertó meses atrás con una propuesta de Harvey Goldsmith. El promotor británico ofreció a Led Zep el plato de fuerte de una velada en homenaje al fundador del sello Atlantic, Ahmet Ertegun. Los tres supervivientes picaron el anzuelo. Convocaron al hijo de Bonham, el también batería Jason, a un local a las afueras de Londres, el pasado 10 de junio. Tocaron varias piezas los astros comenzaron alinearse. "Fue catártico, terapéutico", ha comentado Plant.

En realidad esta actuación estaba prevista para el pasado 26 de Noviembre, pero no pudo ser porque a principios de ese mes el guitarrista, Jimmy Page, se rompió el meñique de la mano derecha. No es que ese dedo se use mucho en guitarra eléctrica, pero el caso es que hubo de retrasarse la fecha para evitar males mayores.

De todas formas y aunque según una encuesta en la Web de la BBC dijera que nadie esperaba que los Zeppelines fueran a recapturar su antigua gloria, el poderío del grupo no iba a dejar que eso sucediera. Y así ha sido. Uno de los mayores grupos de pop-rock de la historia ha vuelto. Quizás incluso saquen nuevo disco. Pero no es necesario, ayer bajaron del cielo y mostraron que siguen vivos aunque mayores. Fue suficiente.

Dead Kennedys

2009-04-02T14:27:00.000-07:00

Historia

Primera época: fines de los 70

En 1978, East Bay Ray (Raymond Pepperell Jr.) un joven enamorado del Rock and Roll y la música surf pone un anuncio buscando gente para formar un grupo. A éste responde Eric Boucher, conocido como Jello Biafra. Biafra que al volver de Londres estaba impresionado por el punk, decidió formar un grupo cuando vio un concierto de los Ramones en Denver. Ambos contactan con Klaus Flouride (Geoffrey Lyall), y 6025 (Carlos Cadona). En junio nacen los Dead Kennedys. Graban su primera maqueta con East Bay Ray a la guitarra, Biafra como cantante, Klaus como bajista y 6025 a la batería. Buscando un batería con más experiencia contactan con Ted (Bruce Slesinger), pasando 6025 a la segunda guitarra. Dan su primer concierto en un restaurante filipino Fab Mab, en el norte de San Francisco. A partir de enctonces comienzan a tocar regularmente, aunque, debido a lo provocativo de sus nombre (Los Kennedys Muertos), lo hacen muchas veces con otros nombres como The Sharks, The Creamsicles, Decay o The Pink Twinkies.

En 1979 6025 abandona la banda, debido a diferencias musicales con Biafra. Graban California Über Alles, su primer single para Alternative Tentacles Records, la propia discográfica de Biafra. La canción es una feroz crítica al entonces gobernador ultra conservador de California Jerry Brown. El título de la canción hace referencia a la canción patriótica alemana "Das Lied der Deutschen", que fue adoptada como expresión de superioridad racial durante la Alemania Nazi.

Durante el año, Biafra presenta su candidatura a la alcaldía de San Francisco con el objetivo de ridiculizar el proceso electoral. Su eslogan es “There’s always room for Jello” (“Siempre hay lugar para Jello”), y presenta entre otras propuestas que los ejecutivos y los banqueros vistiesen con trajes de payaso o que a los policías los eligiesen los vecinos de los barrios en los que patrullen. En el proceso recibe más de 6000 votos, quedando el cuarto de diez candidatos.

Son invitados a una ceremonia de entrega de Bay Area Music Awards. Aparecen vestidos con camisas blancas con una “S” pintada con spray y corbatas negras (quedando así el símbolo del dólar: $) e interpretan una canción compuesta expresamente para esa ocasión: “Pull my strings”, en la que atacan a los empresarios de la música y a los artistas mainstream. No volvieron a ser invitados a la ceremonia, ni grabaron la canción en ningún álbum, pero incluyeron el tema en directo en el recopilatorio Give Me Convenience or Give Me Death (Alternative Tentacles, 1987).

En 1980 Publican su segundo single, el antimilitarista Holiday in Cambodia, en el que cargan contra los Marines estadounidenses. Ese mismo año publican su primer LP, Fresh Fruit for Rotting Vegetables. El LP incluye “California Über Alles” y “Holiday in Cambodia”, y le precede el single Kill the Poor, en el que Biafra ironiza con acabar con todos los pobres para conseguir una sociedad limpia. La canción es entendida por muchos de manera literal, así como “California Über Alles” (que se convirtió en una expresión muy usada por los jóvenes californianos de extrema derecha), lo que les empieza a acarrear sus primeros problemas y el ser tildados de fascistas. Sus conciertos son vigilados por fuerzas policiales y, a pesar de sus problemas, su popularidad se dispara dentro y fuera de Estados Unidos de América, llegando a ser disco de oro en el Reino Unido (llegó al número 33 de las listas de este país).

En 1981 Ted abandona y es substituido por D.H. Peligro (Darren Henley). Con la nueva formación publican los singles Too Drunk to Fuck y Nazi Punks Fuck Off’, donde arremeten contra el uso de iconografía nazi por parte de los punks (hay muchas fotografías en las que se ve a Sid Vicious luciendo una camiseta con una esvástica). Parece ser que la canción lleva alguna alusión velada al grupo de punk escocés The Exploited. En una gira por el Reino Unido, Jello Biafra protagoniza una pelea con Wattie Buchan, líder de The Exploited. Biafra realizó unas declaraciones en las que dijo que “The Exploited y la Policía son lo mismo”, debido a los supuestos contactos y connivencia de The Exploited con el partido ultraderechista inglés National Front. La banda escocesa responde con dos temas: “I Hate You” (dedicada a Biafra) y “Fuck The U.S.A” (dedicada a Dead Kennedys).

A finales del año publican el EP In God we trust, Inc (en el que incluyen el tema “Nazi Punks Fuck Off”). El disco contiene numerosos temas en los que se ataca a la derecha religiosa estadounidense. La canción “We’ve Got a Bigger Problem Now” es una versión de “California Über Alles” dedicada esta vez a Ronald Reagan. En esta época comienzan los roces entre Biafra y East Bay Ray cuando, según el primero, East presiona al resto del grupo para firmar un contrato con Polydor Records, una multinacional, a lo que Biafra se opone frontalmente, amenazando con dejar el grupo si sucede así.

Durante la campaña electoral de 1981, Dead Kennedys organizan conciertos de protesta frente a actos tanto del Partido Republicano como del Demócrata. Los conciertos se realizaban bajo férreas medidas de seguridad, llegando a realizarse cargas policiales en muchos de ellos.

En 1982 aparece Plastic Surgery Disasters, su segundo LP de estudio. El disco es una feroz crítica al “American way of life”, cargando contra la familia patriarcal, la televisión como forma de control social, la destrucción del medio ambiente, el imperialismo estadounidense y la derecha religiosa. Realizarán una gira de casi dos años por Estados Unidos de América, Canadá, Australia y diferentes países europeos.

Hasta 1985 no aparece su siguiente álbum, Frankenchrist, que les enfrenta con el Parents Music Resource Center (PMRC), una organización para la defensa de la moral y las buenas costumbres y que contaba con estrechos vínculos con líderes diferentes organizaciones religiosas (como Jerry Falwell y Pat Robertson). El motivo fue la inclusión en el disco de un póster con la ilustración “Penis Landscape” (“El paisaje del pene”), obra del dibujante suizo H. R. Giger. Musicalmente es su disco más ecléctico y experimental, las canciones se ralentizan (incluyen menos cortes de lo habitual) y se introducen efectos electrónicos e instrumentos como trompetas, sintetizadores o un Bellzouki eléctrico. Lo que no cambia es la lengua afilada de Biafra, criticando abiertamente el establishment socio-político con temas como “Hellnation”, “Stars and Stripes of Corruption” o “MTV – Get Offf the Air”.

1986 es el año de su disolución, debida, fundamentalmente, a enfrentamientos entre Biafra y el resto de la banda (particularmente virulentos con East Bay Ray y Klaus Flouride). En febrero dan su último concierto.

El PMRC contrata a un prestigioso bufete de abogados para demandar al grupo por de "distribución de material obscena para menores". La campaña contra los Dead Kennedys la lideran Tipper Gore y Susan Baker, junto a sus maridos Al Gore y James Baker, respectivamente, entonces miembros del Senado estadounidense. En junio de 1986 se celebra el juicio, y son condenados, cada uno, a un año de prisión y 2000 dólares de multa. Numerosas tiendas retiran Frankenchrist de sus estantes y la continuidad de Alternative Tentacles se ve seriamente amenazada.

Durante el juicio aparece su último disco, Bedtime for Democracy, en el que dejan de lado los experimentos de Frankenchrist y vuelven a la velocidad que caracterizaba a sus primeros trabajos. El disco lo lanzan a modo de obtención de fondos para costear el juicio, y se pone en marcha una campaña en defensa de la libertad de expresión en la que reciben el apoyo de músicos como Frank Zappa, Crass y las bandas de Alternative Tentacles.

En 1987 aparece la recopilación Give Me Convenience or Give Me Death, que contenía los temas inéditos “Pull my Strings” y una versión de “I Fought the Law”. Este año termina el proceso y son absueltos de todos los cargos.

Juicios y Reuniones

En el año 2000 la banda decidió reunirse de nuevo, aunque esta vez sin Jello Biafra, tras una serie de juicios por los derechos de la banda. La banda comenzó a tocar con Brandon Cruz como vocalista, sustituido en mayo de 2003 por Jeff Penalty.

Miembros

Miembros actuales:

Jeff Penalty: voz (2003- )
East Bay Ray: guitarra (1978-1986, 2001- )
Klaus Flouride: bajo (1978-1986, 2001- )
D.H. Peligro: batería (1981-1986, 2001- )

Miembros anteriores

Jello Biafra: voz (1978-1986)
Brandon Cruz: voz (2001-2003)
6025: batería (1978), segunda guitarra (1978-1979)
Ted : batería (1978-1981)

Discografía
Publicaron casi todos sus trabajos en su propia discográfica: Alternative Tentacles.

Álbumes

Fresh Fruit for Rotting Vegetables (1980).
Plastic Surgery Disasters (Alternative Tentacles, 1982).
A Skateboard Party (Alternative Tentacles/Starving Missile Records, 1983). Concierto de la gira europea de 1982. Grabado en Múnich, Alemania.
Frankenchrist (Alternative Tentacles, 1985).
Bedtime For Democracy (Alternative Tentacles, 1986).
Give Me Convenience or Give Me Death (Alternative Tentacles,1987). Recopilatorio.
Mutiny on the Bay (Manifiesto, 2001). Material en directo de la primera época de la banda (1980-1986).
Live at the Deaf Club (Manifiesto, 2004). Directo grabado en la sala Club of the Deaf el 3 de marzo de 1979.

Singles y EP's

California Über Alles (Alternative Tentacles, 1979).
Holiday in Cambodia (Alternative Tentacles, 1980).
Kill The Poor (Alternative Tentacles, 1980).
In God We Trust Inc. (Alternative Tentacles, 1981). EP.
Too Drunk to Fuck (Alternative Tentacles, 1981).
Nazi Punks fuck off (Alternative Tentacles, 1981).
Bleed For Me (Alternative Tentacles, 1982).
Halloween (Alternative Tentacles, 1982).

Vídeos

The Early Years Live (Alternative Tentacles, 1987). VHS. Reeditado en DVD por Decay Records.
The Lost Tapes (Decay, 2003). DVD.
Live at DMPO's on Broadway (Cherry Red, 2004). DVD.

Roxy Music

2009-04-02T14:18:00.000-07:00

Roxy Music es un grupo de rock surgido en la primera mitad de los años 1970 que representa el movimiento glam rock en todo su caótico y ambiguo poder. La música de Roxy Music constituye una bizarra mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock 'n' roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música actual: Brian Eno.

La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el Disco, punk, New wave, New Romantic, synth pop y uno de los pioneros indiscutibles del Dance con la canción "Angel Eyes"[1] del año 1979.

Historia

En el invierno entre 1970 y 1971, Bryan Ferry puso un aviso solicitando un teclista para colaborar con él y con Graham Simpson, un bajista que conocía de su banda "The Gas Board". Andy Mackay respondió al aviso, aunque no era teclista sino saxofonista y oboeista, pero tenía un sintetizador VCS3. Andy había conocido a Brian Eno en la universidad (ambos estaban interesados en la música avantgarde y electrónica). Al poco tiempo ambos se encontraron, y como Brian podía tocar el sintetizador, Andy lo convenció para que se uniera a la banda. Luego de que Dexter Lloyd (un timpanista) dejara la banda, se unió a la banda el baterista Paul Thompson (en junio de 1971), y un tiempo más tarde Phil Manzanera se convirtió en el guitarrista.

El primer single de la banda fue "Virgina Plain", que llegó al cuarto puesto en las listas británicas. La banda logró mucha popularidad en su país y en el resto de Europa, pero en Estados Unidos sólo obtuvo buenas críticas y se convirtió en un grupo de culto. Su primer álbum fue autotitulado e introdujo un sonido original y cercano al glam, y luego de la grabación del mismo, Simpson deja la banda y es reemplazado por John Gustafson. Tras grabar el segundo álbum ("For Your Pleasure"), Eno deja la banda por diferencias creativas con Ferry (tras lo cual comienza una extensa e importante carrera solista y como productor) y es reemplazado por Eddie Jobson (teclista y violinista).

La partida de Eno consolidó el liderazgo de Ferry, aunque la banda perdió gran parte de su aspecto experimental (sin embargo el mismo Eno reconoció que el siguiente álbum de la banda, "Stranded", fue el mejor de la misma), por lo que sonido de la banda se concentró en el aspecto más "elegante" y más "decadente", y en las baladas y la voz de Ferry, de aquí saldría el single "Street Life" y un tema musicalmente muy novedoso para la época "Amazona".

El siguiente álbum fue "Country Life" 1974 un disco con mucha más energía de cuerdas que el anterior, de aquí se desprenderían dos singles "All I want is You" y "The thrill of it all". "Siren" salió en 1975 y produjo el primer hit de Roxy Music en Estados Unidos, "Love Is The Drug"; este álbum introdujo elementos más bailables y cercanos a la música disco. Tras la gira del mismo, la banda se disolvió temporalmente, y se reunió para grabar dos álbumes, "Manifestó" de 1979 más tranquilo que los anteriores, de aquí se desprendieron dos singles "Angel Eyes" una de las canciones precursoras de la Dance Music y "Dance Away" que mostraba el nuevo pop que ofrecía la banda (hay una curiosidad en el disco y es la canción "Manifestó" con un bajo, que hace recordar mucho al bajo de la canción "Another Brick in the Wall" de Pink Floyd que apareció en el álbum "The Wall" de 1980). Luego apareció "Flesh And Blood" de 1980 un álbum muy sensitivo marcado por su diversidad musical, con unas canciones que señalarían el derrotero de ciertas corrientes musicales de los 80, este álbum contenía los singles "Over You", "The Same Old Scene" y "On the Radio". En 1981 hicieron un cover de John Lennon con la canción "Jealous Guy" a raíz del asesinato sufrido por el mismo a fines del año anterior. El álbum "Avalon" salió en 1982 y fue el último disco del grupo, y se basó en texturas atmosféricas de sintetizadores, en este disco están contenidos los singles "More than this" y la balada "Avalon". La banda se separó en 1983, y se reunió (sin Eno) en el año 2001 para salir de gira. Roxy Music apareció en el Live 8 y en el Festival de la Isla de Wight de 2005. Según un anuncio en la página oficial de Phil Manzanera, el grupo estaría grabando un nuevo álbum con la presencia de Brian Eno.

Además de Eno, varios miembros de Roxy Music tuvieron carreras solistas. Phil Manzanera grabó algunos discos y participó en álbumes de Eno y de Ferry. Mackay también tuvo una carrera solista, pero no tan importante como la de Ferry, quien grabó su primer álbum solista ("These Foolish Things", un álbum de covers) en 1973.

Integrantes

Miembros principales

Bryan Ferry - voz, teclados.
Phil Manzanera - guitarra.
Andy MacKay - oboe, saxofón.
Paul Thompson - batería (desde 1971 hasta 1980 y desde 2001).
Brian Eno - sintetizadores (hasta 1973).
Graham Simpson - bajo (hasta 1972).
Eddie Jobson - sintetizador, violín (desde 1973 a 1976).

Miembros secundarios

John Gustafson - bajo (desde 1973 hasta 1976)
John Wetton – bajo (1974-1976]])
Dexter Lloyd - batería (hasta 1971)
Roger Bunn - guitarra
Davy O'List - guitarra
Rik Kenton - bajo (desde 1972 hasta 1973)
John Porter - bajo (1973)
Sal Maida - bajo
Rick Wills - bajo
Paul Carrack - teclados (desde 1978 hasta 1980)
Andy Newmark - batería (desde 1980 hasta 1983)
Gary Tibbs - bajo (desde 1978 hasta 1980)
Alan Spenner - bajo (desde 1978 hasta 1983)
Guy Fletcher - teclados
Jimmy Maelen - percusión
Neil Hubbard - guitarra
Colin Good - teclados (desde 2001)

Discografía

Álbumes de estudio [editar]"Roxy Music" (1972) - UK #10
"For Your Pleasure" (1973) - POP #193; UK #4
"Stranded" (1973) - POP #186; UK #1
"Country Life" (1974) - POP #37; UK #3
"Siren" (1975) - POP #50; UK #4
"Manifestó" (1979) - POP #23; UK #7
"Flesh And Blood" (1980) - POP #35; UK #1
"Avalon" (1982) - POP #53; UK #1

Álbumes en vivo

"Viva!" (1976) - POP #81; UK #6
"Musique/The High Road" (1983) - POP #67; UK #26
"Heart Still Beating" (1990).
"Live" (2003).

Recopilaciones

Greatest Hits (1977) - UK #20
The Atlantic Years (1973-1980) (1983) - POP #183; UK #23
Street Life: 20 Greatest Hits - POP #100
The Ultimate Collection (1988) - UK #6
The Best Of Roxy Music (2001) - UK #12

Sencillos

"Virginia Plain" (Ago-72) - UK #4
"Pyjamarama" (Mar-73) - UK #10
"Do the Strand" (Jul-73)
"Street Life" (Nov-73) - UK #9
"The Thrill Of It All" (Oct-74)
"All I Want Is You" (Oct-74) - UK #12
"Love Is the Drug" (Sep-75) - POP #30; UK #2
"Both Ends Burning" (Dic-75) - UK #25
"Trash" (Feb-79) - UK #40
"Dance Away" (Abr-79) - POP #44; UK #2
"Angel Eyes" (Ago-79) - UK #4
"Over You" (May-80) - POP #80; UK #5
"Oh Yeah (On the Radio)" (Jul-80) - POP #102; UK #5
"Same Old Scene" (Nov-80) - UK #12
"In the Midnight Hour" (Dic-80) - POP #106
"Jealous Guy" (Feb-81) - UK #1
"More Than This" (Abr-82) - POP #102; UK #6
"Avalon" (Jun-82) - UK #13
"Take A Chance With Me" (Sep-82) - POP #104; UK #26
"The High Road" EP (Mar-83)
"Like a Hurricane" (1983)
"Love Is the Drug (en vivo)" (Oct-90)
"Love Is the Drug (Faithless mix)" (Abr-96) - UK #33

Talking Heads

2009-04-02T14:13:00.000-07:00

Talking Heads fue una banda de rock formada por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth.[1] Un par de años después se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. Luego de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación.

Historia

Esta banda fue una de las más representativas bandas de rock new wave, con elementos de estilos como el punk rock y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, el cual influenció y sigue influenciando la música popular.

Encabezado por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos. Puede resumirse su estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme "Stop Making Sense", que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

Los primeros años (1974-1977)

Formada en 1974 en la ciudad de Nueva York, la banda se llamó inicialmente The Artistics, y está formada por tres miembros, David Byrne (voz principal y guitarra), Chris Frantz (batería, percusión), y Tina Weymouth (bajo y coros). Los tres fueron alumnos de la Escuela de Diseño de Rhode Island. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: "Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de 'todo contenido, nada de acción'".

Se mudaron a Nueva York y fueron teloneros de The Ramones en el legendario club CBGB. En 1976, se unió Jerry Harrison (guitarra, teclados y voz), exmiembro de la banda de Jonathan Richman, The Modern Lovers. El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977. El grupo lanzó su primer single, "Love - Building On Fire" en febrero de ese año.

Su primer álbum, Talking Heads: 77 fue lanzado a continuación y no contenía el primer single.

Con Brian Eno (1978-1982)

Esto fue con su segundo álbum, en 1978 More Songs About Buildings and Food con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. De hecho la canción de Eno de 1977 "King's Lead Hat" es un anagrama del nombre de la banda. El estilo típico de Eno congeniaba bien con las sensibilidades artísticas del grupo. Y se ganaron la confianza para explorar en una gran variedad de direcciones musicales. Sin embargo el primer "Psycho Killer" del álbum fue un éxito minoritario, fue la versión de Al Green's de More Song's "Take Me to the River" la que hizo a Talking Heads conocida por el público en general.

La experimentación continuó con Fear of Music en 1979, el cual filtreaba con el oscuro estilo del post-punk rock. El single "Life During Wartime" creó el himno "This aint's no party, this ain't no disco". Remain in Light, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda Nigeriana Fela Kuti de quienes Eno introdujo su música en la banda, explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial. Para interpretar todos esos complejos arreglos la banda fue de gira con más miembros en el grupo, primero en el Festival de Heatwave en agosto, y más tarde en sus famosos conciertos de la película Stop Making Sense.

El single del álbum Once in a Lifetime, fracasó una vez que se lanzó en el propio país de la banda (sin embargo llegó a estar en el top 20 en el Reino Unido), pero creció en popularidad durante los siguientes años tras su video musical, una de sus primeras canciones con el poder que tendrían los videos musicales durante los años 80.

Discografía
Álbumes de Estudio

Talking Heads: 77 (1977)
More Songs About Buildings And Food (1978)
Fear Of Music (1979)
Remain In Light (1980)
Speaking In Tongues (1983)
Little Creatures (1985)
True Stories (1986)
Naked (1988)

Discos en Vivo

The Name of this Band is Talking Heads (1982)
Monkey Business USA tour (1983)
Stop Making Sense (1984)
Stop Making Sense: Special New Edition (1999)
The Name of this Band is Talking Heads: Expanded New Edition (2004)

Compilaciones

Sand in the Vaseline (1992)
Once in a Lifetime (1992)
12x12: Original Remixes (1999)
Once in a Lifetime: Box-Set (2003) (Ganador de Premio Grammy a "Mejor Diseño")
The Best of Talking Heads (2004)
Brick (2005)

Sunny Day Real Estate

2009-04-02T13:53:00.000-07:00

Sunny Day Real Estate (o SDRE) fue una banda de rock que se formó en 1992 en Seattle, Washington, Estados Unidos, con Jeremy Enigk a la guitarra y la voz, Dan Hoerner en la guitarra principal, Nate Mendel en el bajo y William Goldsmith en la batería.

Orígenes

La historia comenzó en 1992. Dan Hoerner y Nate Mendel eran compañeros de piso y tocaban juntos en sus ratos libres. Una noche en un bar Dan se quedó prendado del talento del batería de un grupo que estaba tocando en vivo. Ese batería no era otro que William Goldsmith. Dan le convenció de que tocase junto con Nate, y así fue. El prototipo del grupo empezó a dar conciertos con el nombre de Empty Set, con Greg Williamson, que era el cantante del grupo de Will y que sería manager y técnico de sonido de Sunny Day Real Estate.

El grupo grabó una demo bajo el nombre Empty Set, pero encontraron una banda que tenía el copyright sobre ese nombre, por lo cual tuvieron que cambiar el nombre del grupo a Chewbacca Kaboom. Grabaron otra t demo pero el nuevo nombre también tuvo que ser retirado por los mismos motivos. Cambiaron otra vez el nombre, llamándose ahora One Day I Stopped Breathing, que sería relegado por el definitivo Sunny Day Real Estate. Existen muchas teorías sobre el origen de este nombre: el nombre de una canción de Talking Heads, un poema de T.S. Eliot, pero la más famosa es la de una discusión entre Nate y Dan en la que ambos pensaban que en el mundo todo acabaría comprándose y vendiéndose. Nate aseguró que pronto la gente trataría de comprar "días soleados" (sunny days, en inglés). La banda, ya como Sunny Day Real Estate, grabó en 1993 una demo titulada Flatland Spider, pagada con su propio dinero y con su propia discográfica, One Day I Stopped Breathing. La demo también incluía unas caras B llamadas The Onlies.

Jeremy Enigk

Nate estaba al mismo tiempo tocando en otra banda llamada Christ on a Crutch, que se acababa de disolver pero que tenían acordada una última gira por Europa a la que Nate accedió. Mientras tanto, Will llamó a Jeremy Enigk, viejo amigo suyo que tocó en varias bandas hardcore punk en el instituto. Comenzaron hablando sobre sus vidas y acabaron hablando sobre música. Jeremy aceptó entrar en el grupo y grabaron una demo, Thief, Steal me a Peach durante la ausencia de Nate. La nueva banda escribió algunas canciones, entre ellas "Seven".

Ya con Nate de regreso de Europa, la nueva banda grabó al menos nueve canciones, entre ellas "Song About an Angel", que añadirían a la demo Thief, Steal me a Peach. Este trabajo llamó la atención de Sub Pop Records.

Diary: un antes y un después

Sunny Day Real Estate viajó a Idful, Chicago, Illinois, para grabar su primer disco de studio, Diary en 1994. La banda decidió mantener su música y a ellos mismos en secreto concediendo una única entrevista y algunas fotografías. Incluso nunca tocaron como banda original en California, lo que alimentaba aún más su misticismo. También tocaron en conciertos con bandas amigas como Shudder To Think, de Washington D.C. y Soul Coughing, de Nueva York. Sub Pop sacó grabaciones compartidas de Sunny Day Real Estate con estas dos bandas.

Sin embargo, el tremendo éxito logrado con Diary comenzó a provocar algunas tensiones en la banda. Sobre todo cuando regresaron a su Seattle natal, donde Jeremy afirmó haber sentido “un profundo sentimiento religioso” que explicaría en una carta a sus fans. Naturalmente, el guitarrista y cantante del grupo de Seattle quiso plasmarlo en las futuras canciones, pero no todos sus compañeros estaban de acuerdo en ello, lo cual provocó la decisión grabar su último álbum juntos y separarse. Sunny Day Real Estate graba su segundo álbum para Sub Pop Records, titulado con el nombre de la banda, pero más conocido como The Pink Album o LP2 por los fans. El álbum es una colección de viejas y nuevas canciones donde destacan "Friday", "Rodeo Jones" (escrita durante Diary), "J’nuh" y "8", llamada "Song #8" en la demo Thief, Steal me a Peach. El álbum salió a la venta en noviembre de 1995.

Después de esto los caminos de Sunny Day Real Estate se dividieron, como era de esperar. Dan se casó, abrió una granja llamada Coyote Canyon y comenzó a trabajar para Atlantic Records. Jeremy comenzó su carrera en solitario publicando un álbum titulado Return of the Frog Queen en 1996 para Sub Pop Records. Will y Nate ingresaron en Foo Fighters, la nueva banda de Dave Grohl (ex batería de Nirvana).

En 1997, Sub Pop Records ofrece a los antiguos componentes de Sunny Day Real Estate la oportunidad de lanzar una recopilación de rarezas. La discográfica les propone también escribir algunas nuevas canciones. En mitad del trabajo, Will y Nate acuden a Foo Fighters para grabar el disco The Colour and the Shape. Jeff Palmer, bajista de The Mommyheads, se une a Sunny Day Real Estate, que graba por primera vez como trío el disco How It Feels To Be Something On, en 1998. La banda actúa por primera vez en California, algo que en la formación original nunca ocurrió. Jeff Palmer es expulsado por tensiones en la banda y Joe Skyward (que tocó en bandas como Sky Cries Mary y The Posies) se convierte en el nuevo bajista para la gira. Ésta época coincide con el fin de la relación de la banda con Sub Pop Records.

La banda grabaría un último disco para la mítica discográfica titulado sencillamente Live (26/5/99). Un directo en Eugene, Oregón, con Jeremy Enigk, Dan Hoerner y William Goldsmith como representación a la banda original y Joe Skyward en el bajo. También salió en formato VHS.

En 2000 Sunny Day Real Estate grabaría su último disco, The Rising Tide. Fue publicado por Time Bomb Recordings y producido por Lou Giordano. En éste último álbum Sunny Day Real Estate lo formaron Jeremy Enigk, Dan Hoerner, y William Goldsmith.

Legado

La banda de Seattle fue la última gran apuesta de Sub Pop Records después de Soundgarden, Green River (luego Pearl Jam), The Melvins o Nirvana, entre otras. Sunny Day Real Estate fue la gran impulsora del emo de los 90, influenciado en gran parte por el emo de los 80 de Fugazi. El legado de Fugazi, mezclado con grunge e incluso algo de progresivo, dio el resultado de Sunny Day Real Estate. La banda abrió un amplio abanico de bandas de emo y de rock alternativo de mediados de los 90 como Jimmy Eat World (sobre todo sus comienzos), Christie Front Drive o Mineral. Además, Jeremy Enigk, Nate Mendel y William Goldsmith (todos los miembros originales de la banda excepto Hoerner) formaron en 2003 el grupo The Fire Theft, que cuenta con un único álbum a día de hoy, The Fire Theft (2003).

Discografía
Álbumes

Diary - 1994
Sunny Day Real Estate (LP2) - 1995
How It Feels To Be Something On - 1998
Live (26/5/99) - 1999
The Rising Tide - 2000

Varios

Flatland Spider - 1993
Thief, Steal Me a Peach - 1993
Friday - 1993
Seven - 1994
In Circles - 1994
Shudder to Think/Sunny Day Real Estate - 1994
Ada 4th Quarter Sampler 94 - 1994
That Virtua Feeling: Sega and Sub-Pop Get Together
Batman Forever Soundtrack - 1995
How It Feels To Be Something On / Bucket Of Chicken - 1998
Pillars - 1998
Radio Sampler - 1998

Miembros

Jeremy Enigk - cantante, guitarra (cantante principal desde 1993 hasta la disolución de la banda)
Dan Hoerner - cantante, guitarra (cantante desde 1992 hasta 1993)
Nate Mendel - bajo
William Goldsmith - batería

En el pasado [editar]Jeff Palmer - bajo
Joe Skyward - bajo

Referencias

↑ a b c «Sunny Day Real Estate - Allmusic». www.allmusic.com.

Foo Fighters

2009-04-02T12:17:00.000-07:00

Foo Fighters es una banda de origen estadounidense creada en el año 1995 por Dave Grohl, ex-baterista de Nirvana.

La banda ha conseguido varios reconocimientos y han marcado muchísimos éxitos alrededor del mundo, tales como "Big Me", "This is a Call", "Everlong", "Monkey Wrench", "Learn to Fly", "All My Life", "Times Like These", "Best of You", "D.O.A.", "No Way Back", "The Pretender", que alcanzó el puesto N° 1 en los Hot Modern Rock Tracks el sábado 1 de septiembre del 2007 y se mantuvo como número 1 por 18 semanas consecutivas. Su último single es "Let it Die".

Inicios (1994-1995)

La historia de Foo Fighters empieza cuando Dave Grohl, antiguo miembro de Scream, es contratado para hacer las labores de batería en el por aquel entonces desconocido grupo de grunge Nirvana. La casualidad quiso que el primer disco de Grohl en dicha formación, Nevermind, fuese un auténtico éxito en el ámbito "mainstream", gracias a lo cual la banda se aupó a los primeros puestos en las listas de ventas de todo el mundo. Esta situación puso a Kurt Cobain, líder del grupo, en situaciones de depresión y abuso de drogas, incomodándose por su posición de estrella mediática, lo que acabaría con su muerte en abril de 1994. Durante el tiempo en el que fue miembro de Nirvana, Dave escribió varias canciones por su cuenta que no le parecieron del todo acorde al sonido de esa banda. Por esta razón no mostró la totalidad de ellas a sus compañeros, y decidió grabar un demo por su cuenta bajo el pseudónimo Late!, nombrando el álbum como Pocketwatch. La edición de este demo se hizo en apenas cien cassettes que Grohl repartió únicamente entre sus amistades y sin pretensión alguna de editarlo comercialmente.

Tras la muerte de Kurt Cobain y la consiguiente desaparición de Nirvana, Grohl decidió seguir adelante con su carrera musical. Regresó al estudio por cuenta propia para grabar otras cuantas canciones más que ya había escrito, esta vez bajo el pseudónimo de Foo Fighters debido a la afición de Grohl por los fenómenos paranormales. Él mismo grabó todos los instrumentos en todas las canciones, a excepción de una guitarra de acompañamiento cortesía de su amigo Greg Dulli (guitarrista de Afghan Whigs).[1] Igualmente editó esta grabación en cassette y la repartió entre sus amigos. Sin embargo, en esta ocasión recibió muy buenos comentarios e incluso una de las canciones, This is a Call, empezó a tener rotación en la radio angelina, razón por la cual decidió formalizar lo que hasta el momento era sólo un proyecto y reclutó a otros músicos para formar una banda oficialmente, creando además su propio sello discográfico: Roswell Records, subsidiaria de Capitol Records.[2]

Fue así como se dio inicio a los Foo Fighters, cuyo nombre proviene de la forma en que llamaban los pilotos aliados a los objetos voladores no identificados (OVNI) durante la Segunda Guerra Mundial.[1]

Foo Fighters (1995-1997)

Inicialmente el co-creador y ex miembro de Nirvana, Krist Novoselic, era candidato a entrar en la banda, pero llegaron al acuerdo de que no querían que Foo Fighters fuese un calco de dicha banda. Por ello invitó como guitarrista a su compañero en las giras de Nirvana, Pat Smear, y a Nate Mendel y William Goldsmith del recién separado grupo Sunny Day Real Estate para tocar el bajo y la batería, respectivamente. Este primer disco cosechó buenos comentarios por una parte de la crítica profesional, y en el plano comercial no le fue nada mal, consiguiendo disco de platino al aprovecharse del tirón de Nirvana como ex-banda de Grohl.[1] Algunas canciones de este álbum fueron compuestas mientras Dave era miembro de Nirvana, como por ejemplo Big Me (mejor vídeo de 1995 según MTV), tocada en algunas ocasiones con Kurt Cobain en la batería en su época en Nirvana.

The Colour and the Shape (1997-1999)

Tras el gran éxito que tuvo la banda, estuvieron de gira durante varios meses presentándose por todo Estados Unidos y algunas ciudades de Europa (incluido el éxito masivo en Inglaterra). Aun así, tras casi dos años de gira exhaustiva, Pat Smear decidió dejar la banda debido al agotamiento, no sin antes grabar en 1997 su segundo álbum, The Colour And The Shape, el cual contiene grandes éxitos como Monkey Wrench, My Hero, Hey, Johnny Park! y Everlong. Para la grabación del disco, William Goldsmith fue requerido sólo en Doll y Up in Arms, lo que provocó su abandono del grupo después de varias discusiones. Otras fuentes citan enfrentamientos entre el productor Gil Norton y Goldsmith los que provocaron la salida de éste último.[1] Cabe destacar que este disco no tuvo éxito comercial, aunque una parte de la crítica lo proclamó como uno de los mejores discos de rock de la década de los 90.

Buscando un sustituto que ocupase el puesto de batería en el grupo, Grohl llamó a Taylor Hawkins (ex miembro de Hot Chocolate, la banda en vivo de Alanis Morissette) para preguntarle si conocía a alguien que pudiese ocupar el lugar de Goldsmith, pero, para sorpresa de Grohl, Hawkins se ofreció para tomar las labores de batería. Asimismo, Dave contrató a Franz Stahl (ex compañero de Grohl en la banda Scream) en las guitarras, quien dejó la banda antes de la grabación del siguiente disco por "diferencias creativas".

There Is Nothing Left to Lose (1999-2002)

En 1999, Grohl decidió tomar un descanso y regresar a su natal Virginia. Después de un par de meses de radicar ahí, convirtió el sótano de su casa en un estudio de grabación donde comenzaron a trabajar en lo que se convertiría en su tercer álbum, There is Nothing Left to Lose. Este disco contaría con un tono mucho más melódico que sus predecesores. De éste se desprenden temas como Breakout (que se incluiría en la banda sonora de la película Yo, yo mismo e Irene), Next Year (banda sonora de la serie televisiva Ed), Generator, Stacked Actors y Learn to Fly (número 1 en la lista del Billboard).[1]

Después de la salida de Stahl, la banda probó a un gran número de guitarristas, dando finalmente con Chris Shiflett, ex-integrante de No Use for a Name y Me First and the Gimme Gimmes. Pero la banda ya estaba terminando de grabar el álbum, razón por la cual no aparece en los créditos del mismo.

Ese mismo año Foo Fighters estableció contacto con la banda de rock Queen. Brian May colaboró en el segundo cover que realiza Foo Fighters del tema de Pink Floyd Have a Cigar, que apareció en la banda sonora de la película Misión Imposible 2.[2]

Cuando Queen entró en el salón de fama del rock en marzo de 2001, Grohl y Hawkins son invitados para tocar junto con la mítica banda el tema Tie your Mother Down.[2] Foo Fighters tocó con ellos en otras ocasiones, incluido el VH1 Rock Honors y su concierto en el Hyde Park de Londres.

Alive & Well

En 2000, la banda reconoció en público su apoyo a Alive & Well,[3] una organización estadounidense que no cree que el virus de inmunodeficiencia humana sea la causa del SIDA, además de cuestionar la validez de los controles para detectar el virus y negar el uso de medicamentos para frenar las causas de la enfermedad. El bajista Nate Mendel fue quien recomendó el libro de la fundadora de la entidad, Christine Maggiore, al resto de los miembros de la banda.

Ese mismo año, Mendel organiza un concierto en beneficio de la organización,[3] así como colaboraciones del documental promovido por dicha sociedad llamado The Other Side of AIDS (la otra cara del SIDA).[4]

One by One (2002-2005)

A finales de 2001, y ya con su nuevo guitarrista, la banda regresó a Virginia para trabajar en un nuevo disco que no satisfizo las expectativas de Grohl, razón por la cual decidió abandonar las sesiones de grabación y tomar un receso. Durante este tiempo grabó las baterías en el disco Songs for the Deaf de Queens of the Stone Age,[1] saliendo también de gira con ellos durante 2002. Shifflet trabajó también en un proyecto propio durante este tiempo, un grupo de punk llamado Jackson (ahora Jackson United). Habiendo retomado nuevos bríos, la banda regresó al estudio para volver a grabar en tan sólo dos semanas el disco que tenía preparado antes de su etapa en Queens of the Stone Age, titulado One by One. Esta grabación está compuesta por canciones como All My Life, Low, Overdrive, Comeback, Have it All y Times Like These. El vídeo de Low fue tremendamente criticado y censurado en muchas emisoras del mundo, ya que en él aparecía Grohl, junto con su amigo Jack Black, visiblemente borracho y posando en posturas obscenas. Este disco les sirvió para consolidarse definitivamente como una de las propuestas de rock alternativo más importantes y vigentes de nuestros días, viajando nuevamente de gira por todo el planeta.

Polémica político-estadounidense

La banda se suele mantener alejada de temas políticos, pero en 2004, Grohl decidió apoyar al candidato para la presidencia de los Estados Unidos, John Kerry; a raíz de este suceso, toda la banda se unió a la propuesta de Grohl y realizó conciertos para su campaña. Entonces, su contrincante, George W. Bush, utilizó dos de sus canciones, Times like These y My Hero, para sus campañas, declarándose fanático de la banda, cosa que a Dave Grohl no le agradó en absoluto.[2] Este suceso fue el que inspiró el título de su siguiente álbum, In Your Honor.[2]

In your Honor (2005-2007)

Concierto en Londres en 2006Para el 2004 deciden mudarse a Los Ángeles y construir un nuevo estudio en una gran bodega, que Grohl llamó Studio 606 West. Sin embargo, la grabación de un nuevo álbum debía justificarse con la redefinición del sonido del grupo. Por esta razón decidieron llevar a los extremos sus composiciones trabajando en un álbum doble que se compondría de un disco con canciones rockeras y potentes, y otro más con canciones sólo acústicas. El día 14 de junio de 2005 salió a la venta In Your Honor. Dave Grohl admitió que estaba enojado consigo mismo ya que había grabado muy rápido el disco One by One y no le gustó el contenido; así pues le puso más atención a éste nuevo. Según sus palabras, Dave Grohl dijo: "Si dentro de 20 años un hijo le pregunta a su padre: '¿Conoces a los Foo Fighters? ¿Qué disco debería tener?'; sin duda alguna la respuesta sería "In Your Honor".[5] Con esta declaración Dave Grohl dejó más que claro que este disco es el primero que ha realizado con tanto trabajo y que le parece simplemente fenomenal.

Este álbum se destaca por ser un disco doble: en el primer disco se puede notar bastante influencia del heavy metal, especialmente en canciones como Free Me, aunque las demás están dentro de los parámetros del hard rock; entre ellas sobresale No Way Back, Best of You, End Over End o D.O.A..

En el segundo disco se pueden notar influencias del rock alternativo, además de tener formato acústico: es más relajante y melancólico que el anterior, y por momentos la voz de Grohl se asemeja a la de un trovador; las canciones más destacables son: Miracle, Over and Out, Friend of a Friend o Virginia Moon, con Norah Jones.

Skin and Bones

En 2006, Foo Fighters lanzó en formato de CD y DVD Skin And Bones, en el cual se editaron en vivo sus canciones más conocidas en formato acústico. Para su grabación se contó con la participación de Pat Smear, ex miembro de la banda. El disco fue un resultado de una pequeña gira acústica en apoyo de In Your Honor, aprovechando para tocar algunas de las canciones menos conocidas de la banda.

Las 15 canciones fueron grabadas en agosto del 2006 en el Pantages Theater de Los Ángeles.

Live Earth

En julio de 2007, Foo Fighters se presentó en Londres junto con otros artistas para tocar en el Live Earth, un festival musical que lucha contra el hambre, la pobreza y el calentamiento global. En el mismo tocaron los temas All My Life, My Hero, Times Like These, Best of You y Everlong. Este concierto está considerado como uno de los mejores de la banda, siendo señalado en una entrevista a Taylor Hawkins como el "punto cumbre" de la carrera de la banda,[6] gracias en parte a los 70.000 espectadores que vieron el concierto en directo, además de las positivas críticas con las que fue recibido.[7]

Además de Foo Fighters, otros artistas que actuaron en el concierto londinense fueron Madonna, Red Hot Chili Peppers, The Black Eyed Peas, Beastie Boys, Metallica, John Legend, David Gray, Snow Patrol, Terra Naomi, Spinal Tap, SOS All Stars, Razorlight, Paolo Nutini, M People, Keane, Kasabian, James Blunt, Geri Halliwell, Genesis, Duran Duran, Damien Rice, Corinne Bailey Rae, Chris Rock, Bloc Party y The Pussycat Dolls.

Echoes, Silence, Patience & Grace (2007)

El último disco de Foo Fighters fue lanzado el 25 de septiembre de 2007: bajo el título de Echoes, Silence, Patience & Grace, y producido por el mismo productor de su gran álbum, The Colour and the Shape, siendo presentado con el single The Pretender, que ya estaba alcanzando una gran popularidad un mes antes de la edición del álbum.

El disco cuenta con 12 temas y la colaboración de la guitarrista Kaki King en el tema The Ballad of the Beaconsfield Miners (dedicado a unos mineros atrapados en una mina de Australia que pidieron un MP3 con música de Foo Fighters), hasta ahora único tema instrumental en la discografía del grupo. Otra de las peculiaridades del álbum son los coros, llevados a cabo por Taylor Hawkins en lugar del propio Grohl, quien venía ejerciendo esta labor en los anteriores trabajos de la banda. Asimismo, la banda tiene previsto comenzar su gira de presentación del álbum por los Estados Unidos en 2008.

Una de sus canciones, Let it Die, está inspirada, según Grohl, en "la caótica relación entre Kurt Cobain y Courtney Love".[2]

Como opinión del CD, Dave Grohl dijo: "Suena definitivamente como un álbum de Foo Fighters, pero nos estamos moviendo en diferentes direcciones".[7]

El video musical Long Road to Ruin se estrenó el 1ro de Noviembre con su Single publicado el 3ro de Diciembre. En el video aparece la Actriz Rashinda Jhones con quien había colaborado previamente con otros temas de la banda.

En la 50º edición de los premios Grammy, la canción "The Pretender" consiguió el premio en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock. Además, el álbum que la contiene, Echoes, Silence, Patience & Grace consiguió el galardón en la categoría de Mejor Álbum de Rock.

Live At Wembley Stadium (2008)

Live At Wembley Stadium es un DVD en vivo de Foo Fighters. Fue grabado durante dos shows llevados a cabo en el Estadio de Wembley, en Londres, los días Viernes 6 y Sábado 7 de Junio de 2008. El DVD incluye una combinación de temas de las dos noches, siendo estos los grandes éxitos de toda la carrera de Foo Fighters. Se hacen notar las colaboraciones de John Paul Jones y Jimmy Page como invitados especiales en los temas Ramble On y Rock and Roll.

Descanso

El 17 de Septiembre de 2008, Dave Grohl anunció en The Chris Moyles Show que la banda iba a tomar un largo descanso de la música. Así, dijo, ellos podrían volver con un nuevo sentido de propósito. Grohl también informó a los fans que no esperaran nueva música por un tiempo. "Nunca nos tomamos un largo descanso, creo que es el momento" Comentó Grohl "Después de hacer Wembley, no volveremos allí por 10 años porque ya hemos tocado para todos. Estuvimos en el Reino Unido todos los años, cada verano, y creo que es tiempo de tomar un descanso y volver cuando la gente realmente nos extrañe."[8] La banda está en actividad desde su formación en 1995.

Miembros
Oficiales

Dave Grohl - Voz, segunda guitarra, batería y piano ocasionalmente
Chris Shiflett - Primera guitarra y voz (1999-presente)
Nate Mendel - Bajo
Taylor Hawkins - Batería, percusión, guitarra ocasionalmente y voz (1997-presente)

Antiguos

William Goldsmith - Batería (1995-1997)
Pat Smear - Guitarra y voz (1995-1997)
Franz Stahl - Guitarra y voz (1997-1999)

Miembros en directo [editar]Pat Smear - Guitarra (2006-presente)
Rami Jaffee - Teclados, piano y acordeón (2006-presente)
Jessy Greene - Violín (2007-presente)

Antiguos miembros en directo

Drew Hester - Percusión (2006-2007)
Petra Haden - Violín y coros (2006-2007)

Discografía

Álbumes

Foo Fighters - 1995
The Colour and the Shape - 1997
There Is Nothing Left to Lose - 1999
One by One - 2002
In Your Honor - 2005
Skin And Bones - 2006
Echoes, Silence, Patience and Grace - 2007
The Missing Pieces - 2008

Referencias

↑ a b c d e f «Biografía de la banda en AlohaPopRock». Consultado el 1 de octubre de 2007.
↑ a b c d e f «Biografía de Foo Fighters en MTV». Consultado el 20 de octubre de 2007.
↑ a b «Foo Fighters niegan el SIDA». Consultado el 23 de septiembre de 2007.
↑ «Novela de Tara C. Smith Steven P. (2007) HIV Denial in the Internet Era». Consultado el 23 de septiembre de 2007.
↑ «Crítica de In Your Honor en AlohaPopRock». Consultado el 1 de octubre de 2007.
↑ «YouTube». Consultado el 29 de octubre de 2007.
↑ a b «NME». Consultado el 29 de octubre de 2007.
↑ «Foo Fighters to take 'long break'». NME (2008-09-17). Consultado el 2008-09-18.

Historia de Kurt Cobain

2009-04-02T04:54:00.000-07:00

http://www.vidasdefuego.com/kurt_cobain.htm

Juventud y niñez de Kurt Cobain Cobain

La legendaria estrella de Rock, creador del género Grunge, en su tiempo, tuvo una vida llena de momentos intensos. La guitarra eléctrica lo acompañaría desde muy corta edad, llegando a destruir en el escenario varias de ellas en los lapsos de mayor locura en el escenario. A menudo es recordado como uno de los mejores guitarristas de su época, con una creatividad grandiosa y original, que sabía imprimirle a la guitarra. Esta es la vida de Kurt Cobain.

Cuando Kurt Cobain cumplió los seis meses la familia se mudo a Aberdeen, una ciudad de leñadores cercana al pueblecito de Hoquiam, cuya población no supera los 20.000 habitantes. Tres años después nacería la única hermana de Kurt Cobain, Kim Cobain. Aberdeen tiene el dudoso honor de ser una de las ciudades con la tasa de suicidio mas elevada de los Estados Unidos, 27 suicidas por cada 100.000 habitantes, el doble de la media nacional. La elevada tasa de desempleo, alcoholismo, drogadicción y violencia domestica ayudan a completar el cuadro.

De la familia de su madre Kurt Cobain heredó, los genes musicales: el tío de Wendy grabó algunos discos en los cincuenta con el nombre de Dale Arden. Su sobrino y hermano de Wendy, Chuck, tocaba en una banda de rock and roll, y la hermana de Chuck, Mary, tocaba la guitarra country en bares de la zona de Aberdeen, e incluso llego a grabar un single. ella fue la que le regalo a Kurt Cobain algunos discos de Los Monkeys y de Los Beatles cuando el niño cumplió siete años. También intento enseñar a Kurt Cobain a tocar la guitarra. No lo consiguió porque al niño, que había sido diagnosticado como hiperactivo, le costaba mucho concentrar su atención (a Kurt Cobain se le trató con el mismo medicamento que a Courtney: el Ridilin). Así que tía Mary acabó por regalarle al pequeño un tambor, y a los siete años Kurt Cobain se paseaba por el vecindario cantando a pleno pulmón "Hey Jude" y "Revolution" y aporreando el tambor con energía.

De la familia de su padre heredo Kurt Cobain los genes depresivos: cuando Kurt Cobain tenia doce años su tío burle se suicido pegándose un tiro en el abdomen. cinco años después kenneth, hermano de burle, se volaba la cabeza de un tiro. courtney love solía referirse al suicidio como a "la maldición de los cobain".

"Mi madre siempre ha sido muy cariñosa conmigo - recordaba Kurt Cobain - creo que tuve una infancia feliz". Desde pequeño Kurt Cobain mostró unas excepcionales aptitudes para el dibujo. Era también un niño con problemas de salud: padecía bronquitis crónica y escariosis (una desviación de la espina dorsal, que se le acentúo con los años debido al peso de la guitarra). Detalle curioso: de pequeño Kurt Cobain era ambidextro, aunque acabo zurdo.

El divorcio de los padres de Kurt Cobain Cobain

Los padres de Kurt Cobain se divorciaron cuando el niño contaba ocho años. Fue Wendy la que decidió divorciarse, en contra de la opinión de Don. Wendy se quejaba de que Don apenas pasaba tiempo en casa. Cuando no trabajaba se dedicaba a su afición favorita: el deporte. Jugaba al baloncesto y al béisbol, entrenaba equipos y arbitraba partidos. El divorcio afectó profundamente a Kurt Cobain. De la noche a la mañana paso de ser la alegría de la casa a convertirse en un niño tímido e introvertido. Veinte años mas tarde el propio Kurt Cobain reconocería que el divorcio de sus padres había sido el mayor trauma de su existencia.

Después del divorcio, Kurt Cobain estuvo viviendo con su madre durante un año. Pero el pequeño Kurt Cobain no acababa de congeniar con el nuevo novio de su madre (al principio Wendy atribuyo esta antipatía a los celos. No fue hasta cinco años mas tarde cuando cayo en la cuenta de que Pat sufría serios trastornos mentales: era un esquizofrénico paranoico). Incapaz de controlar las rabietas de Kurt Cobain, Wendy envió al niño con su padre, que vivía en un remolque en Montesano, una pequeña comunidad de leñadores situada a veinte millas al este de Aberdeen. Kurt Cobain sentía que no tenía demasiado en común con su padre. Don solo estaba interesado en los deportes, que a Kurt Cobain le decían mas bien poco, y no conseguía entender - y mucho menos compartir- el interés de su hijo por el dibujo y la música. Poco después de empezar a vivir con Kurt Cobain, Don volvió a casarse. Su nueva mujer aportó dos hijos al matrimonio.

La familia al completo se mudó a una casa como dios manda - o sea, sin ruedas- y empezaron los problemas Kurt Cobain no soportaba a la nueva familia, y muy en particular a su madrastra "la persona más hipócrita que he conocido en mi vida". "nunca sentí que tuviera un padre, una figura cercana a mí con la que tuviera algo que compartir. creo que mi padre me dio por imposible porque creyó que mi madre me había lavado el cerebro" recordaba Kurt Cobain mas tarde. además, Kurt Cobain no soportaba el empeño que don tenia por que su hijo sobresaliese en las actividades deportivas. su padre le inscribió en un torneo de lucha libre que Kurt Cobain perdió intencionadamente, por pura mala leche. y cuando don le llevó a cazar, Kurt Cobain se negó a unirse a la expedición y se paso el día en la camioneta, contando arbustos.

Pero la convivencia con su padre supuso, al menos, una aportación positiva para Kurt Cobain: su padre se suscribió al club postal de discos de columbia y así fue como Kurt Cobain pudo escuchar discos de aerosmith, led zeppelin, black sabbath y kiss, que llegaban por correo y que su padre ni siquiera abría. finalmente don acabo por decidir que el tampoco aguantaba vivir con su hijo, así que Kurt Cobain, como en su día sucediera con courtney, se convirtió en un fardo que sus familiares se pasaban de mano en mano. vivió con tres tíos y tías diferentes, y unas dos veces al año le tocaba mudarse desde montesano a aberdeen, o viceversa, cambiando de casa y de colegio.

Wendy sentía que su deber moral era el de acoger a Kurt Cobain en su casa, pero en aquel momento ella también estaba atravesando numerosas dificultades. se estaba separando de su novio, que había abusado física y mentalmente de ella (una vez le dio tal paliza que wendy acabo en la sala de urgencias del hospital local) y, además, acababa de perder su trabajo. así que le pidió a su hermano chuck que se hiciese cargo de Kurt Cobain.

Kurt Cobain Cobain recibe su primera guitarra

Chuck, era guitarrista, le regalo a Kurt Cobain su primera guitarra con ocasión de su decimocuarto cumpleaños. se trataba de una guitarra eléctrica de cuarta mano y de marca desconocida que venia acompañada de un mini amplificador curtelux de apenas diez watios de potencia. pero Kurt Cobain se sintió entusiasmado y en menos de una semana había aprendido a tocar su primera canción a la guitarra: "back in black", de ac/dc.

A los catorce años Kurt Cobain era un chico enfermizamente tímido que no intercambiaba palabra con un alma en la escuela. no tenía un solo amigo. cuando las clases terminaban se iba directamente a casa y practicaba con su guitarra hasta que llegaba la hora de acostarse, tocando canciones de led zeppelin, queen y de los cars. por aquella época empezó a interesarse por la explosión punk. pero a la diminuta aberdeen no llegaba un solo disco ingles de punk. Kurt Cobain solo sabia de las andanzas de los sex pistols a través de lo que leía en las revistas. en su cuarto tocaba la guitarra tal y como imaginaba que debía sonar la de steve jones: una especie de riff-rock correoso y guarrón.

En el instituto conoció a dos chicos que se llamaban scott y andy, y que tocaban respectivamente el bajo y la guitarra. ensayaban en un almacén de carne abandonado que estaba fuera de la ciudad. un día los tres tocaron allí y decidieron formar una banda. Kurt Cobain dejo allí su guitarra convencido de que al día siguiente volvería a ensayar en el mismo sitio. pero los días pasaban y sus colegas no parecían muy decididos a repetir la experiencia. y Kurt Cobain no podía recuperar su instrumento porque wendy no se decidía a llevarle hasta el lejano almacén y él era demasiado joven para conducir. cuando por fin consiguió convencer a un amigo de que le llevara, se encontró con la guitarra hecha pedazos, abandonada entre los arboles.

Kurt Cobain empieza su carrera artística

En mayo de 1984 Wendy Cobain se casó por segunda vez con un guardabosque llamado pat o'connor. Después de mucho llorar y suplicar, Kurt Cobain consiguió que su madre le permitiese volver a vivir con ella. Poco después, y tras una sonora pelea conyugal en la que wendy apunto a su marido con una pistola, la nueva y arrepentida señora O'connor, hizo un paquete con todas las armas que encontró en la casa (pistolas, revólveres, y rifles de caza) y lo tiro al río. Kurt Cobain, que lo había visto todo, convenció a unos compañeros la escuela para que recuperaran el paquete, otros dicen que le pagó a un chico mayor que él para que las sacara. Al tener las armas, las empeñó y se repartieron el dinero. Así fue como Kurt Cobain pudo comprarse su segunda guitarra. En su nueva casa Kurt Cobain volvió a la guitarra con ánimos renovados. Pero ahora no se limitaba a tocar temas conocidos. Empezó con sus propias composiciones, y además, cantaba. Bastante mal (según su madre).

En la escuela se inscribió en el equipo de baloncesto, no porque le interesara mucho ni poco, sino porque estaba obligado a practicar algún deporte. Kurt Cobain se limitaba a dar unos cuantos botes al balón antes de practicar alguna personal intencionada que le permitiera volver al banquillo de los suplentes. Fue en el banquillo donde conoció a matt lukin, un chico algo mayor que él, fan de cheap trick y kiss, que tocaba el bajo en el que seria el primer grupo punk de aberdeen: los melvins.

Kurt Cobain se convirtió rápidamente en fan incondicional de the melvins. Asistía a sus ensayos y a todos sus conciertos, les ayudaba a cargar y descargar el equipo. Fue matt lukin quien llevó al joven cobain a presenciar su primer concierto en directo: black flag, en seattle. Y fue a través de los melvins como Kurt Cobain conoció a krist novoselic, que por entonces vivía a base de realizar trabajos ocasionales de todo tipo y escuchaba a led zeppelin, devo, kiss y black flag. Así nació el grupo seminal de lo que seria más tarde nirvana: ed, ted y fred. O lo que es lo mismo, cobain a la batería, novoselic a la guitarra y un bajista llamado steve, que desapareció al poco tiempo, dejando a Kurt Cobain y krist libres para tocar con cualquiera de los melvins que estuviera disponible, o para tocar versiones de la creedence en los clubes locales.

Por aquel entonces wendy cobain echó a su hijo de casa y durante un verano Kurt Cobain acampó debajo de un puente. También se dejaba caer de vez en cuando por el sofá de algún amigo hasta que matt lukin lo acogió en su piso. Kurt Cobain comenzó a trabajar como chico de la limpieza, limpiando pensiones y consultorios de dentistas. Entretanto novoselic y Kurt Cobain se entretenían tocando las canciones punk que Kurt Cobain componía y decorando las paredes de aberdeen con pintadas del tipo "dios es homosexual" o "matar a cristo", una de las cuales le costo a Kurt Cobain treinta días de arresto menor por acto de vandalismo.

Kurt Cobain alcanza la fama

Krist Novoselic y Kurt Cobain tienen contacto con el batería Chad Channing, y con el sello discográfico Sub Pop en Seattle. El primer nombre de la banda fue "Feccal Matter", en donde fueron solamente demos y posteriormente los tres nombran a la banda como Nirvana. En 1989 aparece su primer álbum Bleach. El 11 de abril de 1989 se encuentra por primera vez Kurt Cobain con Courtney Love en el Satyricon Club en Portland. Rápidamente Nirvana empezaría su primer Tour por Europa, en donde la música de la banda, y el estilo grunge en general, empezarían a gustar.

Después de escuchar una grabación-demo de Dave Grohl, sería este aceptado como nuevo batería. En junio 1991 empieza la grabación del segundo álbum: Nevermind. El productor es Butch Vig (Garbage), quien más tarde diría que sin Dave, Nirvana nunca hubiera tenido tanta energía.

El álbum no es un éxito todavía, pero Nirvana empieza ya su segundo Tour por Europa, el cual duraría más de 6 meses. Kurt Cobain: 'lo único que deseo es ir a casa, solo a casa...' (entrevista con la revista alemana Visions en 1992). El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con Courtney Love en Waikiki en Hawaii. La opinión de muchos seria que Kurt Cobain se deja manipular por ella. El 18 de agosto del mismo año nacería su hija Francés Bean.

En Diciembre 1992 aparece Incesticide, una recopilación de demos desconocidos y singles. En el verano de 1993 aparece In Utero, el tercer álbum de estudio. El productor es Steve Albini, que también había trabajado con REM. En principio el título del disco iba a ser "I Hate Myself and I Want to Die", a lo cual la discográfica se negó por pensar que podía ser una apología del suicidio, Geffen quería hacer un "Nevermind II". El álbum fue mezclado varias veces debido a que Kurt Cobain quería huir totalmente de cualquier sonido comercial y del éxito de Nevermind, con lo que la discográfica no estaba muy de acuerdo.

En Otoño empieza el que sería el último Tour, esta vez mundial. Además esta vez con un segundo guitarrista: Pat Smear que acompaña a Kurt Cobain. En diciembre graban un unplugged para MTV y en noviembre la banda se presenta en Saturday Night Live.

Comienza la decadencia

Desgraciadamente, Kurt Cobain comenzó a ingerir drogas y declaró que empezó a consumir heroína a principios de los 90´s, él decía que la usaba porque era como un escudo contra las largas jornadas de trabajo que le ocasionaban las giras y también para calmar el dolor que le provocaban las ulceras estomacales y la irritación de los intestinos.

Continuó escribiendo sus canciones enfocándose a ese toque sutil que lo caracterizaba, estaba muy estresado tratando de encontrar la forma de como escribir sus canciones y de cómo se tenían que interpretar ya que a menudo estas podían ser completamente diferentes.

En febrero de 1992 se casó con courtney love en hawaii, más tarde, ese mismo año, nirvana lanzaba su tercer álbum, el incesticide y en agosto Kurt Cobain era hospitalizado para recibir un tratamiento por abusar de la heroína. Poco después, nació su hija a quien llamó frances bean. En 1993 el grupo lanza otro álbum llamado in utero, el cual fue muy aclamado por la prensa musical ya que contenía algo del mas apasionado trabajo de cobain, canciones como all apologies y heart-shaped box, detallaban aspectos de su frágil matrimonio, otras canciones como scentless apprentice detallaban la agonía y los estragos de experiencias que había tenido.

El suicidio de Kurt Cobain

Kurt Cobain era un fanático de las armas y a veces tenia varias de ellas en su posesión y también formas de confiscación de las mismas. En el invierno de 1993-1994 nirvana se embarco en una extensiva gira por europa. En 20 conciertos, Kurt Cobain tuvo algunos problemas de salud y algunas presentaciones fueron suspendidas hasta que se sintió bien. Cuando se recupero voló a roma con su esposa quien se preparaba para comenzar una gira con su propia banda. El 4 de marzo de 1994 cobain ingreso al hospital en estado de coma después de un fallido intento de suicidio al tomar un cóctel de medicamentos. Este intento de suicidio fue considerado oficialmente como un accidente pero sus familiares y amigos sabían la verdad.

Días después de que se recupero, regreso a seattle. Courtney Love , sus amigos y managers convencieron a Kurt Cobain para que entrara a un programa de desintoxicación en los angeles california. Según dice su madre, el solo asistió a este tratamiento un par de veces.

Al estar en seattle, Kurt Cobain temía por su vida y es por eso que compró una escopeta. El 5 de abril de 1994, según informes policiacos, Kurt Cobain se fue a un invernadero que tenía detrás de su casa, puso en su boca el arma y jalo del gatillo. Su cuerpo fue encontrado por un electricista que iba a la casa a instalar un sistema de seguridad, al ver que nadie le contestaba en la puerta principal, se fue a dar la vuelta para ir a la puerta trasera. Allí vio algo que según él parecía un maniquí tirado en el piso pero vio que tenia sangre en al oreja. Dio aviso a la policía y cuando abrieron la puerta encontraron a Kurt Cobain muerto en el piso, cerca de él encontraron una nota de suicidio escrita en tinta roja supuestamente dirigida a su hija frances bean (en realidad era dirigida para sus fanáticos) que solo contaba con 19 meses de edad la nota de suicidio termina con las palabras " i love you, i love you".

Se fue a los veintisiete, como hendrix, como janis, como morrison y sid. Y como ellos, supuestamente no pudo resistir ni las presiones del éxito ni los desengaños de todos los días. Venía de una niñez infeliz y una ciudad rica en fantasmas, donde la niebla, la lluvia y la nieve oscurecen el sol durante nueve meses del año y el cinturón industrial (dedicado a abastecer el mercado bélico) provee los pocos empleos que los jóvenes se disputan ávidamente.

Solo en la muchedumbre, se reveló contra todos, seguro de que no tenía por qué aceptar lo que otros le servían, ya masticado y digerido, quiso cambiar las cosas y cuando comprendió que le sería muy difícil tomo el lápiz y la guitarra y se lanzó a gritar lo suyo, a hacer escuchar su voz, que era la voz de muchos que no la tenían.

En medio de la soledad conoció a dos hombres y una mujer que jugarían papeles importantes en su vida y le darían uno que otro momento de sosiego. Eran dave grohl y krist novoselic con los que formó Nirvana y le enseño al mundo que era la filosofía de seattle. Con la segunda se casó y estáticamente feliz e insondablemente desdichado. Como sid y nancy, Kurt Cobain y courtney Love pasaron de la simbiosis a la desesperación, del amor al odio y de la pasión a la agresión.

Tuvieron una hija que los llenó de una felicidad temporal pero los problemas ya habían ido demasiado lejos, y llegaron a perder su custodia a fuerza de excesos de alcohol y de drogas. El delicado equilibrio nunca pudo contra las broncas y las frustraciones, y el echo de que millones de adolescentes de todo el mundo se identificaran con sus versos ácidos y sus himnos desesperados, no lo hacían más feliz ya que sólo significaba que las cosas estaban tan mal o peor que como el las veía en sus pesadillas más negras.

Y en la bronca se peleaba con los grandes de la industria que lo soportaban con la sonrisa indulgente de los que sólo se preocupan de las ventas y con los grandes de la prensa y terminaba en su bronca incendiando una micro en gira o peleándose con un público que igualmente lo adoraba. Dejó plantados a muchos, ofendió a otros y lloró de rabia impotente cuando ni siquiera todo el poder implícito en ser "una estrella fiel rock" bastó para conseguirle una felicidad que siempre le fue negada. al parecer este mundo no era para él, no lo quería, no le gustaba, no le bastaba.

Nirvana

2009-04-02T04:38:00.000-07:00

Formado en Aberdeen, Washington, EU, en 1988, el Nirvana que la generación MTV comenzó a admirar es compuesto por Kurt Cobain, Krist Novaselic y David Grohl. Grohl fue algo como nuestro sexto baterista explicaba Cobain, lo recluimos de la banda Dain Bramage de la costa este, habiendo tocado previamente con Scream y grabado con Minor Threat para Dischord Records. El baterista original fue Chad Channing, en un punto J.Mascis de Dinosaur Jr. quien trabajo permanentemente con Dan Peters de MudHoney. Habiendo firmado con Sup Pop Records el trío debuto con el sencillo "Love Buzz/Big Chesse", una canción escrita y grabada por la banda holandesa de los 70, Shocking Blue. El segundo guitarrista Jason Everman, fue agregado anterior a Bleash lo que le costo a la banda un empobrecido álbum. Aunque fue fotografiado en la portada no toco ninguna parte del álbum (se unio a Mindfunk, por medio de Soungarden y Skunk). Nirvana confirmo su habilidad de combinar los fuertes punteos y la melodía y atrajo rápidamente a seguidores. Channing dejo la banda después de una gira europea y Don Peters de Mudhoney paso a tocar temporalmente. Peters debuto en el sencillo "Sliver" en 1990. David Grohl se unió a Nirvana y la recompuesta banda firmo un prestigioso contrato con Geffen Records, en 1990 publicaron el álbum Nevermind el cual los envió a la fama. Fue una notable colección de canciones que trascendieron los limites de la estructura, el formato de la diferencia de versos lentos/rapidos y lo solos influyeron sobresalientemente en la subcultura grunge. En 1992 estuvo en los primeros puestos de EU, con una fuerte competencia como era Michael Jackson y Dire Straits. La canción "Smell Like Teen Spirits" alcanzo el top 10 en EU e Inglaterra. Este mismo año el romance de Cobain y Courtney Love de Hole, se dio a conocer cuando se casaron y Courtney le regalo una hija, Frances Bean. Fue casi obvio, que Cobain se esforzó en su nuevo rol de vocero de una generación. La primera gran historia surgió en un articulo de Vanity Fayre, en el que se afirmaba que Courtney habia consumido heroína durante el embarazo, lo que ocasiono la intervención del estado que no permitía que estuvieran solos con la bebe durante el primer mes. Multitud de entrevistas rumoraron sobre las dificultades de un nuevo álbum y también revelaron sobre el uso de gran variedad de drogas por parte de Cobain para sanarse de una dolencia estomacal. La grabación de In Utero, producida por Steve Albini, no estuvo fuera de dificultades. Circularon rumores sobre confrontaciones entre Albini y Geffen Records, sobre la producción. Cuando el record finalmente fue publicado, el efecto no fue tan inmediato como el de Nevermind, aunque Cobain continuo su inspiración en temas como "Penny Royal Tea", "All Apologies" y el evocativo "Rape Me". Su decenso en la auto-destrucción se acelero en 1994, cuando estuvo en coma en Italia (mas tarde se confirmo que había sido un intento de suicidio), antes de retornar a Seatle donde el 5 de abril de 1994 se disparo a si mismo. El hombre que había afirmado que Nirvana era simplemente una banda punk, había sido finalmente destruido por su éxito. El comportamiento de las multitudes durante el velorio estuvo salpicado en actos públicos por la perdida que incluyeron suicidios similares. El MTV Unplugged in New York ofreció un alivio a los fans de Cobain, expresando en varios covers su dolor en una de las presentaciones mas emotivas de los 90s. Grohl formo la banda Foofighter, con el ex-guitarrista de Germs, Pat Smear. Novoselic formo Sweet 75 en 1997.

- Primer Álbum: Bleach -

Kurt Cobain y Krist Novoselic se conocieron en 1985. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayos de la banda. Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior. Después de un par de intentos fallidos de formar grupos –primero como The Sellouts, una banda que versionaba canciones de Creedence Clearwater Revival (con Cobain en batería, Novoselic en guitarra y vocales y Steve Newman en bajo) y luego como Fecal Matter (con Matt Lukin en batería), el dúo reclutó al baterista Aaron Burckhard, creando así la primera encarnación de lo que se convertiría posteriormente en Nirvana. En los meses iniciales, Cobain y Novoselic trabajaron con varios bateristas, entre ellos Dale Crover de The Melvins, que tocaría en sus primeras demos. Al mismo tiempo, la banda pasó por varios nombres, incluyendo Skid Row, Pen Cap Chew y Ted Ed Fred, antes de llamarse Nirvana, en febrero de 1988. Un par de meses más tarde, finalmente encontraron a un baterista "permanente", Chad Channing, por medio de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba "banda de punk rock con influencias de Aerosmith, Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista".

En 1988 firmaron un contrato con la disquera independiente Sub Pop, por medio de la cual fue lanzado su primer álbum, Bleach. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 70s de Black Sabbath y Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista en 2001 con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira álbumes de The Smithereens y de la banda de black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia. Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde.

Aunque no participó en el álbum, Jason Everman fue incluido en los créditos como segundo guitarrista, en agradecimiento por pagar las sesiones de grabación: una suma de 606.17 dólares.

Después de la terminación del álbum, Everman permaneció brevemente en la banda como segundo guitarrista, pero salió al finalizar la primera gira por los Estados Unidos.

A comienzos de los 90, Nirvana empezó a trabajar con el productor Butch Vig para grabar el segundo álbum de estudio, titulado provisionalmente Sheep. Durante las sesiones, Kurt y Krist coincidieron en que Chad no era el baterista que necesitaban, y en un acuerdo mutuo éste dejó la banda después de finalizadas las sesiones. Después de estar unas semanas con Dale Crover, contrataron al baterista de Mudhoney Dan Peters, con quien grabarían la canción "Sliver". Posteriormente el mismo año, Buzz Osborne de The Melvins les presentó a Dave Grohl, quien buscaba un nuevo grupo debido a la ruptura de la banda de hardcore punk en la que militaba, Scream, procedente de Washington, DC.

- Éxito Comercial: Nevermind -

Siguiendo recomendaciones de la integrante de Sonic Youth, Kim Gordon, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990 a un costo de 287,000 dólares (y 75,000 dólares a Sub Pop, más dos por ciento de las ganancias de los discos). La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía disquera. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico.

Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios "Sound City" en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación.

Después de que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos con los primeros resultados, por lo que decidieron buscar a alguien para que mejorara las mezclas. Pidieron a Gary Gersh, de Geffen, que les diera una lista de posibles seleccionados. La lista contenía varios nombres familiares, como Scott Litt (conocido por trabajar con R.E.M.) y Ed Stasium (conocido por su trabajo con The Smithereens). Sin embargo, Cobain temía que trabajar con productores conocidos hiciese que el álbum sonara como la música de esas bandas. Decidió escoger al último nombre de la lista, junto al nombre 'Slayer': Andy Wallace. (Wallace co-produjo el álbum de Slayer, Seasons in the Abyss).

Wallace llevó al álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho el sonido de Nevermind demasiado "ligero", olvidando que la banda había escogido a Wallace y que había participado en el proceso de grabación y mezcla. Aunque la banda estuviera decepcionada con el sonido del álbum, Wallace había hecho "desaparecer" con éxito sus raíces indie y creado un rock "amigable" a listas y radio que otros intentarían imitar durante la siguiente década.

Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500,000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson, un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada a las listas de varios álbumes de grunge como "Ten" de Pearl Jam y "Badmotorfinger" de Soundgarden. Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV), optando por hacer varias presentaciones posteriormente ese mismo año.

En febrero del 92, al finalizar el tour por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawaii. En agosto, Love dio a luz a una hija, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas y versiones de 'The Money Will Roll Right In' de Fang, 'D-7' de The Wipers, Novoselic cantó a manera de introducción de Smells Like Teen Spirit, "More than a Feeling" de Boston (que se asemeja al riff de 'Teen Spirit') y también tocaron una versión estilo Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner. En medio del concierto, Cobain relató al público sobre el reciente nacimiento de su hija, y logró que la gente gritara "¡Te amamos, Courtney!" al unísono. Grohl confesó en el 2005 en el programa radial Loveline que la banda creía que el concierto sería un completo desastre, dado todo lo que había pasado en los meses anteriores y que no habían ensayado desde junio. Sin embargo, la presentación terminó siendo una de las más memorables de sus carreras.

No poco más de un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Video Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la presentación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium". Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y para dar un "aire dramático" lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de los intrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "¡Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses, Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda.

En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de lados b y rarezas. Varias de las sesiones radiales de la banda en la BBC y material temprano no lanzado empezó a circular por medio de los círculos ilegales de venta de música, entonces el álbum sirvió para frenar a los involucrados en el negocio, que incluía a seguidores que grababan conciertos sin autorización. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.

- Trabajo experiemental: In Utero -

Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor Steve Albini, conocido por su trabajo en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en 2 semanas, lejos de los meses de la grabación y mezcla de Nevermind. La grabación se hizo en los estudios "Pachyderm", en Minnesota.

Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada de parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente "Radio Friendly Unit Shifter", mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o "retroalimentación". (En la industria musical, un álbum "amigable a la radio" ("radio friendly") es descrito como un álbum "ideal": capaz de alta rotación radial y de vender varias copias, o "unidades"). Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio.

Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". Sin embargo, en realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves, y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum. (DGC planeó posteriormente lanzar la mezcla de Litt como un sencillo)
Con In Utero, la banda también enfrentó la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estantes, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me". Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de "Pennyroyal Tea", la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (en especial en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenes de almacenes como Kmart.

Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena recepción por parte de las emisoras alternativas y mainstream, en In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.)

En noviembre de 1993, la banda decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones de ellos que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificada por la tragedia que se avecinaba.

- La Muerte de Cobain -

A comienzos de 1994, la banda se embarcó en un tour Europeo. Aunque el tour comenzó bien, las presentaciones gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. Después de la presentación en Terminal Eins en Munich, Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa.

La presentación de la noche siguiente fue cancelada. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto del tour fue cancelado, incluyendo una visita planeada (después de 2 años sin ir) al Reino Unido.

En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una intervención fue organizada y Cobain fue convencido de entrar en rehabilitación. Después de menos de una semana en rehabilitación, Cobain escaló uno de los muros del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle.

Una semana más tarde, el viernes 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.

- Después de la Muerte de Cobain -

Varios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York. Este álbum contuvo las apariciones de los miembros de Meat Puppets, así como las versiones de canciones de Leadbelly, The Vaselines y David Bowie.

Dos semanas después del lanzamiento de Unplugged in New York, una compilación de video llamada Live! Tonight! Sold Out!!, fue lanzado. Cobain había compilado una parte significativa del video, que documentaba buena parte del tour promocional de Nevermind. Material "memorable" del video incluía un infame incidente con un guardia de seguridad en un club de Texas en Octubre de 1991, así como la versión de "Aneurysm" hecha en vestidos en el festival Hollywood Rock en Río de Janeiro, Brasil en Enero de 1993.

La intención original era la de lanzar Unplugged in New York como disco doble, junto a un disco de material eléctrico en vivo para balancear el contenido acústico. Sin embargo, los dos miembros restantes de la banda, estaban emocionalmente afectados para compilar el álbum eléctrico, al pasar tan poco tiempo desde la muerte de Cobain. El álbum, una compilación de grabaciones de conciertos de Nirvana, finalmente fue lanzado en Octubre de 1996, titulado From the Muddy Banks of the Wishkah.

En agosto de 1997, el sitio web de noticias musicales Wall of Sound reportó que Grohl y Novoselic estaban organizando un box set de rarezas de Nirvana. Cuatro años más tarde, el sello discográfico de la banda anunció que el box set estaba completo y sería lanzado en septiembre para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Nevermind. Sin embargo, poco antes de la fecha de lanzamiento, Courtney Love detuvo el lanzamiento y demandó a Grohl y a Novoselic, alegando que "estaban secuestrando el legado de Nirvana para sus intereses personales". Lo que siguió fue una larga batalla legal sobre quién era el dueño de la música de Nirvana que duró más de un año.

Buena parte de la batalla legal se centró en una canción no lanzada, "You Know You're Right", la grabación final de estudio de la banda. Grohl y Novoselic querían incluirla en el box set, intentando lanzar todas las rarezas de una vez. Love, sin embargo, alegó que la canción era más importante que una "rareza", y que debía ser incluida en una compilación de "grandes éxitos". Después de más de un año de enfrentamientos públicos y legales, las partes firmaron un acuerdo, acordando el lanzamiento inmediato del álbum de "grandes éxitos", incluyendo esta canción, bajo el título de Nirvana. A cambio, Love estuvo de acuerdo en donar demos en casete grabados por Cobain para el uso en el box set.

Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas". Para los seguidores, la primera confirmación real de la existencia de esta versión apareció noviembre de 2001 cuando Access Hollywood difundió un clip de diez segundos como parte de una entrevista con Love. En mayo de 2002, varios clips de mayor duración aparecieron en la Internet por medio de una fuente desconocida, que anunció que planearía lanzar la canción completa. Sin embargo, la fuente declinó sus intenciones, temiendo acciones legales. Cuando la batalla legal estaba a punto de ser finalizada en septiembre de 2002, la canción completa apareció por este medio, días antes del anuncio del lanzamiento de Nirvana. Inclusive si la versión de estudio era un "borrador" con letras sin terminar, a los seguidores e inclusive a los no seguidores de la banda les gustó la canción, convirtiéndola en una de las canciones más rotadas en la radio alternativa entre 2002 y 2003.

Nirvana fue lanzado el 29 de octubre de 2002. Junto a "You Know You\'re Right", el álbum contuvo éxitos de sus tres álbumes de estudio, así como mezclas y grabaciones de canciones familiares.

Después de su lanzamiento, varios seguidores de largo tiempo se quejaron sobre la selección de canciones, justificando que la versión alterna de "Been a Son" (del EP Blew) no era la versión preferida de la banda, y que faltaban canciones como "Sappy" (originalmente lanzada en la compilación No Alternative como "Verse Chorus Verse"), que había recibido significante rotación en los Estados Unidos después de la muerte de Cobain. Los seguidores fuera de los Estados Unidos cuestionaron la inclusión de la versión Unplugged de "All Apologies" (en vez de lanzar la versión del sencillo, incluida en In Utero) y la versión de Bleach de "About a Girl" (cuando la versión Unplugged fue un sencillo muy popular en 1994). También, con un tiempo de duración de menos de cincuenta minutos, había ciertamente suficiente espacio para incluir otros éxitos, como "Love Buzz", "Drain You", "Aneurysm", y "Where Did You Sleep Last Night?" (que sería posteriormente incluida en algunos lanzamientos no estadounidenses del álbum).

En noviembre de 2004 finalmente se lanzó el box set, titulado With the Lights Out. Éste contenía una vasta compilación de demos de Cobain, grabaciones de ensayos y rarezas, y canciones en vivo grabadas durante toda la historia de la banda. Seguidores de largo tiempo de la banda tuvieron la oportunidad de escuchar las grabaciones de demos jamás terminados como "Old Age" y "Verse Chorus Verse" (una canción diferente a "Sappy"), grabados en las sesiones de Nevermind. Otra canción notable en el box set fue un demo acústico de una canción llamada "Do Re Mi", grabada por Cobain en su habitación. La canción demostró que inclusive en sus dramáticos días finales, Kurt todavía tenía ese "don" para la melodía que había demostrado años atrás en canciones como "About a Girl".

Una compilación de "lo mejor del box set" titulada Sliver: The Best of the Box fue lanzada en otoño de 2005. El CD compiló diecinueve canciones del box set junto a tres canciones no lanzadas, incluyendo una versión de la canción "Spank Thru" del demo de 1985 Fecal Matter. De acuerdo a Rolling Stone, Frances Bean Cobain coloboró en la selección del título y de la portada. El año siguiente vio el lanzamiento de la edición en DVD de Live! Tonight! Sold Out!! con mejoras en la calidad de imagen y material inédito nunca antes visto.

En una entrevista en el 2002 con Jim DeRogatis, Courtney Love describió los innumerables casetes de ensayos, demos y grabaciones en la habitación que habían quedado después de la muerte de Cobain. Por ejemplo, una versión de cuatro pistas de "Do Re Mi" fue aparentemente grabada con Kurt en batería, Pat Smear en la guitarra, y Eric Erlandson en el bajo, una semana antes de su muerte.

Bad Company

2009-04-02T04:22:00.000-07:00

Bad Company es un banda de Rock and Roll británica formada en 1973, consistente en los componentes de la banda Free (Paul Rodgers, Simon Kirke), Mott the Hoople (Mick Ralphs) y King Crimson (Boz Burrell). Inicialmente se inspiraron en la película clásica del oeste homónima (Bad Company, 1972) protagonizada por Barry Brown y Jeff Bridges, y que dio lugar al nombre de la banda y a su primer éxito en 1973. Entonces pasaron a ser uno de las primeras superbandas de los años 70. La banda se reformó en 1986 con el ex vocalista de Ted Nugent Brian Howe en el lugar de Rodgers y Steve Price reemplazando a Boz Burrell en el bajo. Con Howe como vocalista, el sonido de Bad Company adquirio un estilo similar a Foreigner, con menos blues y más glam-rock, logrando llegar a un mercado mucho más amplio. Debido a tensiones internas entre los integrantes de la banda, Brian Howe deja la banda en 1994. Durante los años 90, la banda siguió adelante con diversos músicos y con el batería Simon Kirke como único componente original. La formación, en el año 2003, incluye a Mick Ralphs y a Simon Kirke, además de a Dave Colwell (teclados), Rick Wills (bajo), y Robert Hart (vocalista).

Nada más y nada menos que un ex componente de los Mott The Hoople, el fenomenal guitarrista Mick Ralphs (nacido el 31 de mayo de 1944 en Hertfordshire), un antiguo miembro de King Crimson, el bajista Boz Burrell (nacido el 1 de agosto de 1946 en Lincoln), y dos ex integrantes del grupo Free, el gran vocalista Paul Rodgers (nacido el 17 de diciembre de 1949 en Middlesbrough), y el batería galés Simon Kirke (nacido el 27 de agosto de 1949), crearon este grupo de hard-blues-rock llamado Bad Company.

La banda se creó en 1973 con el apoyo de Led Zeppelin, con quienes firmaron para grabar en su sello Swan Song, debutando en vinilo con un poderoso y directo LP, sin florituras, titulado simplemente “Bad Company” (1974).

El álbum, co-producido con la banda por Terry Thomas (futuro miembro de Charlie), es un magistral inicio de discografía que incluía el single “Can’t Get Enough”, tema de Ralphs que llegó, al igual que el álbum, al número 1 en el Billboard estadounidense.

En el Reino Unido, en una época en donde ya era más importante el formato LP que el single, llegaría el disco grande al puesto número 3. El single al 15.

Otros temas del LP eran la gloriosa “Ready for Love”, otra pieza de Mick Ralphs grabada también, en una versión más acerada, por Mott The Hoople, o “Rock Steady”, canción escrita por Paul Rodgers.

Su segundo álbum fue “Straight Shooter” (1975), con los sencillos “Feel Like Makin’ Love” y “Good Lovin’ Gone Bad”, y temas como “Weep Mo More” o “Shooting Star”, volvió a conseguir óptimos resultados en ventas, especialmente en los Estados Unidos.

“Run with the Pack” (1976), con el single homónimo, “Sweet Li’l Sister” y una versión de los Coasters (“Young Blood”), también fue recibido con júbilo por sus seguidores, aunque su vigoroso rock enraizado en el blues parecía seguir pautas poco arriesgadas, conscientes del éxito que la banda, liderada por la guitarra de Ralphs y la voz de Rodgers, estaba obteniendo en los mercados discográficos más importantes del mundo y en sus multitudinarias interpretaciones en directo.

Ni formulismos ni leches. El cuarteto puso punto y final la década de los 70 con discos exitosos (aunque bastante lejos de su primer y mejor disco) como “Burnin’ Sky” (1977), y “Desolation Angels” (1979), disco en el cual intentaron modernizar (para mal) su música con sintetizadores.

“Rough Diamonds” (1982), sería recibido con tibieza lo que conllevó su separación momentánea.

En 1986 volverían a la carga pero sin la esencial presencia de Paul Rodgers, quien fue sustituido por Brian Howe, quien había cantado con Ted Nugent.

Con la nueva formación grabaron en Atlantic “Fame & Fortune” (1986), un disco que cosechó bastante indiferencia.

Más tarde lo volvieron a intentar con mayor resonancia con “Dangerous age” (1988), “Holy Water” (1990), “Here Comes Trouble” (1992), “Company of Strangers” (1995), en donde sonaba por primera vez en el grupo el bajo de Rick Wills y la guitarra rítmica de Dave Colwell, y “Stories Told & Untold” (1996), su último disco en estudio.

En 1998 se reunió de nuevo la formación original para girar en vivo y grabar algunos temas que aparecerían en un completo recopilatorio titulado “The Original Bad Company Anthology” (1999).

Boz Burrell falleció el 21 de septiembre del año 2006 tras sufrir un ataque al corazón.

Álbumes

Bad Company. Swan Song (Junio 1974) - POP #1; UK #3
Straight Shooter. Swan Song (Abril 1975) - POP #3; UK #3
Run With the Pack. Swan Song (Enero 1976) - POP #5; UK #4
Burnin' Sky. Swan Song (Marzo 1977) - POP #15; UK #17
Desolation Angels. Swan Song (Marzo 1979) - POP #3; UK #10
Rough Diamonds. Swan Song (Agosto 1982) - POP #26; UK #15
10 from 6 (recopilación). Atlantic (Diciembre 1985) - POP #137
Fame and Fortune. Atlantic (Octubre 1986) - POP #106
Dangerous Age. Atlantic (Agosto 1988) - POP #58
Holy Water. Atco (Junio 1990) - POP #35
Here Comes Trouble. Atco (Septiembre 1992) - POP #40
What You Hear Is What You Get: The Best of Bad Company (en vivo). Atlantic (1993)
Company of Strangers. East West (Junio 1995) - POP #159
Stories Told & Untold. East West (Octubre 1996)
The Original Bad Company Anthology (recopilación 2xcd). Elektra (Marzo 1999) - POP #189
In Concert: Merchants Of Cool (en vivo). Sanctuary (Mayo 2002)
Live in Albuquerque 1976 (en vivo 2xcd). Cleopatra (Agosto 2006)

Sencillos

"Can't Get Enough / Little Miss Fortune". Swan Song (Agosto 1974) - POP #5; UK #15
"Movin' On / Easy On My Soul". Swan Song (Enero 1975) - POP #19
"Good Lovin' Gone Bad / Whiskey Bottle". Swan Song (Abril 1975) - POP #36; UK #31
"Feel Like Makin' Love / Wild Fire Woman". Swan Song (Junio 1975) - POP #10; UK #20
"Young Blood / Do Right By Your Woman". Swan Song (Marzo 1976) - POP #20
"Honey Child / Fade Away". Swan Song (Junio 1976) - POP #59
"Burning Sky / Everything I Need". Swan Song (Mayo 1977) - POP #78
"Rock'n' Roll Fantasy / Crazy Circles". Swan Song (Marzo 1979) - POP #13
"Gone, Gone, Gone / Take The Time". Swan Song (Julio 1979) - POP #56
"Electricland / Untie The Knot". Swan Song (Septiembre 1982) - POP #74, ROK #2
"This Love / Tell It Like It Is". Atlantic (Octubre 1986) - POP #85, ROK #12
"That Girl / I'm Sleeping". Atlantic (1987)
"Fame And Fortune". Atlantic (1987) - ROK #37
"No Smoke Without a Fire / Love Attack". Atlantic (1988) - ROK #4
"Shake It Up / Dangerous Age". Atlantic (Abril 1989) - POP #82, ROK #9
"Holy Water / I Can't Live Without You". Atco (Julio 1990) - POP #89, ROK #1
"If You Needed Somebody / Dead Of The Night". Atco (Octubre 1990) - POP #16, ROK #2
"Walk Through Fire / Lay Your Love On Me". Atco (Agosto 1991) - POP #28, ROK #14
"How About That / Brokenhearted". Atco (Agosto 1992) - POP #38, ROK #1
"This Could Be The One / Both Feet In The Water". Atco (Diciembre 1993) - POP #87, ROK #21
"Hey Hey". (1999) - ROK #15
"Hammer of Love". (1999) - ROK #23
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Bad_Company"

Metallica

2009-04-02T03:55:00.000-07:00

Metallica es una banda de heavy metal originaria de Estados Unidos. Fue fundada en 1981 en Los Ángeles por el danés Lars Ulrich y James Hetfield, a los que se les unirían Lloyd Grant y Ron McGovney. Estos dos músicos fueron después sustituidos por el guitarrista Dave Mustaine y el bajista Cliff Burton, respectivamente. Mustaine fue despedido un año después de ingresar en la banda debido a su excesiva adicción a las drogas y al alcohol, y fundó la banda Megadeth, siendo sustituido en Metallica por Kirk Hammett. Por otra parte, en 1986, la muerte de Cliff Burton en un accidente de autobús en Suecia provocó la entrada al grupo de Jason Newsted,[2] que, quince años más tarde, sería sustituido tras su deserción por el bajista actual de la banda, Robert Trujillo.

Hasta la fecha, la banda ha editado nueve discos de estudio. Las ventas totales de Metallica superan los 100 millones,[3] y son considerados uno de los cuatro grandes del thrash metal junto con Anthrax, Slayer y Megadeth.[4] Además, el grupo ha conseguido numerosos premios musicales, entre los que destacan nueve Grammys, dos premios otorgados por la cadena musical MTV, dos galardones de la Academia de Música Americana y un premio de la revista Billboard, y posee una estrella en el paseo de la fama de la revista Kerrang!.

Comienzos

Primeros contactos

Se puede considerar que la historia de Metallica comenzó en 1980 cuando un joven danés llamado Lars Ulrich se traslada junto con su familia a Los Ángeles. Hijo del tenista profesional Torben Ulrich,[5] había desarrollado una enorme afición por el heavy metal durante los '70, cuando la NWOBHM (New Wave Of British Heavy Metal, Nueva Ola de Heavy Metal Británico) reinaba en la escena underground europea, y con su traslado a Estados Unidos, en principio previsto por su padre con el objetivo de la preparación de una carrera dentro del tenis profesional, dicha afición se convertiría prácticamente en una obsesión, sobre todo centrada en los grupos más desconocidos de la nueva corriente inglesa. Su prioridad al llegar a Los Ángeles, lejos de centrarse en el tenis, sería la de explotar su capacidad musical junto con otros jóvenes. Esto le llevaría en 1981 a publicar un anuncio en la revista Recycler solicitando un guitarrista para formar una banda con influencias de las bandas de la NWOBHM,[6] centrándose concretamente en sus bandas preferidas: Diamond Head, Motörhead y Iron Maiden. Otro joven llamado James Hetfield, hijo de un propietario de una compañía de camiones y de una cantante de ópera y educado con una estricta formación cristiana,[5] respondió a su anuncio. Tuvieron lugar entonces los primeros ensayos conjuntos, y aunque al principio a Hetfield no le convencía la forma de tocar de Ulrich,[7] acabaron formando un grupo. La clave de esta unión fue el tema que Lars tenía reservado por parte de su amigo Brian Slagel, fundador de la por entonces recién creada compañía discográfica Metal Blade Records, en el primer recopilatorio que editaría el sello, titulado Metal Massacre.[8]

El nombre del grupo fue ideado por un amigo de Lars llamado Ron Quintana,[9] quien barajaba «Metalmania» y «Metallica» como posibles nombres para un nuevo fanzine musical, aunque se inclinaba más por el segundo. A Ulrich le gustó tanto este último que rápidamente le recomendó (a Quintana) el primero para poder usarlo él.[10]

Primera formación del grupo y primeras canciones

Ulrich se trasladó al local que Hetfield poseía junto a su amigo Ron McGovney, el cual provenía de una familia acomodada que poseía numerosas propiedades. Hetfield le pidió a McGovney que tocara el bajo en la banda y se ofreció a enseñarle. Además, Ron fue el diseñador del ya famoso logotipo de la banda.[2] Tras incesantes intentos de conseguir un guitarrista líder influido por Motörhead y Iron Maiden, encontraron a Lloyd Grant, un joven guitarrista afroamericano con quien tocaron la primera demo de Metallica, titulada Hit the Lights (1981). Lloyd, que no pensaba quedarse mucho tiempo en la banda, fue al poco tiempo sustituido por Dave Mustaine en la guitarra líder, completando así la primera alineación de Metallica, ya que en Mustaine encontraron a la persona ideal para cerrar la formación. El primer paso fue la grabación del tema para la primera entrega de Metal Massacre. El elegido sería «Hit the Lights», tema que provenía de la anterior banda de Hetfield, Leather Charm, en una versión bastante alejada de la que un año más tarde aparecería en el primer álbum oficial del grupo.

El debut de Metallica en directo tendría lugar el 14 de marzo de 1982 en el club Radio City de Anaheim, en una actuación en la que la falta de experiencia sobre el escenario ocasionó serios problemas a la banda.[2] Dos semanas más tarde tendrían la oportunidad de enmendar su error abriendo dos noches seguidas para los ingleses Saxon en el local Whiskey-A-Go-Go de Los Ángeles. Cabe decir que dentro del libreto del álbum de versiones que la banda realizó en 1998 titulado Garage Inc pueden encontrarse reproducidas las notas que el propio Ulrich tomó en aquel momento sobre la marcha de estos dos conciertos, incluyendo los setlists de ambas noches y las impresiones del baterista sobre la marcha de las mismas.

La decepción que ocasionaron a la banda estos dos malos conciertos hicieron que se replanteasen la contratación de un vocalista mientras Hetfield y Mustaine fuesen los dos guitarristas de la banda. Para ello se contrató a Sammy Dijon, ex vocalista de la banda Ruthless, quien realizó algunas pruebas pero que no fue finalmente admitido en el seno del grupo, por lo que fue despedido.[2] En abril de 1982 se contrató a otro guitarrista, Damien Phillips (de nombre real Brad Parker), para actuar como tal mientras Hetfield se concentraba delante del micrófono, pero también fue despedido después de su primera actuación con la banda debido a la negativa de Mustaine a que hubiese un tercer guitarrista.[2] Posteriormente se barajaron varios cantantes, entre los cuales estaban John Bush, futuro vocalista de Armored Saint, y Jesse Cox de Tygers of Pan Tang. Ninguno fue admitido, motivo por el que Hetfield pasó a encargarse tanto de la segunda guitarra como de la voz desde aquel momento. En un ensayo realizado en la antigua escuela de Lars Ulrich, el vocalista fue Jeff Warner, del que se cuenta que no fue aceptado porque desafinaba demasiado[2] .

Formación definitiva de la banda

Con la edición de Metal Massacre en el mes de junio de, el grupo, tras renegar de la versión de «Hit the Lights» aparecida en el mismo por encontrarse completamente desfasada de lo que constituía su nuevo sonido, decidió grabar su primera demo, titulada No Life 'til Leather probablemente en una alusión al álbum de Motörhead No Sleep 'til Hammersmith. Siete temas formarían parte de esta demo, entre los que se encuentra una versión mucho más potente y acelerada de «Hit the Lights». Con una agenda de conciertos cada vez más ajustada, Hetfield y Ulrich comenzaron a plantearse la sustitución de McGovney. Años después, éste dijo en una entrevista que el resto de la banda le dejaba que se encargara de todo. Es en ese momento cuando empiezan a aparecer los problemas con Dave Mustaine, derivados de un carácter extremadamente violento unido al consumo extremo de alcohol y drogas.[11] Conocedor de la necesidad de Metallica de reclutar un nuevo bajista, Brian Slagel recomienda a Lars y James la banda Trauma, que acababa de editar uno de sus temas en la segunda entrega de Metal Massacre. Hetfield y Ulrich quedarían totalmente impresionados con la destreza y presencia en el escenario de su bajista, Cliff Burton, ofreciéndole inmediatamente el entrar a formar parte de Metallica, lo cual sería inicialmente rechazado por Burton.[8]

Aún con McGovney en sus filas, la banda grabaría el 29 de noviembre del mismo año (1982) una demo en directo en el The Waldorf de San Francisco, que recibiría el nombre de Live Metal Up Your Ass y en la que estrenarían el tema «Whiplash», inédito hasta entonces. El concierto tendría como teloneros a Exodus, cuyo guitarrista líder, un joven Kirk Hammett, causaría una gran impresión en James y Lars, que ante los crecientes problemas con Mustaine comenzaron a considerarlo como un reemplazo perfecto. Poco tiempo después McGovney decidió dejar Metallica al oír que habían estado estableciendo contactos con Cliff Burton,[12] , para incorporarse a Phantasm, al contrario de la creencia popular de que fue despedido. Posteriormente declaró: «Nunca escuché 'Estás despedido' o algo así de parte de ellos. Yo renuncié, aunque es obvio que, aunque no hubiera renunciado, me iban a despedir de todas maneras». Al mismo tiempo, Cliff Burton, quien estaba teniendo problemas con Trauma debido a la dirección que el resto de los integrantes querían tomar con respecto a su música, decidió pasarse a las filas de Metallica. La única condición no negociable que puso el bajista fue que la banda se trasladase a San Francisco, donde los nuevos sonidos relacionados con el thrash comenzaban a generar una legión de seguidores que recibió el nombre de «Bay Area Bangers». En cualquier caso, Hetfield, Ulrich y Mustaine ya estaban pensando en mudarse a San Francisco, puesto que habían observado la energía y el entusiasmo de la escena thrash de esa ciudad, además de porque la escena de Los Ángeles estaba dominada por el cada vez más famoso glam metal, con bandas como Motley Crue y Ratt.

Kill 'em All

A principios de 1983 el manager y promotor de conciertos Johnny Zazula (con la ayuda de su mujer) se puso en contacto con el grupo para ofrecerles un traslado a Nueva York, con la idea de organizar varios conciertos en la Costa Este y, si todo marchaba bien, grabar un álbum.[6] Tras aceptar la oferta, Metallica inició el viaje el 1 de abril, y tras atravesar todo el país, fijaron su nuevo lugar de residencia en el Music Building de Nueva York, un edificio en el que cohabitaban con varias bandas de rock, entre las que se encontraba Anthrax, iniciando amistad y camaradería entre los dos grupos.[2]

A los diez días de su llegada a Nueva York, la situación con Mustaine se hizo insostenible, con lo que Hetfield y Ulrich sorprendieron a un Mustaine recién despierto para anunciarle que estaba fuera del grupo y que en un breve plazo salía el autobús que habían reservado para su vuelta a casa (posteriormente Dave fundaría Megadeth).[13] Para algunos, el factor que fue finalmente decisivo para la expulsión de Mustaine fue el accidente de furgoneta que éste provocó al conducir ebrio en el trayecto que llevó al grupo de San Francisco a Nueva York.[14] Los integrantes ya estaban preparados para esto. Le pidieron a Zazula que se pusiese en contacto con el guitarrista de Exodus, Kirk Hammett, para unirse a la banda. Al principio, Kirk creía que la llamada de Zazula era una broma, pero finalmente aceptó.[12] De forma simultánea a la expulsión de Dave, Kirk Hammett dejaba Exodus y se disponía a salir hacia Nueva York, llegando esa misma noche a altas horas de la madrugada. Alumno de Joe Satriani, Hammett introduciría un sonido más melódico, técnico y estilizado en Metallica, que se haría patente a partir del segundo álbum del grupo, puesto que el primero estaba compuesto en su totalidad en el momento de su entrada. El debut del nuevo guitarrista tendría lugar en el neoyorquino «Showplace» abriendo para The Rods.

Tras un mes de ensayos, Metallica entraría finalmente el 10 de mayo en los «Music America Studios» para grabar su primer álbum.[6] El tracklisting sería prácticamente igual que el de No Life 'til Leather, incluyendo como novedades el tema «Whiplash», ya aparecido en Live Metal Up Your Ass, y el solo de bajo que Burton solía ejecutar en los conciertos,[15] bajo el nombre de «(Anesthesia) Pulling Teeth». Además, también se incluiría una versión remozada del tema «The Mechanix», añadiendo nuevos riffs y rebautizándola como «The Four Horsemen».[16] La producción correría a cargo de Paul Curcio, propietario de los estudios e ingeniero residente. Su trabajo levantó suspicacias por parte del grupo debido a la diferencia de criterios con respecto al sonido del álbum que quería imprimirle la banda.

Tras seis semanas, el primer trabajo de Metallica sería lanzado en el mes de julio bajo el nombre Kill 'em All. Dicho nombre (Mátalos a Todos) provenía de una frase de Cliff Burton a causa del enfado que produjo en el grupo la negativa de diversas distribuidoras de discos a comercializar el álbum con el título que el grupo quería darle, Metal Up Your Ass (Metal por el culo).[10] [2] Zazula, incapaz de encontrar una compañía discográfica interesada en publicar el disco, optó finalmente por la fundación de un sello propio, Megaforce Records. Se consiguió la cifra de 17.000 copias vendidas en las dos primeras semanas,[17] y sobre todo, Kill 'em All contribuyó notablemente a extender la buena reputación de Metallica, recibiendo una avalancha de críticas favorables por parte de la prensa, que ya comenzaba a verlos como los iniciadores de una nueva corriente en el metal.[1] Posteriormente, la cifra de copias vendidas del disco llegaría hasta las 300.000.[18]

Como forma de promoción, Zazula organizaría un tour conjunto con Raven que los llevaría por todo Estados Unidos, constando de 35 fechas y bautizado como Kill 'em All For One Tour (el álbum que Raven se encontraba promocionando se llamaba All For One). Posteriormente, y tras varios conciertos en San Francisco, Nueva York y Boston, y prácticamente coincidiendo con la edición en Europa del single «Jump in the Fire» por parte del sello Music for Nations, el 3 de febrero de 1984 se inició la gira europea Seven Dates of Hell, en la que se encargan de abrir para los ingleses Venom, teniendo como momento cumbre la participación en el Aardshock Festival en Holanda, tocando ante más de 5.000 personas, la audiencia más grande que habían tenido hasta el momento.[12]

Ride The Lightning

Terminada la gira, Metallica entraría el 20 de febrero en los Sweet Silence Studios de Copenhague para la grabación de su segundo álbum, recayendo todo el peso de la producción en el ingeniero residente Fleming Rasmussen,[6] quien ya había trabajado anteriormente con bandas como Mercyful Fate y Rainbow y posteriormente con Sepultura y Blind Guardian. El ajustado presupuesto del que Zazula disponía se convirtió en el principal problema durante la grabación del álbum, que transcurrió a un ritmo frenético durante menos de un mes, quedando finalizada el 14 de marzo, y viéndose sólo interrumpida por el fallido tour Hell On Earth junto a The Rods y Exciter, finalmente cancelado por la escasa venta de entradas. Con este nuevo trabajo, Metallica tendría que afrontar por primera vez críticas provenientes de sus propios fans debido a la filtración de cuatro temas del álbum en forma de demo de trabajo, concretamente «Fight Fire With Fire», «Creeping Death», «Ride the Lightning» y la experimental e instrumental «When Hell Freezes Over», primer nombre de la después conocida como «The Call of Ktulu». A la considerable evolución mostrada en estos temas se unía el rumor latente de que el grupo estaba trabajando en una balada, lo que provocó cierta agitación dentro del sector más extremo de los fans de la banda.

Ride the Lightning, nombre que recibiría finalmente el álbum, supondría un gran cambio en el sonido de la banda, que se adentraba en terrenos mucho más melodicos y sinfónicos. Las labores de composición contaron con la colaboración de Burton y Mustaine. También se confirmó el rumor la inclusión de una balada, que recibiría el título de «Fade to Black», y cuya letra trataba acerca del suicidio. Fue escrita por Hetfield inspirándose en el robo de equipo que la banda sufrió el 14 de enero de aquel mismo año (1984),[19] y vista por cierta parte de los primeros seguidores como una traición por parte de la banda, a la que tildaron abiertamente como «vendida».

La primera aparición de la banda en los escenarios tras la grabación tendría lugar en dos sold-out en el londinense Marquee, tras lo cual se harían diversos conciertos en Alemania, Holanda y Bélgica. El momento más importante de este tour llegaría el 3 de agosto en el «Roseland» de Nueva York, donde tendrían un primer contacto con el sello Elektra Records, y en el que, tras el concierto, iniciarían las negociaciones con Peter Mensch y Cliff Burnstein de la agencia Q-Prime, la cual finalmente acabaría comprando el contrato de Metallica a Johnny Zazula. Probablemente es este hecho el que fomentaría las conversaciones de la banda con Elektra, que acabaría fichándolos el 12 de septiembre tras firmar un contrato en el que se otorgaba al grupo el control artístico absoluto sobre su carrera.

El primer movimiento de Elektra tras reclutar a Metallica sería reeditar Ride the Lightning bajo su sello el 19 de noviembre, a la vez que Music for Nations, con la que Zazula tenía un acuerdo aún vigente tras el fichaje por Elektra, edita en Europa el single «Creeping Death», que contendría la suite The Garage Days Re-visited, formada por las versiones «Am I Evil?» y «Blitzkrieg» de Diamond Head. A su vez, se inicia un nuevo tour europeo, esta vez coordinado por Q-Prime con Robert Allen como manager de la gira, que dio comienzo en la francesa ciudad de Rusen el 16 de noviembre y finalizó en el London Lyceum de Londres el 20 de diciembre tras haber visitado Francia, Alemania, Dinamarca, Suecia, Suiza, Italia, Finlandia e Inglaterra con un enorme éxito de público.

Finalizada la gira europea, y tras un descanso por Navidad, Metallica inició el 11 de enero de 1985 un tour por Estados Unidos y Canadá junto a Armored Saint y los WASP de Blackie Lawless, con quienes la banda tuvo varios roces debido al supuesto ego de dicho frontman. Sería durante esta gira cuando la banda comienza a ser conocida como «Alcohólica» por sus excesos con el alcohol. A esto se uniría el cartel que colocaron en dicho autobús, «No se ría, señor. Su hija probablemente esté dentro», que daba una idea de la actitud desenfadada del grupo. Tras más de tres meses en la carretera, la gira tendría su final en el Starry Night Club de Portland.

Master of Puppets y la muerte de Cliff

Pasados dos años de gira, volvieron a los Sweet Silence Studios. De allí surgió Master of Puppets, uno de los discos más alabados dentro del heavy metal,[1] cuya canción principal homónima está considerada por muchos fans como la mejor de Metallica. El disco ha vendido hasta la fecha más de 7 millones de copias en todo el mundo, a pesar de que sólo llegó en su día al puesto 29 del Billboard.[20]

La gira de presentación del disco comenzó en verano de 1986 con el guitarrista rítmico John Marshall, ya que Hetfield se había roto el brazo en un accidente de skateboard.[2] En dicha, esta vez en Europa y con Hetfield recuperado, el autobús de la gira circulaba por las carreteras suecas a las 6:15 horas de la mañana del 27 de septiembre;[12] Cliff se encontraba durmiendo en la litera asignada a Kirk Hammett (debido a que éste último había perdido en una apuesta jugando naipes),[2] y repentinamente el autobús volcó cerca del pueblo de Ljungby, y cayó sobre el cuerpo del bajista, tras salir despedido por la ventana, causándole la muerte de forma instantánea. Según el conductor, el autobús derrapó debido a las placas de hielo que había en la carretera, lo que ocasionó el vuelco; Hetfield, furioso por lo sucedido, intentó golpear al conductor, siendo detenido por sus compañeros. Posteriormente recorrió una distancia considerable de la carretera buscando las placas, aunque no encontró nada. En el funeral de Burton, se escuchó el tema «Orion».

Su muerte provocó la suspensión de la gira de la banda[18] y la retirada de los tres miembros restantes para pensar al respecto de su futuro. Finalmente, y después de consultar a los familiares del desaparecido bajista,[21] decidieron continuar con la carrera musical de la banda, y reclutaron al bajista Jason Newsted de la banda Flotsam and Jetsam, en lugar del desaparecido Cliff, puesto para el cual también optó Les Claypool entre más de 40 músicos.[21] Al año siguiente la banda volvería a Europa para completar la gira con su nuevo bajista.

En su primera actuación con Metallica, Newsted tocó un solo de bajo, lo que provocó un descontento entre los fans de la banda, quienes dijeron que era una falta de respeto hacia Burton.

Garage Days Re-Revisited y ...And Justice For All

En 1987 lanzarían un gran álbum de versiones de las bandas que les influyeron titulado Garage Days Re-Revisited para introducir a Newsted a los fans.[10] El nombre se deriva de las sesiones de grabación de dicho álbum en el garaje de Ulrich.[21] Un año después lanzarían un nuevo disco, titulado ...And Justice for All. Es su álbum más oscuro, con un sonido dominado por ritmos de batería densos y muy acelerados, de gran complejidad. Pese a lo que podría parecer, es un trabajo más melódico que sus predecesores, con un ambiente negativo, y unas letras más cercanas a la crítica social, política e incluso ecológica («Blackened»). Destacan los temas «One» (canción con el primer videoclip grabado por la banda, recogiendo escenas de la película Johnny cogió su fusil;[22] con este videoclip, la banda comenzó a ganar fama en el ámbito mainstream, pero fue perdiendo fans al mismo tiempo, calificándolos como «vendidos»), «To Live Is to Die» (dedicado a Cliff Burton basándose en los bocetos de una canción que se encontraba componiendo en la que se oye un poema compuesto por el desaparecido bajista a pesar de ser un tema instrumental), «...And Justice for All» y «Blackened».

Esta producción marcó un hito en el equipamiento de las guitarras de Metallica, ya que dejan sus full stacks valvulares Marshall, pasando a utilizar la Mesa Boogie, obteniendo un sonido mucho más agresivo.[22] Algunas de las escasas críticas que recibió al disco se basan en, a pesar de la evolución, la escasa calidad en la producción, y el escaso volumen que tiene el bajo, el cual casi no se oye siendo imposible de atisbar en muchos momentos. A pesar de estas características, el álbum ha vendido hasta la fecha más de 8 millones de copias,[1] a pesar de tener una promoción casi nula sin ningún tipo de repercusión en canales de televisión como MTV.[1]

Gracias a este trabajo, Metallica recibe su primera nominación a los premios Grammy en 1989, en la categoría de Mejor Interpretación Vocal o Instrumental de Hard Rock/Metal. Contra todo pronóstico, el ganador del premio fue el álbum Crest of a Knave de Jethro Tull, quienes no acudieron a la gala. Lars Ulrich se referiría a ellos después de ganar el Grammy en 1991 en la misma categoría por el álbum homónimo de la formación: «Queremos dar las gracias a Jethro Tull por no haber sacado ningún disco este año».[2] Una anécdota cuenta que el presentador de la ceremonia, el afamado cantante Alice Cooper, quedó realmente impresionado por el vencedor del premio, quedando su sorprendida cara grabada por las cámaras en la entrega del premio.[2]

The Black Album

Su siguiente trabajo, llamado Metallica pero mejor conocido como The Black Album, considerado por la crítica como la obra maestra de Metallica, se haría esperar hasta el año 1991. Fue producido por Bob Rock, conocido por su trabajo con Bon Jovi y Motley Crue, entre otros. Con canciones como «Enter Sandman», «Holier than Thou», «Sad But True», «The Unforgiven», «Wherever I May Roam» y «Nothing Else Matters», vendió más de 500.000 copias en su primera semana en EE. UU., llegando al primer puesto en la lista del Billboard,[23] en parte gracias a su carácter más comercial. Sólo en EE.UU., la RIAA certifica 14 millones de copias vendidas desde su salida a la calle. El nombre popular del disco, The Black Album (El álbum negro), viene de la portada del disco, que sólo contiene el logo de Metallica en la esquina superior izquierda y el dibujo de una serpiente en la esquina inferior derecha, todo ello bajo un fondo negro. Esta portada fue explicada posteriormente por Hetfield, quien dijo que la banda quería que la gente se fijase en la música que contenía el álbum, y no en el simbolismo ni en el diseño artístico.[2]

Posteriormente, la banda realizó la gira Wherever I may roam, que duró 2 años.[1] Después de esta gira, se inició un tour junto a Guns n' Roses, el otro grupo rock que por entonces tenía más éxito. Durante la gira, el 8 de agosto de 1992 en Montreal, Canadá, la actuación de Metallica terminó abruptamente cuando durante la canción «Fade To Black» un fuego artificial explotó debajo de James Hetfield, dejándolo con graves quemaduras.[5] Posteriormente la actuación de Guns N' Roses fue suspendida, debido a la afección de garganta de Axl Rose. La breve actuación de Metallica y la cancelación del show de Guns N' Roses provocaron la ira de los fans, que causaron múltiples destrozos y algunos heridos.[5]

En 1993, la banda editó el box set Live Shit: Binge and Purge, que contiene tres CD y dos conciertos en vídeo grabados en Ciudad de México, en Seattle y en San Diego. Originalmente fue lanzado como una caja de cartulina como si fuera equipo de un tour. Aparte de los CD y los DVD, la caja contiene material adicional como un libro a color de 75 páginas.

Load, Reload , Garage Inc. y S&M

Su disco homónimo, conocido popularmente como The Black Album marcaría un punto de inflexión en la carrera musical de Metallica, y sus dos discos consecutivos titulados Load (1996) y ReLoad (1997), de estilos idénticos entre sí ya que estaban pensados para formar un mismo álbum doble,[21] están totalmente dominados por un sonido que muchos antiguos seguidores consideraron como comercial y muy suavizado con letras más suaves, más cercano al rock alternativo que triunfaba en aquella época.[1] Quizás el cambio más llamativo para sus fans fue el cambio de imagen: se cortaron las melenas y cambiaron el fácilmente reconocible logotipo que identificaba a Metallica.[22] Esto se vio también reflejado en el cambio de sello discográfico, ya que las relaciones entre Elektra Records y la banda finalizaron después de casi diez años cobrando sólo un 14% de los beneficios netos de Metallica, aunque acabarían reanudando su contrato poco después.[5] El éxito de ambos álbumes no fue tan contundente como el del álbum negro. Muchos adolescentes se convirtieron en seguidores de Metallica, al mismo tiempo que muchos de sus antiguos fans se veían en gran medida «traicionados» por la nueva dirección tomada por el grupo,[10] lo que desde entonces lleva alimentando una gran polémica.[22] Como curiosidad cabe destacar que las portadas de ambos discos, Load y ReLoad, ilustran una mezcla de semen y sangre de oveja en Load, y una mezcla de sangre de oveja y orina en ReLoad. La idea original es del fotógrafo Andres Serrano, quien tomó además las fotos.[2]

En los premios Grammy entraron por primera vez en la categoría Heavy Rock en vez de Heavy Metal, como ocurría antes del mencionado Load. Ese mismo año la banda finlandesa Apocalyptica debutó con su tributo a Metallica Plays Metallica by Four Cellos, que era básicamente un álbum con covers de Metallica tocados únicamente con violonchelos.

El 1998 realizarían un nuevo trabajo similar a Garage Days Re-Visited titulado Garage Inc., aunque esta vez sería un álbum doble de versiones de temas de estilos bastante diversos que influyeron a la banda en su ya dilatada carrera. Mientras que el primer disco incluía covers grabados para el lanzamiento del álbum, el disco dos contenía íntegros el Garage Days Revisited proveniente del single de «Creeping Death», y el Garage Days Re-revisited, además de varias versiones provenientes de caras B y un extracto del concierto de versiones de Motörhead que Metallica dio en el 50 cumpleaños de Lemmy Kilmister el 4 de diciembre de 1995 en el Whiskey-A-Go-Go. El cover «Whiskey in the Jar» de Thin Lizzy resultó ganador de un premio Grammy en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock en 2000.

Al año siguiente (1999) grabarían en un concierto en directo, titulado S&M, en colaboración con la Orquesta Sinfónica de San Francisco, dirigida por Michael Kamen, quien había hecho los arreglos de orquesta para «Nothing Else Matters» en The Black Album. En este álbum doble se experimenta la mezcla entre música de canciones de Metallica con arreglos orquestales. Además, se presentarían dos nuevos temas especialmente compuestos para la ocasión, «No Leaf Clover» y «- Human», extrayéndose el primero de ellos como segundo single del disco.

El episodio Napster

En abril de 2000, Metallica demandó a Napster, la compañía creadora del programa homónimo que permitía el intercambio de música en formato MP3, por violación de los derechos de autor,[1] pues una versión de la canción todavía en proceso para la película Misión Imposible II, «I Dissapear», se escuchaba en la radio estadounidense. Dos semanas después, Dr. Dre también demandaba a la empresa. Napster ya había sido acusada por la RIAA en 1999 de violar leyes de propiedad intelectual y servir de asilo para la piratería musical en internet, además de que algunas universidades habían pedido prohibir el programa, pues disminuía la velocidad de sus redes.

Para mayo de 2000, Napster bloqueó las contraseñas de más de 35 mil usuarios proporcionada por Ulrich y que habían obtenido canciones de Metallica.[5] Chuck D., The Offspring, Limp Bizkit y Courtney Love hablaron a favor de Napster y advirtieron sobre la oportunidad que significaba para consumidores y artistas. Para Chuck D., Napster era una reacción, «el fenómeno musical más grande desde los Beatles», «la industria se ha ufanado en guiar a las audiencias; por primera vez los fans han tenido la tecnología antes que la industria».

En su defensa, Napster alegó que servía sólo como conducto de la información. En junio de ese año, la RIAA pidió eliminar de Napster todo el contenido perteneciente a las discográficas más importantes. En septiembre del mismo año, Metallica y Dr. Dre enviaron cartas a Harvard, Columbia y otras universidades para que restringieran el acceso al programa. En octubre, Dave Matthews Band se convirtió en el primer grupo en permitir la distribución de una canción vía Napster, con la venia de su compañía.

La polémica cesaría en julio de 2001, al aplazar la banda todas las denuncias contra Napster alegando que estaba haciendo más mal que bien a la imagen del grupo.[1]

St. Anger y Some Kind of Monster

En 2001 el bajista Jason Newsted, quien anteriormente había tenido serias discusiones con los demás integrantes sobre sus proyectos fuera del grupo, abandonaría Metallica alegando desgaste físico y motivos personales.[10] Poco tiempo después, en la controvertida entrevista realizada por Playboy[24] por separado a todos los miembros de la banda varios meses antes, se descubriría que uno de los principales motivos de la marcha del bajista era la rotunda negativa de Hetfield a la publicación del disco de Echobrain, la banda alternativa de Newsted.[10] Tras un largo casting en busca de sustituto, y en el que se barajaron músicos como Twiggy Ramirez, se contrataría a Robert Trujillo, quien había sido bajista de Suicidal Tendencies, Black Label Society y Ozzy Osbourne en sus actuaciones en directo. Cabe resaltar que Jason Newsted, tras dejar Metallica, perteneció durante un tiempo a la banda de Osbourne, en la que militaba Mike Inez, ex miembro de Alice in Chains y que también se rumoreó como sustituto.[1] Este mismo año se crea la banda tributo satírica, Beatallica, la cual fusiona la música de The Beatles y Metallica. Tuvieron un problema legal con Sony, poseedora de los derechos sobre el material de los Beatles, pero fueron ayudados por Lars Ulrich.[25]

Antes de la entrada de Trujillo, la banda había grabado el álbum St. Anger, con Bob Rock nuevamente en el puesto de productor. Este último toca el bajo debido a las dificultades para encontrar un nuevo bajista.[26] Como peculiaridades del disco destaca la ausencia absoluta de solos de guitarra, y un sonido de la batería totalmente novedoso e igualmente polémico que radicaba en la caja, la cual tenía un armónico metálico en vez del de madera seca usado hasta entonces. El vídeo de la canción homónima del álbum fue grabado en la prisión de San Quintin.[27] Hubo otras muchas dificultades en la producción del álbum, debidos a motivos como el proceso de rehabilitación de Hetfield, que se había comenzado a tener problemas con el alcohol después de un viaje a Siberia donde, según él, su única bebida era el vodka.

En el 2004 se lanzaría el documental Some Kind of Monster, que narra la producción del St. Anger en medio de discusiones y problemas luego de la salida de Jason y de la rehabilitación de James Hetfield, de quien ya se conocía su pasión por el alcohol.[27] En el documental hacen aparición Jason Newsted y su banda Echobrain (Lars y Kirk acuden a una de sus presentaciones, se dirigen hacia los camerinos y cuando llegan, Jason ya se había ido) y uno de sus primeros guitarristas del grupo, Dave Mustaine, quien charla con Lars acerca de temas como su estancia en Metallica y su carrera en Megadeth.

Death Magnetic

En el 2006, la banda realizó el tour Escape from the studio 06, en el que tocaron el disco Master of Puppets entero en conmemoración de su vigésimo aniversario. Durante este tour, la banda tocó dos nuevas canciones: «New Song (Death is not the End)» y «The Other New Song (Vultorous)».[27]

El 4 de diciembre del 2006 fue lanzada una compilación de todos sus vídeos desde 1989 hasta 2004, titulada The Videos. Esta incluye todos sus vídeos desde «One» hasta «Some Kind of Monster» y, como bonus, las dos versiones del vídeo de «One», la version teatral de «The Unforgiven» de once minutos, el tráiler del documental Some Kind of Monster y además, por primera vez en DVD, la introducción de 2 of One. También Kirk y James aparecieron en el programa Metalocalypse y la banda entera en Los Simpson, quienes además aparecerían en la película Get Thrashed. Un año más tarde, el grupo grabó el cover de Ennio Morricone «The Ecstacy of Gold», el cual apareció en el disco tributo We All Love Ennio Morricone. Luego, en los meses de junio y julio realizaron la gira Sick Of The Studio 07.

La banda comenzó a grabar el álbum Death Magnetic el 14 de marzo de 2007. Éste cuenta con Rick Rubin como productor, reemplazando a Bob Rock, que había ocupado dicho puesto desde hace más de 15 años. El álbum es finalmente lanzado el 12 de septiembre de 2008. Se han establecido algunas citas para su gira en 2008, y anteriormente, participaron en el Electric Weekend de Getafe, siendo cabezas de cartel junto con Rage Against the Machine. Además, la banda participó en un álbum tributo a Iron Maiden, Maiden Heaven[28] , interpretando la canción «Remember Tomorrow» junto a bandas como Avenged Sevenfold o Dream Theater. Metallica, en la actualidad, ha vendido más de 100 millones de álbumes y posee una estrella en el paseo de la fama en Hollywood.[29]

La página oficial ha confirmado que el grupo ha ocupado un lugar en el Salón de la Fama del Rock,[30] y que fue nominado en dos categorías (Rock Out y Headliner) en los MTV Europe Music Awards así como invitado para tocar en vivo dentro de Los Premios a la Música de Latinoamérica de MTV, los cuales se llevaron a cabo dentro del Auditorio Telmex en Guadalajara, Jalisco, México.[31]

Sonido e influencias

A pesar de que en un principio Metallica tocaba un estilo muy cercano al thrash metal, especialmente en Kill'em All, a lo largo de los años se ha ido desmarcando de esta posición, especialmente a partir de Metallica (The Black Album), en el que tomaron un sonido más comercial para acercarse al mainstream.[1] Sin embargo, el cambio más importante se da a partir de 1996, con la publicación de Load, en el que se puede oír un sonido mucho más arreglado y cercano al hard rock y al rock alternativo, además de poder apreciarse el claro cambio estético de la banda, mucho más pulcramente vestidos abandonando sus melenas y sus vaqueros rotos y desgastados.[22] Esto sigue dividiendo a los fans hoy en día.[2] Con la publicación de St. Anger, el grupo se orienta hacia un estilo más cercano al nu metal y al metal alternativo, presentando un sonido mucho más duro y agresivo que en sus anteriores trabajos.

Las influencias musicales del grupo se pueden apreciar en el disco de versiones Garage Days Re-Visited, donde versionan canciones de bandas como Diamond Head, posiblemente su mayor influencia, o The Misfits, aunque también hay que incluir dentro de sus influencias bandas como Black Sabbath, UFO, Motörhead, Judas Priest o Iron Maiden.[22]

Polémicas

Sonido y estética

Con la publicación del álbum Ride the Lightning, muchos fans quedaron desencantados por la balada «Fade to Black», ya que para los más puristas seguidores de la formación, las bandas de thrash metal no deberían componer canciones orientadas hacia el «mainstream» como es el caso de dicho tema; sin embargo, con la publicación del álbum homónimo de la banda, dicha polémica se recrudece debido al sonido más comercial presente en el disco, ya que en los trabajos anteriores de la banda el sonido pesado y oscuro dominaba la gran mayoría de los temas. El cambio de sonido del grupo vino de la mano de Bob Rock, el productor del disco, quien había trabajado anteriormente con bandas como Bon Jovi o Motley Crue, todos ellos con una gran cantidad de discos vendidos a sus espaldas. A pesar de dicha polémica, éste fue el trabajo más exitoso en ventas de la banda, con más de 7 millones de copias vendidas sólo en EE. UU.,[1] a pesar de que muchos seguidores los calificasen como «vendidos».[10]

Aún con Bob Rock en sus filas, el grupo graba Load y ReLoad, dos discos que presentan un sonido mucho más accesible al público en general, lo que acabó por romper las relaciones de los seguidores más intransigentes de la formación dado el carácter cercano al hard rock de ambos trabajos.[10] Además, el hecho de que la banda encabezase festivales alternativos como Lollapalooza ayudó a que ganasen detractores.[24] St. Anger proporcionaba un sonido mucho más duro bajo la producción nuevamente de Bob Rock, quien además toca el bajo debido a la dificultad de la banda por encontrar un bajista que supliese la marcha de Jason Newsted. Este álbum tampoco convenció a la mayoría de los fans debido a su orientación hacia el nu metal, a la escasez del virtuosismo de Kirk Hammett, quien no realiza ningún solo en todo el disco, y al sonido de la batería.

Jason Newsted
Voivod

Jason Newsted se introdujo en la banda como sustituto del fallecido Cliff Burton, idolatrado por los fans, por lo que muchos de estos seguidores no vieron con buenos ojos la llegada de otro bajista al seno del grupo. Además, su manera de tocar fue criticada al ser comparada con el virtusismo de Burton, ya que éste último tocaba el bajo con los dedos en lugar de con una púa, como hacía Newsted. Después de su llegada, el grupo publicó ...And Justice for All, en el cual el sonido del bajo de Newsted resulta casi inaudible. En una ocasión, durante la gira de presentación de dicho trabajo, los restantes miembros del grupo arrojaron todos sus objetos personales por la ventana del hotel en el que se alojaban.[24] Además, se rumoreó entre los fans que Newsted era homosexual, algo que no era cierto.[24] Según sus propias declaraciones, Newsted explicó: «Era mi sueño hecho realidad. Si vas a llenar los zapatos de Cliff Burton, tienes que ser resistente».[24] Éste recibió numerosas críticas por ello, que recibió con paciencia hasta el año 2001, en el que decide abandonar la banda para ingresar en Voivod y, posteriormente, fundar su propio proyecto, que llamó Echobrain. Su sustituto fue Robert Trujillo, que añadió al grupo un sonido más duro al haber pertenecido a bandas de hardcore como Suicidal Tendencies o Infectious Grooves, aunque quizá el factor principal para la contratación de Trujillo fuese su estilo de tocar el bajo, con los dedos al igual que Burton. James Hetfield diría en una entrevista que "sus dedos parecían púas, eran como los de Burton".[13] En unas declaraciones posteriores a su salida de la banda, Newsted expuso: «Metallica tiene dos monstruos que controlan, y es muy difícil conseguir algo bueno en ese monopolio».[32]

Dave Mustaine
Megadeth
Dave Mustaine

La más famosa controversia en la carrera de la banda vino dada por el despido de Dave Mustaine, primer guitarrista del grupo y luego fundador de Megadeth, después de conductas violentas e irresponsables en el seno de la banda.[33] En 1983, en Nueva York, Mustaine tiene un accidente de furgoneta cuando la banda iba a reunirse con el productor Jon Zazula, siendo despedido y embarcado en un viaje de dos días hasta Los Ángeles, durante el cual decide fundar una nueva banda para vengarse de su despido. Declaró: «Después de ser despedido de Metallica, todo lo que recuerdo es que quería sangre, la suya. Quería ser más rápido que ellos».[34] Poco antes de éste, Mustaine tuvo varios problemas con Ron McGovney, primer bajista de Metallica, que acabaron con la marcha de éste antes de la salida del guitarrista. En aquel momento, Mustaine provocaba todo tipo de contratiempos a los restantes miembros del grupo debido a su adicción al alcohol y a las drogas, con lo que fue despedido de Metallica, introduciendo ésta a Kirk Hammett. Las hostilidades entre Megadeth y Metallica duraron varios años. En una entrevista realizada a James Hetfield en 1999, éste dijo: «No somos enemigos y no somos amigos, y creo que es mejor dejarlo así. Durante aquellos años todos estábamos borrachos y pasándolo bien, pero él lo llevó todo demasiado lejos. Era una persona realmente excesiva que tenía que llevarlo todo al límite, lo que incluía el alcohol y las drogas.»[35]

Cuando la banda le pidió a Mustaine que apareciese una entrevista entre él y Lars Ulrich en el documental Some Kind of Monster de 2004, el guitarrista se negó a ello, pero Metallica incluyó dicha entrevista. Mustaine dijo que eso fue "la traición final", y ha abandonado la esperanza de grabar algo o reaundar amistad con los miembros de la banda.[36]

Miembros
James Hetfield - Voz / Guitarra rítmica (1981 - presente)
Lars Ulrich - Batería (1981 - presente)
Kirk Hammett - Guitarra principal (1983 - presente)
Robert Trujillo - Bajo (2003 - presente)

Anteriores
Lloyd Grant - Guitarra líder (1981 - 1982)
Ron McGovney - Bajo (1982)
Dave Mustaine - Guitarra líder (1982 - 1983)
Cliff Burton † - Bajo (1982 - 1986)
Jason Newsted - Bajo (1986 - 2001)

Álbumes de estudio

25 de julio de 1983 Kill 'Em All 3 millones #120
30 de julio de 1984 Ride the Lightning 5 millones #100
3 de marzo de 1986 Master of Puppets 6 millones #29
25 de agosto de 1988 ...And Justice for All 8 millones #6
12 de agosto de 1991 Metallica 15 millones #1
4 de junio de 1996 Load 5 millones #1
18 de noviembre de 1997 ReLoad 3 millones #1
5 de junio de 2003 St. Anger 2 millones #1
12 de septiembre de 2008 Death Magnetic 2 millones #1

Referencias

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↑ a b c d e f g h i j k l m n ñ «Encyclopaedia Metallum - Metallica». Consultado el 24 de noviembre de 2007.
↑ «bbc.co.uk "Biografía en la BBC"». bbc.co.uk. Consultado el 27-07-2007.
↑ «Thrash Metal». EOL Audio. Consultado el 28 de diciembre de 2006.
↑ a b c d e f «Metallica: Biografía: Rolling Stone». Consultado el 24 de noviembre de 2007.
↑ a b c d «Biografía de Metallica en la página web oficial». Consultado el 15 de octubre de 2007.
↑ «Historia de la banda». Consultado el 25 de septiembre de 2007.
↑ a b «Biografía de Metallica en tu idioma». Consultado el 13 de octubre de 2007.
↑ «Rampage Radio DJ Profiles: Ron Quintana». Consultado el 23 de septiembre de 2007.
↑ a b c d e f g h «Biografía de Metallica (en portugués)». Consultado el 24 de noviembre de 2007.
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↑ a b c d «Encyclopaedia Metallica - Por fans, para fans». Consultado el 25 de noviembre de 2007.
↑ a b VH1 - Behind the Music: Metallica
↑ «Metallica World - Perfil Dave Mustaine». Consultado el 15 de octubre de 2007.
↑ Metallica - Cliff'em All. Dirigido por Jea Pellerin y Doug Freel. Editado el 4 de Diciembre de 1987
↑ «Encyclopaedia Metallum - Kill'em All». Consultado el 3 de diciembre de 2007.
↑ Tomás, Enrique (1996). Metallica. La Máscara. ISBN 84-7974-133-3.
↑ a b «Metallica: discos, letras, biografía, fotos y enlaces». Consultado el 24 de noviembre de 2007.
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↑ a b c d e Playboy (Abril de 2001). «Entrevista por separado a los miembros de Metallica». Playboy.
↑ «Metallica Mash-Up Band Gets By With A Little Help From Its Friend ... Lars». Consultado el 16 de octubre de 2007.
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↑ «Metallica nomineed in the EMA's and playing live at the MTVLA Music Awards», Alternativeware, 2008-10-08. Consultado el 2008-10-08.
↑ Metal Hammer (10-1-2002). «Newsted Blasts Metallica». Consultado el 4 de febrero de 2008.
↑ Cecolini, Vinny (Noviembre de 1998). «Foreclosure of a Dream». Metal Hammer.
↑ "Killing Is My Business... And Business Is Good" notas del álbum remasterizado. Mayo 2002, Loud Records, 9046-2.
↑ Entrevista en Metal Hammer en 1999.
↑ «Mustaine se enfada con Metallica por el documental 'Some Kind of Monster'.». Consultado el 18 de diciembre de 2007.
↑ «RIAA - Discos de oro y platino (introducir nombre del disco y del artista para ver los resultados)». Consultado el 24 de noviembre de 2007.
↑ «Billboard.com - Artist Chart History - Metallica». Consultado el 24 de noviembre de 2007.
↑ «Premios recibidos por Metallica». Consultado el 22 de marzo de 2009.

http://es.wikipedia.org/wiki/Metallica

The kinks

2009-04-01T19:55:00.000-07:00

The Kinks fue un grupo musical británico formado en Londres en los años 60 por los hermanos Ray y Dave Davies. Desde sus primeros tiempos estaban muy influidos por el Rock and roll y el Rhythm & blues americanos. En 1964 consiguieron su primer nº 1 en las listas británicas con "You Really Got Me", su canción más emblemática, dándose a conocer como parte de la Invasión Británica en Estados Unidos (nº 7 en Billboard) Esta canción ha permanecido como una de las más significativas de la década de los 60 y su sonido es considerado precursor del Hard rock.

La evolución como compositor de Ray Davies, llevó al grupo a una segunda época con un sonido mucho más "británico" y Pop, que les proporcionó éxitos como “Sunny Afternoon” o “Waterloo Sunset”. Sus trabajos en estos años han ejercido gran influencia en movimientos tan distintos como el Glam Rock, el Punk, o la New Wave , a pesar de que, en términos de popularidad y apoyo de su discográfica, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles, The Rolling Stones o The Who.

En 1970 y tras un período de menor presencia en las listas, alcanzaron su último nº 1 en el Reino Unido con el single “Lola”. Sus problemas con la discográfica Pye les llevó a firmar por RCA, iniciando una fase caracterizada por el rock con tintes teatrales. Debido a la falta de apoyo promocional, el grupo pasó a un segundo plano, sobre todo en su país, lo que hace que se trasladen a los Estados Unidos. Allí firmaron con Arista, discográfica con la que disfrutaron de un nuevo periodo de éxito en el cambio de década y los primeros años 80, éxito que no se volvió a repetir hasta su separación en 1997.

Formación y primeros años (1963-1965)

Los hermanos Davies crecieron en el barrio de Muswell Hill, en Londres, en una familia numerosa. Ray Davies estudió en el Hornsey College of Art y adquirió experiencia musical como guitarrista en el grupo del Soho Dave Hunt Band, en 1963. El hermano de Ray, Dave, y su compañero de colegio Pete Quaife formaron un grupo y poco después propusieron a Ray que se uniera a ellos. Quaife, igual que los hermanos Davies, tocaba la guitarra, pero decidió pasarse al bajo.

En el verano boreal de 1963, el grupo formado por Ray, Dave y Pete Quaife fue bautizado "The Ravens" ("Los Cuervos") e incorporó a un nuevo miembro, el baterista Mickey Willet. Poco después, Willet sería sustituido por Mick Avory, quien había tocado anteriormente con otro grupo que estaba en sus comienzos, los futuros Rolling Stones. The Ravens alternaban sus primeras actuaciones bajo este nombre con otras en las que tocaban como banda acompañante del cantante Robert Wace, con el nombre de "Boll Weevils", inspirado en una canción del artista de Rhythm and Blues Bo Diddley.

Una maqueta con grabaciones del grupo llegó a las manos del productor estadounidense Shel Talmy, quien convenció a la compañía discográfica Pye Records para que les diese la oportunidad de grabar en un estudio. El grupo firmó un contrato para grabar tres discos sencillos, que la compañía tenía la opción de renovar si los resultados eran satisfactorios. Aunque los Kinks tenían varias canciones propias, escritas por Ray Davies (entre ellas, su futuro gran éxito You Really Got Me), la canción elegida para su primer disco fue una versión del clásico de Little Richard, Long Tall Sally, que poco después tuvo un gran éxito en la versión de los Beatles.

Con motivo de su inminente estreno discográfico, Larry Page bautizó al grupo como The Kinks (en traducción aproximada, "los raros") y proveyó a sus integrantes de un llamativo y exótico vestuario, adquirido en Carnaby Street, que el propio Ray Davies describiría después como una mezcla de trajes de Robin Hood con complementos de cuero al estilo de la serie de televisión Los vengadores.[1]

El single se publicó en febrero de 1964, acompañado de una intensa campaña publicitaria. El grupo apareció en el programa de televisión Ready Steady Go!, y fotografías de su actuación se publicaron en la influyente revista New Musical Express. No obstante, no se logró el éxito esperado, ya que la canción sólo alcanzó el número 42 en la lista de éxitos de la revista Melody Maker. Dieron varios conciertos dentro y fuera de Londres, y tuvieron un discreto éxito ante el exigente público de The Cavern, el famoso local de Liverpool desde donde los Beatles habían saltado a la fama. Sin embargo, tampoco el segundo sencillo, "You Still Want Me", editado en abril, logró el éxito deseado. Se vendieron 127 copias.[2] La discográfica advirtió al grupo que un tercer fracaso daría al traste con su incipiente carrera.

El éxito llegó de la mano del tercer single, "You Really Got Me", un "extraño pero poderoso" tema para la época, que alcanzó el número 1 en las listas en el Reino Unido y estuvo entre los diez primeros en Estados Unidos. La canción, una de las más influyentes en la historia del pop y el rock de los años 60 y 70, se basa en un riff de sólo dos acordes que Dave Davies, según la historia varias veces referida por él y por su hermano Ray, consiguió casualmente cuando conectó agujas de coser a su amplificador. La repetición del riff a intervalos le dio al Rock por primera vez un ritmo de caracter ^machacón*, que sería años después explotado por el Hard Rock, Glam Rock, Heavy Metal y el Punk Rock. Según muchos críticos, You Really Got Me puede considerarse la primera canción de hard rock de la historia. En la grabación del tema intervino también Jimmy Page, futuro guitarrista de Led Zeppelin, pero no tocó la guitarra, sino únicamente la pandereta.

El éxito de You Really Got Me convenció a los directivos de Pye Records de que valía la pena confiar en el criterio de Ray Davies. El éxito volvió a sonreír al grupo en su cuarto sencillo, "All Day and All of the Night", también basado en un efectivo riff de Dave Davies, que llegó al número 2 en las listas británicas y al 7 en las estadounidenses.

El grupo continuó su ascendente carrera, y en los dos años siguientes editó tres álbumes ("Kinks", en octubre de 1964; "Kinda Kinks" en febrero de 1965; y "The Kinks Kontroversy", en febrero de 1966) y numerosos EPs, al mismo tiempo que realizaban giras interminables, que produjeron tensión en el seno de la banda. A raíz de conflictos con los promotores de la gira por Estados Unidos que realizaron en el verano boreal de 1965, la American Federation of Musicians Union consiguió que se les prohibiese actuar en Estados Unidos durante los cuatro años siguientes, lo que apartó al grupo del mercado norteamericano, el más grande del negocio musical.

Tal vez por esto, las canciones de Ray Davies se volvieron más introspectivas, ahondando en la tradición musical inglesa, desde el folk hasta el music-hall y diferenciándose progresivamente del trabajo de los grupos británicos de la época. Estos cambios se hicieron evidentes en las canciones "A Well Respected Man" y "Dedicated Follower of Fashion", del álbum The Kinks Kontroversy, donde Ray demostraba su talento para la observación y el estudio de caracteres y el comentario social. El tema satírico "Sunny Afternoon" fue el mayor éxito del verano boreal de 1966 en el Reino Unido, alcanzando el número 1 de las listas de éxitos.

Época dorada (1966-1972)

Tras este breve período de tiempo —verano boreal de 1966— en el que The Kinks "luchó" contra The Rolling Stones por ser la segunda banda británica tras los Beatles y hasta 1972, el cuarteto publicó varios trabajos aclamados por la crítica y con una notable aceptación por parte del público: Face to Face, Something Else, Arthur, Village Green, Lola y Muswell Hillbillies.

"Sunny Afternoon" se incluyó en el primero de estos álbumes, Face To Face, un álbum repleto de canciones acerca de la gente común y de la vida cotidiana. "Dead End Street", una canción de contenido social, se editó como single por la misma época, aunque no aparece en el álbum, y alcanzó un importante éxito.

En mayo de 1967 regresaron con otra de las grandes canciones de Ray Davies, "Waterloo Sunset" ("Puesta de sol en Waterloo"), una canción sencilla y emotiva en la que el cantante observa a la multitud desde su ventana, y describe el encuentro de dos amantes, Terry y July, en la estación de Waterloo. Davies rechazó la interpretación de que los personajes de la canción fueran en realidad los actores Terence Stamp y Julie Christie. En septiembre se publicó su nuevo álbum, Something Else by The Kinks, que continuaba la línea del anterior Face To Face.

A partir de 1972

A mediados de los '70 el lanzamiento de varias óperas rock, no entendidas por buena parte del público, unido al cambio de casa discográfica, se tradujo en un bache para la banda en lo que a ventas se refiere. Se recuperaron algo de éste con una serie de trabajos menores entre 1979 y 1984, gracias a las ventas en Estados Unidos, donde estuvieron vetados hasta finales de los 60 debido a una discusión entre Ray Davies y el director de la federación de músicos americanos.

Feb de 1964-Junio de 1966, Nov 1966-1969)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclados, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Mick Avory - batería
Pete Quaife - bajo, voces

(Junio-Nov 1966, 1969-1970)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclados, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Mick Avory - batería
John Dalton - bajo, voces

(1970-1976)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, armónica, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Mick Avory - batería
John Dalton - bajo, voces
John Gosling - teclados

(1976-1978)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Mick Avory - batería
Andy Pyle - bajo
John Gosling - teclados

(1978)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Mick Avory - batería
John Dalton - bajo, voces
Gordon John Edwards - teclados, voces

(1978-1979)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Mick Avory - batería
Jim Rodford - bajo, voces

(1979-1984)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Mick Avory - batería
Jim Rodford - bajo, voces
Ian Gibbons - teclados, voces

(1984-1989)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Bob Henrit - batería
Jim Rodford - bajo, voces
Ian Gibbons - teclados, voces

(1989-1993)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición, teclados
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Jim Rodford - bajo, voces
Bob Henrit - batería
Mark Haley - teclados, voces

(1993-1996)

Ray Davies - vocalista, guitarra rítmica, composición
Dave Davies - armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
Jim Rodford - bajo, voces
Ian Gibbons - teclados, voces
Bob Henrit - batería

Álbumes
En estudio (discografía británica)

The Kinks (Pye, 1964)
Kinda Kinks (Pye, 1965)
The Kink Kontroversy (Pye, 1965)
Face to Face (Pye, 1966)
Something Else by The Kinks (Pye, 1967)
The Kinks Are the Village Green Preservation Society (Pye, 1968)
Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (Pye, 1969)
Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One (Pye, 1970)
Percy (Banda sonora) (Pye, 1970)
Muswell Hillbillies (RCA, 1971)
Everybody's in Show-Biz (RCA, 1972)
Preservation Act 1 (RCA, 1973)
Preservation Act 2 (RCA, 1974)
Soap Opera (RCA, 1975)
Schoolboys in Disgrace (RCA, 1976)
Sleepwalker (Arista, 1977)
Misfits (Arista, 1978)
Low Budget (Arista, 1979)
Give the People What They Want (Arista, 1981)
State of Confusion (Arista, 1983)
Word of Mouth (Arista, 1984)
Think Visual (London, 1986)
UK Jive (London, 1989)
Phobia (London, 1993)

Directos

Live at Kelvin Hall (Pye, 1968)
One for the Road (Arista, 1980)
The Road (London, 1988)
To the Bone (Konk, 1994 / Guardian, 1997)

Principales Recopilatorios

The Kinks ("The Black Album") (Pye, 1970)
The Kink Kronikles (Reprise, 1972)
The Great Lost Kinks Album (Reprise, 1973)
The Kink's Greatest - Celluloid Heroes (RCA, 1976)
Come Dancing with The Kinks - The Best of The Kinks 1977-1986 (Arista, 1986)
The Album that Never Was (PRT, 1987)
The EP Collection Vol. 1 & 2 (See For Miles, 1990/91)
Fab Forty: The Singles Collection 1964-1970 (Charly, 1990)
Lost and Found (1986-1989) (MCA, 1991)
BBC Sessions 1964-1977 (Sanctuary, 2001)
The Ultimate Collection (Sanctuary, 2002)

Sencillos (discografía británica)

"Long tall Sally"/ "I took my baby home" (Pye, 1964)
"You still want me"/ "You do something to me" (Pye, 1964)
"You really got me"/ "It's alright" (Pye, 1964)
"All day and all of the night"/ "I gotta move" (Pye, 1964)
"Tired of waiting for you"/ "Come on now" (Pye, 1965)
"Everybody's gonna be happy"/ "Who'll be the next in line" (Pye, 1964)
"Set me free"/ "I need you" (Pye, 1965)
"See my friends"/ "Never met a girl like you before" (Pye, 1965)
"Till the end of the day"/ "Where have all the good times gone" (Pye, 1965)
"Dedicated follower of fashion"/ "Sittin' on my sofa" (Pye, 1966)
"Sunny afternoon"/ "I'm not like everybody else" (Pye, 1966)
"Dead end street"/ "Big black smoke" (Pye, 1966)
"Waterloo sunset"/ "Act nice and gentle" (Pye, 1967)
"Atumn almanac"/ "Mr. Pleasant" (Pye, 1967)
"Wonderboy"/ "Polly" (Pye, 1968)
"Days"/ "She's got everything" (Pye, 1968)
"Plastic man"/ "King Kong" (Pye, 1969)
"Drivin'"/ "Mindless child of motherhood" (Pye, 1969)
"Shangri-la"/ "This man he weeps tonight" (Pye, 1969)
"Victoria"/ "Mr. Churchill says" (Pye, 1969)
"Lola"/ "Berkeley mews" (Pye, 1970)
"Apeman"/ "Rats" (Pye, 1970)
"God's children"/ "The way love used to be" (Pye, 1971)
"Supersonic rocket ship"/ "You don't know my name" (RCA, 1972)
"Celluloid heroes"/ "Hot potatoes" (RCA, 1972)
"Sitting in the midday sun"/ "One of the survivors" (RCA, 1973)
"Sweet lady Genevieve"/ "Sitting in my hotel" (RCA, 1973)
"Mirror of love"/ "He's evil" (RCA, 1974)
"Holiday romance"/ "Shepherds of the nation" (RCA, 1974)
"Ducks on the wall"/ "Rush hour blues" (RCA, 1975)
"You can't stop the music"/ "Have another drink" (RCA, 1975)
"No more looking back"/ "Jack the idiot dunce"/ "The hard way" (RCA, 1976)
"Sleepwalker"/ "Full moon" (Arista, 1977)
"Juke box music"/ "Sleepless night" (Arista, 1977)
"Father Christmas"/ "Prince of the punks" (Arista, 1977)
"A Rock'n'Roll fantasy"/ "Artificial light" (Arista, 1978)
"Live life"/ "In a foreign land" (Arista, 1978)
"Black messiah"/ "Misfits" (Arista, 1978)
"(Wish I could fly like) Superman"/ "Low budget" (Arista, 1979)
"Moving pictures"/ "In a space" (Arista, 1979)
"Pressure"/ "National health" (Arista, 1979)
"Better things"/ "Massive reductions" (Arista, 1981)
"Predictable"/ "Back to front" (Arista, 1981)
"Come dancing"/ "Noise" (Arista, 1982)
"Don't forget to dance"/ "Bernadette" (Arista, 1983)
"Good day"/ "Too hot" (Arista, 1984)
"Do it again"/ "Guilty" (Arista, 1985)
"How are you"/ "Killing time" (London, 1986)
"Lost and found"/ "Killing time" (London, 1987)
"The road"/ "Art lover" (London, 1988)
"Down all the days (till 1992)"/ "You really got me" live (London, 1989)
"How do I get close"/ "War is over" (London, 1990)
"Scattered"/ "Hatred (a duet)"/ "Days" (Columbia, 1993)
"Only a dream"/ "Somebody stole my car" (Columbia, 1993)

EP's (no recopilatorios)

Kinksize Session (Pye, 1964)
"Louie Louie" (Richard Berry)
"I gotta go now"
"Things are getting better"
"I've got that feeling"
Kwyet Kinks (Pye, 1965)
"Wait till the summer comes along"
"Such a shame"
"A well respected man"
"Don't you fret"

Morrissey

2009-04-01T12:29:00.000-07:00

Steven Patrick Morrissey, nacido el 22 de mayo de 1959, es un cantante y compositor británico de Davyhulme, cerca de Mánchester, en Inglaterra.

Saltó a la fama en los ochenta como líder de la banda inglesa The Smiths. Cuando la banda se separó en 1987, Morrissey comenzó una prolífica carrera como solista. Sus principales influencias van desde Oscar Wilde a Goethe, además de ser fanático de la música pop y del cine.

Morrissey nació en el Park Hospital, ahora conocido como Trafford General Hospital, en Davyhulme el viernes 22 de mayo de 1959. Es hijo de Peter Morrissey, un portero del hospital, y de Elizabeth Dwyer, una bibliotecaria. Sus padres, irlandeses, habían emigrado a Inglaterra momentos antes del nacimiento de Morrissey. Ellos, junto con Jackie, su hermana mayor, educaron a Morrissey en Hulme, Mánchester. En 1965, la familia se trasladó a Queen Square en Hulme, cerca de Moss Side, en el 384 de Kings Road en los suburbios de Stretford. En 1969, muchas calles viejas del distrito fueron demolidas. Morrissey ha mantenido una relación íntima y afectiva con su madre a lo largo de su vida; sin embargo, la relación con su padre fue tensa durante años, e incluso inexistente en ocasiones.

Cuando Morrissey era niño desarrolló intereses que lo marcaron. Entre ellos se encontraban grupos musicales femeninos de los 60s y cantantes como Sandie Shaw, Marianne Faithfull y Timi Yuro. También tenía interés por el movimiento inglés de los 50s llamado Kitchen Sink enfocado al drama, así como por las obras del dramaturgo, novelista y poeta Oscar Wilde y también John Keats. Un suceso que a Morrissey le causó un gran impacto cuando era niño fue una serie de asesinatos cometidos entre 1963 y 1965 por una pareja, un hombre y una mujer. Esta serie de crímenes, que tuvo como víctimas fatales a cinco niños, fueron llamados por la prensa The Moors Murders ("Los Asesinatos de los Páramos"). Tiempo después, Morrissey respondió a estos hechos con la controvertida canción "Suffer Little Children" en el primer álbum de The Smiths.

En su adolescencia, la capacidad atlética de Morrissey lo salvó en gran parte del acoso escolar. Sin embargo, él ha expuesto este período como una época en la que a menudo se sentía solo y presionado. Como adolescente, Morrissey experimentó la soledad y la depresión y para combatir eso, se medicaba para tratar las depresiones que lo seguirían por el resto de su vida. Morrissey es una persona con un buen nivel académico, trabajó en un departamento de desempleo y en áreas administrativas del Gobierno Británico. En su tiempo libre, cuando vivía en casa de su madre, se concentró en la novela y en publicaciones referentes a dos de sus grandes héroes: el actor James Dean y el grupo New York Dolls.

Morrissey se pasó al estilo Punk Rock y se unió a Nosebleeds escribiendo varias canciones. Poco después, la revista inglesa New Musical Express publicó una de sus canciones, cuando la banda ya se había separado. Un año más tarde en 1978, Morrissey sustituyó al desaparecido cantante Wayne Barrett.

The Smiths

En 1980, Morrissey conoce al guitarrista Johnny Marr, quien lo invitó a colaborar con él. Luego incluyeron a otros compañeros de Marr, el bajista Andy Rourke y el baterista Mike Joyce, y fundaron el grupo The Smiths generando un sonido propio con influencias de rock and roll clásico, country y punk creando así un movimiento músico-social llamado britpop que en los años noventa dio origen a bandas como Oasis, Blur, y Suede, entre otras.

The Smiths grabó cuatro álbumes de estudio (The Smiths, Meat is Murder, The Queen is Dead, y Strangeways, Here we Come), tres recopilatorios (Hatful of Hollow, The World won't Listen, y Louder than Bombs) y un álbum en vivo (Rank) y varios singles entre 1983 y 1987. Cuando la banda se separó, por conflictos creativos surgidos entre los fundadores, Morrissey comenzó una exitosa carrera solista, en la que se destaca el álbum Your Arsenal, de 1992, nominado a un Grammy como mejor álbum alternativo. En el 2006 salió a la venta el álbum Ringleader of the Tormentors. En la encuesta realizada por la prestigiosa revista Rolling Stone sobre las mejores canciones del siglo XXI, Morrissey ocupó el 5º puesto con su "First of the gang to die". Recientemente ha lanzado el single "That´s how people grow up/All you need is me", como adelanto de un nuevo álbum que se lanzará en febrero de 2009.

Solista

Después de la desintegración de The Smiths, Morrissey sacó su primer álbum como solitario llamado Viva Hate en 1988. Después de este disco, Morrissey se asoció con el ex productor de The Smiths Stephen Street, Vini Reilly de The Durutti Column y el baterista Andrew Paresi.

El estilo que predomina en el álbum es Jangle pop muy similar al de The Smiths, aunque el trabajo con la guitarra de Reilly tiene elementos más abrasivos y más atmosféricos. El álbum Viva Hate lanzado en marzo de 1988 alcanzó el número uno en su lanzamiento apoyado por el sencillo "Suedehead" y "Everyday Is Like Sunday". Bona Drag, de (1990), fue el siguiente disco, que consistió en una recopilación de sencillos como "November Spawned a Monster" y "Ouija Board, Ouija Board" y de algunos temas representativos y sencillos de su primer álbum antes mencionado. Al año siguiente, Mozz editó el que quizá sea considerado el peor disco de su carrera solista, Kill Uncle, de donde se extrajo el sencillo "Sing your Life", y la estupenda "Our Frank". Mozz, disconforme con su propio trabajo, no demoró en responder a las críticas un año después con uno de sus mejores trabajos, Your Arsenal, lanzado en julio de 1992, que contenía diez canciones llenas de fuerza y energía y, a diferencia de su predecesor, logró un éxito importante de crítica, apoyado en la promoción que le dieron algunas acusaciones racistas totalmente erráticas. El disco representó la vuelta de Mozz a su mejor versión en singles como "We Hate It When Our Friends Become Successful", una verdadera joya de su repertorio post Smiths. La profunda depresión por la muerte de su manager Nigel Thomas, sumada a la muerte de uno de sus grandes guías, Mick Ronson, alejó a Mozz por unos años del circuito (se editó en este interin un disco en vivo llamado Beethoven was Deaf), al que volvió en el año 94 con su obra maestra Vauxhall and I, un disco totalmente opuesto a su predecesor: más reflexivo, menos combativo, sutil en sus alusiones y poco directo en sus mensajes. Vauxhall and I -una obra maestra total y absoluta, con cumbres indiscutibles como Now my heart is full o Lifeguard sleeping, girl drowning o The lazy sunbathers- es, ante todo, un álbum triste y silencioso pero es, a su vez, su trabajo más maduro y compacto. En él, la música se lee como única y fluye de forma casi natural en todo el álbum, y Mozz se muestra más crítico y ácido que nunca. "The more you ignore me, the closer I get", el primer single que se extrajo, se muestra a primera escucha como una canción de amor, cuando es en realidad la respuesta a las críticas recibidas de la prensa en sus últimos años. "Hold on to your Friends" es su segundo sencillo y refuerza la idea de madurez y reflexión de ese momento en su vida. El álbum fue acogido por la crítica como uno de los mejores del año y, sin duda, el mejor de su carera; además significó la vuelta triunfal de Mozz a las listas británicas. El mismo año, Morrissey cantó a dúo con una de sus artistas preferidas Siouxsie sobre un especial single llamado "Interlude".

El siguiente año se editó World of Morrissey, una recopilación de temas de sus últimos álbumes y algunos sencillos nunca incluidos en LPs, como la notable "My Love Life" o la balada "Boxers". A pesar de contener grandes temas, esta recopilación no fue bien vista por sus seguidores, quizás debido a la arbitrariedad de la selección: temas en vivo ("Sister I'm a Poet"), versiones de LPs, singles, caras B, ni siquiera ordenados cronológicamente, una mala presentación y un sentido de incongruencia suficiente para mantener alejados a sus fans. Un año después, editó Southpaw Grammar, un atípico álbum de Mozz de seis temas que se abre con "The Teachers Are Afraid of the Pupils", extenso en su título y duración, donde Mozz retoma sus críticas al sistema educativo inglés ya plasmadas antes con The Smiths en Meat is Murder, concretamente en el tema "Headmaster Ritual". De este álbum se destaca la segunda canción, "Reader Meet Author", en donde se refiere a una de sus grandes pasiones, la literatura. Luego de un impass y del rumor del final de su carrera, dos años después sale a la luz su sexto álbum, Maladjusted, un álbum que recibió críticas dispares y que careció del éxito de su predecesor. A pesar de esto, Mozz inició su mayor gira con Omar Trasvina, que lo llevó en su tour "Oye Esteban" (haciendo clara alusión a su visita a Latinoamérica con la traducción de su nombre Steven al español) a México, Brasil, Chile y Argentina por primera vez en su carrera. En el 2004 edita You're the Quarry, disco que devuelve a Mozz a la primera plana y le da quizás su mayor éxito como solista en los últimos diez años. El álbum se muestra sólido en su concepción, actual en sus críticas y comprometido socialmente. Además, se destaca un ácido y punzante ataque al gobierno estadounidense en "America is not the World", donde recuerda a los norteamericanos su egocentrismo desmedido (cabe aclarar que Mozz se encontraba por esa época viviendo en Los Ángeles) y, el que fue quizás su mayor éxito solista en más de veinte años, "First of the Gang to Die", con un notable riff de guitarras que recuerda a las mejores épocas de "Suedehead", con el que homenajea a sus olvidados fanáticos de Latinoamérica, donde Mozz estuvo de gira nuevamente y encontró un público que él mismo catalogó de increíblemente fiel al decir "gracias por saber esperar más de 20 años". Esta gira lo llevó por toda Latinoamérica, incluida nuevamente Buenos Aires, donde formó parte destacada del festival de rock "Personal Fest", ocupando el escenario principal junto a PJ Harvey, Blondie y Gustavo Cerati, entre otros, donde Mozz brindó un espectacular show frente a más de 10.000 fans, interpretando temas de su carrera solista y también clásicos de The Smiths. Lo mismo había ocurrido días antes, el 4 de noviembre de ese año, cuando Morrisey se presenta en Santiago, Chile, frente a 17.000 fans en el marco del SUE (Santiago Urbano Electrónico) junto a The Mars Volta y PJ Harvey. En el 2006, Mozz se traslada a Roma, lanza Ringleader of the Tormentors, album que debutó en el primer lugar de las listas británicas, donde recibe la colaboración del notable Ennio Morricone y la producción de Tony Visconti. El álbum recibió las mejores críticas de Mozz en muchos años. Además, fue elegido por muchas publicaciones entre los álbumes del año y devolvió definitivamente a Mozz a las primeras planas de la música británica del nuevo siglo.

Eurovisión 2007

Se había publicado en el último tiempo que Morrisey habría estado negociando con la BBC su participación como compositor en el Festival de Eurovisión 2007, aunque finalmente parece haber desistido debido a que el resultado de dicha competición se habría hecho efectiva mediante las llamadas del público, un formato que Morrissey detesta.

Derechos de los Animales

Morrissey es vegetariano desde los once años y es un ávido defensor de los derechos de los animales.[1] También es conocido por su continuo apoyo hacia PETA.

Discografía

Álbumes de estudio

Viva Hate (1988)
Kill Uncle (1991)
Your Arsenal (1992)
Vauxhall and I (1994)
Southpaw Grammar (1995)
Maladjusted (1997)
You Are the Quarry (2004)
Ringleader of the Tormentors (2006)
Years of Refusal (2009)

Recopilatorios

Bona Drag (1990)
Sunny (1994)
World of Morrisey (1995)
Suedehead. The Best of Morrissey (1997)
My Early Burglary Years (1998)
The Best of Morrissey (2001)
Under the Influence (2003) (no es un disco de Morrissey, son canciones de otros artistas que lo influyeron)
Greatest Hits (2008)

Discos en directo

Beethoven Was Deaf (1993)
Live at Earls Court (2005)

DVD

Hulmerist (1990)
The Malady Lingers On (1992)
Live in Dallas (1996)
Oye Esteban (2000)
Jewel In The Crown:Unathorized (2004)
Who put the "M" in Manchester (2005)

Colaboración con otros artistas

Morrissey & Siouxsie: "Interlude", single (1994)

Siouxsie And The Banshees

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Siouxsie & the Banshees es el nombre de una banda de rock británica formada en 1976. La banda liderada por Siouxsie Sioux fue uno de los grupos claves de la música de los años 80 y en la creación y desarrollo del Rock Gótico. Abanderados del movimiento post-punk, su música continuó evolucionando, rock alternativo en sus álbumes y apreciándose más aún pop en sus singles. El grupo se disolvió en 1996, aunque se volvió a juntar brevemente para una gira en 2002. La cantante también creó un segundo grupo The Creatures en 1981, con el que paralelamente continuó su carrera y con el que continuó después de la disolución de los Banshees. Siouxsie hizo otras colaboraciones, como por ejemplo un dúo con Morrissey.[1]

Sus canciones fueron versionadas por LCD Soundsystem,[2] Massive Attack,[3] Jeff Buckley[4] y Tricky.[5] La cantante recibió elogios de varios otros artistas como PJ Harvey,[6] y Garbage.[7] [8]

Tras la separación de los Banshees y el final de su segundo grupo The Creatures, Siouxsie canta ahora como solista desde septiembre de 2007.

Siouxsie & the Banshees (cuya formación inicial estaba compuesta por: Siouxsie Sioux - Ballion, nacida en Londres el 27 de mayo de 1957 - líder y cantante solista, Steven Severin al bajo, Marco Pirroni a la guitarra y Sid Vicious a la batería) debutaron en septiembre de 1976 en uno de los primeros festivales punk del Club 100 de Londres. El grupo comenzó como una aventura y acabó llevando una fluida carrera comercial muy representativa de lo que el punk apuntó y lo que el post-punk puso en circulación.

Sus influencias van desde el proto-punk: The Velvet Underground, The Stooges; el punk: Sex Pistols; e incluso el glam: David Bowie. Todas estas bandas moviéndose alrededor de un ámbito alternativo. Se podría decir que Siouxsie & the banshees tomó alguna influencia de estas bandas y lo mezcló en un estilo que sólo pocos han podido interpretar: el post-punk. Del proto-punk tomó su excentricidad y lírica. Del punk tomó la fuerza escénica y musical y finalmente tomó del glam su estética.

Vicious (John Simon Ritchie) se unió a los Sex Pistols a comienzos de 1977 y Pirroni a The Models, así una rueda de cambios irrumpió en la vida de la banda. En 1978, un disco pirata suyo ya circulaba de mano en mano, lo que demostraba su auge y el interés que despertaban. Ese mismo año y con la incorporación de John McKay a la guitarra y Kenny Morris a la batería, graban su primer single, el tema Hong Kong Garden que alcanzaría el número 7 en las listas inglesas y al que seguiría su álbum de debut: The Scream producido por Steve Lillywhite (conocido productor de los primeros trabajos de U2) en el sello Polydor. El sonido del grupo refumaba una agresividad punk densa y oscura que se acrecentaría en su segundo trabajo Join Hands Este L.P. se publica en 1979 e incluye una versión del clásico The Lord's Prayer, y los sencillos The Staircase y Playground Twist de temas estelares.

La banda se consolida en el mercado británico y con el comienzo de la gira de promoción del disco John McKay (guitarrista) y Kenny Morris (batería) abandonan la formación dejando al dúo Siouxsie y Steve Severin en la estacada. La gira se completaría con la ayuda de Robert Smith, de The Cure (que tocaba en aquella época de telonero de la banda) y Budgie (ex The Slits). Finalmente Budgie se quedaría como miembro fijo de la formación, mientras que el puesto de guitarrista se cubriría con la entrada del genio John McGeoch (ex Magazine), en el grupo. John McGeoch es considerado como el Jimmy Page del New wave, su característico estilo de guitarra con delays y flangers y su arte arpegiando definirían el sonido Banshee en los años posteriores.

En 1980 ve la luz el tercer trabajo de Siouxsie & The Banshees : Kaleidoscope, en el que también colabora el antiguo miembro de Sex Pistols Steve Jones. El disco es bastante más sombrío que sus predecesores, influido por el uso de sintetizadores, y con un sonido más limpio y denso, dejando de lado las antiguas maneras punk de la formación para acercarse al naciente sonido siniestro de bandas de la época como Joy Division o The Cure. El disco llega al Top 5 británico y el single Happy House se transforma en uno de los grandes éxitos de la banda por estas fechas. De esta forma Siouxsie & The Banshees comienzan su primera gira por EE.UU.

El cuarto trabajo de la banda se edita 1981 bajo el título Ju ju, tras la publicación del exitoso single Israel. Ju ju está considerado por muchos como el mejor trabajo de la banda. Este disco se encuentra impregnado de ambientes psicodélicos y góticos, y situaría a Siouxsie And The Banshees como abanderados a la cabeza del movimiento Gótico/Siniestro de la época, la misma Alaska desde españa calcaría su estética y sonido con sus Pegamoides.

Durante este período, Siouxsie y su percusionista Budgie crearon a un segundo grupo The Creatures editando un primer single "Wild Things".

También en 1981 se abrió y se cerró una etapa de la historia del grupo con la aparición del disco Once Upon a Time/The Singles (que recopilaba todos sus sencillos). Sumidos en una nube de popularidad Siouxsie And The Banshees dan una vuelta de tuerca más a su sonido con su siguiente trabajo A Kiss in the Dreamhouse, publicado en 1982, resulta más experimental y psicodélico que sus predecesores, y en él que se puede apreciar una mayor orientación comercial en temas como Slowdive. A pesar de contener algunas grandes canciones el disco pecaba de ser un trabajo menor. Durante la promoción del álbum y en plena gira, John McGeoch (guitarrista) sufre un colapso en el escenario debido al consumo excesivo de drogas y debe ser internado en un hospital psiquiátrico en Madrid. Robert Smith de The Cure volvería a ayudar a los Banshees a concluir la gira y se acabaría incorporando como miembro estable de la banda.

A comienzos de 1983, Siouxsie And The Banshees graban y editan un single con una versión del tema Dear Prudence de los Beatles, que se transforma en uno de sus mayores éxitos. Es justo en ese momento cuando Siouxsie y Budgie (que posteriormente se casarían) aprovechan para crear un proyecto paralelo, un grupo alternativo, The Creatures, que con el que graban el disco Feast en 1983. ( Este proyecto continuaría en el futuro con trabajos como Boomerang en 1990, Anima Animus en 1999 y Hai en el 2003). Por su parte Steve Severin y Robert Smith formarían The Glove, un proyecto psicodelico en el que explotaron su parte más alocada y desenfadada tras un prolongado consumo de drogas alucinogenas.

A mediados de 1983 Siouxsie & The Banshees se reunifican para hacer una gira y grabar su primer álbum en directo Nocturne (1983) que se edita bajo su propio sello discográfico Wonderland y que está grabado durante una exitosa actiación en el Royal Albert Hall de Londres. Con la publicación del L.P. Hyaena (1984) y un fuerte ablandamiento del sonido del grupo, ya totalmente sumidos en el pop, Siouxsie & The Banshees reciben sus peores criticas y comienza así una pequeña etapa de decadencia que se salda con salida del grupo de Robert Smith, que se centraría definitivamente en su propia banda The Cure.

1986 ve resurgir a Siouxsie And The Banshees de sus cenizas con el trabajo Tinderbox y la incorporación al grupo de John Carruthers a la guitarra. El disco, fresco y repleto de buenas canciones, incluía alguno de los mejores sencillos de su carrera: Cities in Dust y Candyman. Además de ser el primer álbum del grupo que lograba una buena posición en las listas Estadounidenses.

Tras un disco de versiones a modo de homenaje a sus artistas favoritos: Through the Looking Glass (1987) en el que interpretan temas de The Doors, Iggy Pop o Bob Dylan; Siouxsie And The Banshees graban uno de los discos mejores y más exitosos de su carrera: PeepShow (1988). El guitarrista Carruthers es sustituido por John Klein y Martin McCarrick se incorpora como teclista. Este álbum marca un cambio radical en el sonido de la banda, ya totalmente redefinidos como pop y cada vez más cercanos a las pistas de baile. El single Peek A Boo sería un éxito en las listas Estadounidenses y les acabaría de consagrar en este mercado.

En 1989, Siouxsie y Budgie trabajan de nuevo bajo el nombre de The Creatures. Esta vez-ci, van registrado su segundo álbum "Boomerang" en Andalucía.

Los banshees vuelven de nuevo en 1991 con el LPSuperstition, el disco más vendido de la banda y el más comercial, unido a un fuerte cambio de imagen en el grupo, asumiendo una estética más asequible y sexy. Kiss Them For Me sería otro single de éxito en las listas de todo el mundo.

En 1991 Siouxsie y Budgie contraen matrimonio y se mudan a Francia.

En 1992 graban un tema para la banda sonora de la película Batman Returns de Tim Burton bajo el título Face To Face y que es uno de los mejores de su carrera. En esas fechas se edita la segunda recopilación de singles de la banda que recoge la etapa de 1982 a 1992 bajo el título: Twice Upon A Time.

En 1994, Siouxsie registró un duo con Morrissey. El single "Interlude" salió bajo el nombre de los dos artistas, la canción es una reanudación de un título de la artista Timi Yuro.

La banda daría un parón artístico hasta el año 1995 en que editaronThe Rapture, un disco de menor impacto y que sería el último trabajo de estudio del grupo. Después Siouxsie y Budgie continuarían con su proyecto The Creatures y Severin se volvería uno de los artistas más experimentales de la música con distintos proyectos. A lo largo de los años se irían editando distintos recopilatorios de éxitos así como álbumes en directo.

Siouxsie and The Banshees se disuelve el año 1996 .

Más adelante editaron discos bajo el nombre de The Creatures, Anima Animus en 1999 y Hai en 2003.

A principios de este año (2007) Siouxsie y Budgie se divorcian y dan por finalizada tanto su relación personal como también artística disolviendo The Creatures.

El primer álbum en solitario de Siouxsie, Mantaray, salió en septiembre de 2007 en la casa de discos Universal. El disco que logra un sonido único fusionando de una manera inteligente a The Banshees y The Creatures agregando un poco de glam y pop recibió una buena recepción crítica.[9] El famoso Pitchforkmedia escribió que el álbum es un éxito'.[10]

Discografía

Siouxsie & The Banshees

1978 - The Scream.
1979 - Join Hands.
1980 - Kaleidoscope.
1981 - Ju ju.
1981 - Once Upon A Time (The Singles). Recopilatorio de sencillos.
1982 - A Kiss In The Dreamhouse.
1983 - Nocturne. En directo. (y en dvd)
1984 - Hyaena.
1986 - Tinderbox.
1987 - Through The Looking Glass. Disco con versiones de canciones ajenas.
1988 - Peepshow.
1991 - Superstition.
1992 - Twice Upon A Time (The Singles). Recopilatorio de sencillos.
1995 - The Rapture.
2002 - The Best Of Siouxsie & the Banshees. Recopilatorio.
2003 - Seven Year Itch. En directo. (y en dvd)
2004 - Downside Up. Recopilatorio de caras B.
2006 - Voices Oh The Air : The Peel Sessions
2009 - At The BBC (3 cds + 1 dvd)

Siouxsie Sioux (album)

2004 - Dreamshow (live dvd)
2007 - Mantaray
2009 - Finale : The Last Mantaray And More Show

The Creatures (Siouxsie & Budgie) (álbumes) [editar]1989 - Boomerang
1997 - A bestiary of (compilation : 'Wild things'E.P 1981, 'Feast' Album-1983, 'Right now' single-1983)
1999 - Anima Animus
2004 - Hai!

colaboraciones de Siouxsie con otros artistas

1994 - Morrissey & Siouxsie : "Interlude" (single)
1995 - Hector Zazou : Chansons Des Mers Froides (una canción : "The Lighthouse")
1999 - Marc Almond : Open All Night (una canción : "Threat of Love")
2003 - Basement Jaxx : Kish Kash (una canción : "Cish Cash")
2008 - Angelo Badalamenti : The Edge Of Love (una canción : "Careless Love")

Referencias

↑ Morrissey & Siouxsie : single "Interlude" wikipedia us página sobre este single de Morrissey y Siouxsie
↑ cd de LCD Soundsystem en 2006 : versionearon el tema "Slowdive" de Siouxsie & the banshees
↑ Massive Attack site. Massive attack versioneó la canción "Metal Postcard" de Siouxsie & the banshees en 1997 para la música de la película "The Jackal"
↑ Jeff buckley site. Lista de canciones recogidas por Jeff Buckley : "Killing Time", (canción de The Creatures aka Siouxsie)
↑ Tricky en el CD "Nearly God" versionean "Tattoo" de Siouxsie & the banshees
↑ Pj Harvey.net fecha : 7th January 2000 - PJ selects her Top 10 Albums of 1999. LP of The Creatures(aka Siouxsie) Pj Harvey seleccionó un disco del The Creatures = el segundo grupo de Siouxsie
↑ M&C people diario : biografía de Shirley Manson, cantante de garbage M&C people
↑ Garbage site. Shirley Manson's Garbage interview, Melody Maker 1997
↑ crónicas de Mantaray en la prensa anglosajona
↑ Pitchforkmedia : Mantaray crónica

El dia que murio la musica

2009-04-01T11:37:00.000-07:00

Eduardo Arias

Buddy Holly tenía pinta de cualquier cosa menos de estrella del rock n’ roll. Alto y flaco, de rostro amable, bondadoso, con esas enormes monturas Ray Ban Wayferer, casi siempre vestido con traje y corbata, a veces con corbatín, parecía un seminarista, un estudiante de física.

En ese empaque tan alejado del estereotipo del roquero duro y sucio de chaqueta de cuero habitaba uno de los talentos más influyentes de la historia de la música popular. Suena a frase hecha, pero Holly fue determinante en la carrera de músicos tan disímiles como Paul McCartney, Elvis Costello y Joe Strummer. Puede decirse que todos los grupos británicos de la primera mitad de los 60 (Beatles, Stones, Kinks, The Who) así como de Estados Unidos (Byrds, Turtles) tuvieron una deuda con los aportes de Holly.

Pues bien, hace 50 años (3 de febrero de 1959) Holly, quien contaba con apenas 22 años, murió en un accidente aéreo. En aquellos remotos tiempos, mucho antes de las mastodónticas giras de Led Zeppelín, los Rolling Stones o U2, mucho antes de que el rock se convirtiera en un negocio de corporaciones trasnacionales, los artistas debían viajar de un lado a otro para cumplir con extenuantes giras. Casi siempre lo hacían por tierra, así fueran estrellas consagradas como ya lo era Holly en febrero de 1959.

Después de presentarse en Clear Lake (Iowa), Buddy Holly alquiló una avioneta para viajar a Moorhead, Minnessota, a unos 600 kilómetros de distancia, pues quería ahorrarse las horas del extenuante viaje en bus entre la nieve y dormir un poco. En la avioneta lo acompañan dos de los músicos de la gira: Richie Valens (nombre original, Ricardo Valenzuela, el de La Bamba) y Big Booper (Jiles Perry Richardson, autor de la muy celebrada canción Chantilly Lace).

La avioneta despegó del cercano aeropuerto de Mason City y pronto quedó atrapada en una tormenta de nieve y se precipitó a tierra a unos 15 kilómetros de la pista, en un helado campo de maíz en Iowa.

La muerte de Buddy Holly supuso un tremendo golpe para el ya entonces agonizante rock n’ roll. Elvis Presley ya estaba en el ejército; varias de las leyendas como Chuck Berry, Little Richard y Bo Diddley enfrascados en interminables demandas y juicios por atentar contra la moral; la radio dedicada a pasar las baladas endulcoradas de Connie Francis y Paul Anka… Para que el rock n’ roll renaciera en Estados Unidos fue necesario esperar cinco años y cuatro días: la llegada de los Beatles a Nueva York en su primera gira.

Charles Hardin Holley, ese era su verdadero nombre, había nacido en Lubbock, una ciudad del oeste de Texas, el 7 de septiembre de 1936 y desde niño estuvo en contacto con la música, ya que sus padres lo estimularon para que aprendiera piano, guitarra y violín. Creció entre la música de los campesinos pero en 1955, cuando vio actuar a Elvis Presley, decidió unir sus raíces country con el nuevo ritmo del rock n roll.

Pero Holly fue mucho más allá. A diferencia de sus contemporáneos, que solían quedarse en los tres acordes básicos del rock n’ roll y del blues, Holly le dio rienda suelta a su habilidad melódica y escribió canciones con armonías más complejas. De hecho, con su grupo los Crickets estableció el formato básico del rock n’ roll y del rock de los años 60: dos guitarras, bajo y batería. Contrariamente a lo que sucedía en los años 50, en que los grupos interpretaban casi siempre temas de otros autores, Holly componía las canciones que interpretaba.

Es es una de las características que adoptarían años después los propios Beatles, nombre que, dicho sea de paso, (juego de palabras entre escarabajos y beat) hace referencia a los Crickets (grillos) de Holly. Y los Hollies (célebre grupo inglés de los 60, donde tocaba Graham Nash, el de Crosby, Stills & Nash) también utilizaron ese nombre como homenaje al hijo más famoso de Lubbock, Texas. Otro de sus aportes fue utilizar en algunas canciones instrumentos ajenos al rock n’ roll, como la celesta, así como incluir orquestas de cuerda y ponerlas a sonar al tiempo con instrumentos amplificados. De alguna manera intuyó, con diez años de anticipación, los experimentos de los Beatles cuando grabaron su álbum Rubber soul.

La lista de grandes canciones de Holly es amplia. Caben destacarse Not fade away (que retomaron los Rolling Stones en 1964), Maybe baby, That’ll be the day y Peggy Sue.

Entre 1955 y 1958 tocó al lado de los ya mencionados Crickets y, a finales de ese año, decidió iniciar una carrera como solista. Esta fue la causa indirecta de su muerte. Al salirse de los Crickets, el productor Norman Petty bloqueó las cuentas bancarias de Holly hasta que no se formalizara el rompimiento definitivo de la banda.

Holly, al igual que los Beatles 10 años después, quería dedicarle más tiempo a trabajar y experimentar en el estudio que a irse de gira. Sin embargo, al no tener liquidez, organizó aquella gira al lado de los ya citados Richie Valens y Big Bopper, así como de Dion and The Belmonts y Frankie Sardo.

Febrero 3, el día en que murió la música. Así se conoce este día, gracias a la canción American pie, de Don McLean, un hermoso homenaje al rock de los 50 y 60 que publicó en 1971, en la que describe con cierta nostalgia y mucha tristeza el desencanto que se vivía en aquel año tras el final de buena parte de los ideales de los años 60, al menos en el plano musical.

En sus dos primeras estrofas, McLean dice (traducción tomada del recomendadísimo libro Esto no es música, del filósofo español José Luis Pardo, Galaxia Gutemberg-Círculo de Lectores): “Aunque hace muchísimo tiempo, aún recuerdo cómo me gustaba aquella música… Sabía que, si me daban la oportunidad, podía conseguir que la gente bailase y que acaso fuera feliz durante un rato. Pero en febrero se me helaba la sonrisa cada vez que repartía un periódico. Las malas noticias se habían colado por debajo de la puerta y estaba paralizado. No recuerdo si lloré cuando leí aquello de la vida recién casada, pero algo se conmovió en mí el día que murió la música”.
Como señala Pardo, la novia viuda es María Elena Santiago, portorriqueña, con quien se había casado Holly dos meses antes del accidente y que esperaba un hijo suyo que no llegó a nacer.

Que American pie, uno de los himnos por excelencia de la historia del pop se base en la muerte de Holly no es gratuito.

La canción, en sus siguientes estrofas, se refiere de manera críptica a Bob Dylan, los Beatles, los Rolling Stones, los Byrds y muchos más, así como a los sueños de paz y amor que se rompieron en pedazos en Viet Nam, el violento 1968 y el concierto de Altamont. Pero siempre vuelve y retoma el lejano recuerdo de aquel día triste y trágico, el día que murió la música.

Tantos rostros carismáticos, tantas vidas llamativas que ha tenido el rock y, sin embargo, McLean sabía que al escoger la muerte de Holly como el punto cero de su desencanto no sólo hablaba del final de un gran artista, sino de también de la inocencia perdida en los 50 y, con ella, los ideales de la siguiente década que, al menos en 1971, parecían condenados a desaparecer para siempre.

Tal vez todo lo anterior desconcierte a quienes conocieron American pie en la versión discotequera de Madonna, la del video lleno de soldaditos y banderitas gringas, la que parecía un frívolo homenaje a las agresiones militares de Bush a Irak, y que desvirtuó por completo el verdadero significado de esta gran canción.

La música, por suerte, no muere nunca. Holly se mató en una avioneta pero entró a la categoría de mito. Su legado sigue ahí. De pronto es un legado indirecto porque hoy no es más que la influencia de alguien que a su vez influyó a otro. Pero en las canciones de Holly, escritas y grabadas hace más de medio siglo, se mantiene intacta esa sensación de frescura e innovación que tanto bien le han hecho a la música popular del último medio siglo.

La Historia de una Generación - Por Albert Batiste

2009-03-31T20:54:00.000-07:00

Artículo aparecido en libro: “AU” de Editorial Fundamentos en 1974.

Este libro es muy difícil de encontrar. Contiene una serie de artículos muy interesantes y sería una lástima que muchos seguidores de Dylan no tuvieran
acceso a ellos.

(Pachi Becerril)

La noticia apareció en los periódicos no hace mucho: Bob Dvlan vuelve a cantar. Después de un largo silencio se decide a emprender de nuevo el contacto con el público. Desde Julio de 1966 en que un accidente de moto le apartó, forzosamente, de las giras, las actuaciones diarias la agitación del mundo del Show business, Dvlan ha aparecido en público sólo en tres ocasiones: en un homenaje colectivo de los cantantes "'folk" a su maestro, Woody Guthrie, en el festival multitudinario de la isla de Wight en el que fue la máxima atracción, y en el concierto del Madison Square Garden de Nueva York organizado por George Harrison y Ravi Shankar a beneficio de Bangla Desh.

Su actividad artística se ha limitado a la producción de discos. Dylan se aisló de su público porque quería quitarse de encima una responsabilidad demasiado pesada, la de ser líder y portavoz de toda una generación.

La rebeldía de la juventud norteamericana (y de buena parte de la mundial) encontró en la música de Dylan su mejor expresión, lo mismo en la época en que era el más original cantante de "folk” como cuando se convirtió en el más explosivo creador de "rock". Su feroz individualismo lo ha llevado siempre la rehuir etiquetas y actitudes “para. siempre". Desde el accidente de moto, se ha esforzado en buscar sus propias raíces, intentando destruir la imagen que de sí mismo había hecho el público. En una entrevista realizada en 1970, expresó claramente su actitud: "que si yo he sido un líder?... Yo no puedo hacer nada, si hay alguien a quien pueda ayudar, le ayudaré. Pero no puedo ser un líder. No soy un profeta. sólo soy un músico. nada más..”

Basta con repasar su historia, sin embargo. para darse cuenta de que ha sido algo más que un músico. Dylan ha representado en sus contradicciones. en sus altibajos, la historia de una generación.

UNA VERSION PERSONAL DEL FOLK

En 1964 compré en una tienda de la calle Pelayo un disco de importación que tenían por casualidad. En la portada aparecía un rostro delgado, de facciones afiladas, mirada incisiva. pelo rizado, aspecto de "enfant enragé" al estilo de James Dean. El disco tenía por título "The times they are a-chagin". En aquella época las noticias que teníamos de Dylan nos lo situaban como uno más en el movimiento de recreación de la canción tradicional que se producía en Estados Unidos. Este movimiento llamado' "folk song" no era una moda musical más. Relacionado con la lucha política por los derechos civiles del negro, y con el pacifismo que empezaba a dirigirse contra la guerra del Vietnam, resucitaba los temas de las canciones de lucha de la época heróica de los sindicatos americanos, y tomaba, desde su nacimiento, un carácter de militancia y de anticanción de consumo.

El veterano Pete-Seeger era el portavoz más característico de este movimiento que la juventud universitaria americana hizo suyo y que, con algún retraso llegó a los jóvenes del resto del mundo. Era entonces, cuando algunos empezábamos a traducir al catalán las canciones más conocidas de este "folk" que llegaba de Estados Unidos. Y fue a través de los discos de Joan Baez y Peter, Paul and Mary como conocimos las primeras canciones del desconocido Dylan, tales como "A hard rain's gonna fall", "Dont trinck twica ¡t's all right" y. la famosa "Blowin' in the wind".

Sin embargo, al oír los primeros compases de un disco del propio Dylan, uno se daba cuenta en seguida que aquello era otra cosa. Su voz, nasal y desagradable no se parecía en nada a la vocalización de cantante de ópera que exhibía Joan Baez. Su tono irónico y agresivo no tenía nada que ver con el tono paternal y comprensivo de un Pete Segeer. Sus canciones no eran viejos temas de folklore, sino canciones del siglo XX.

Las letras no se limitaban a expresar la protesta o el inconformismo, sino que poseían una fuerza poética impresionante y, detrás de los textos, una música a base de los instrumentos tradicionales del "folk", la guitarra y la armónica, utilizadas, sin embargo, de un modo muy personal. El estilo de la armónica de Dylan era especialmente original: tan pronto la soplaba con rabia simulando una sirena, como la hacía sonar dulce y profunda como un órgano.

El estilo musical de Dylan conectaba con la mejor tradición del "blues" y del "folk-blues", que había aprendido directamente de sus creadores, a través de muchos viajes en auto-stop por los estados unidos de los 40 con una guitarra bajo el brazo dando su versión de aquel mundo de huelgas mineras, desigualdades sociales y violencia.

La gran admiración de Dylan por Guthrie impregna toda su patética de la actitud del vagabundo y el marginado que contemplan la injusticia y el absurdo en el mundo, como un espectáculo apocalíptico.

Por otra parte, además de conectar con la mejor tradición, Dylan aportó al "folk" la actitud y la visión de la generación "beat" frente al mundo. Instalado en Nueva York desde 1961, se puso en contacto con toda la generación de poetas, escritores y artistas que, encabezados por Ginsberg y Kerouac, habían provocado, en los 50, una revolución en la literatura americana.

Rechazando el "american Way of life" y el papel de intelectuales, con una fuerte dosis de anarquismo y de nihilismo, herederos del vitalismo de Whitman, interesados por la filosofía oriental, fumadores de marihuana, los poetas "beatnik" ejercieron una gran influencia en la nueva música "pop" americana. Y era en el Greenwich Village neoyorkino por donde Dylan se paseaba en sus primeros años de músico, donde se encubaba este espíritu revolucionario. Y el joven campesino de Minessota pasó de las toscas baladas del Medio Oeste a letras mucho más ambiciosas poéticamente, utilizando métrica libre y la acumulación de imágenes propias de los poetas "beat".

Reuniendo estas influencias y pasándolas a través de su fuerte responsabilidad, Dylan se convirtió enseguida en el más creativo y original cantante de "folk". En los discos de su primera etapa, que contienen canciones de protesta (Blowin'in the wind, Masters of war). proféticas (A hard rain is gonna fall, The times they are a-changin). canciones de amor, tiernas y a la vez irónicas (Girl of the North Country, Boots of Spanish leather) y también temas surrealistas (I shall be free, Motorpschyco Nightmare), Dylan desplegó una visión personal del "folk". En el año 1963, convertido ya en ídolo de la juventud universitaria, Pete Seeger le definía así: "Este chico será el mejor cantante de "folk", si no explota antes."

EL "ROCK" SUBVERSIVO: LA APORTACION DE DYLAN A LA MUSI CA "POP".

En el verano de 1965 apareció en España el primer disco de Dylan: un "single" que contenía Gates of Eden y Like a rolling stone. Mientras que la primera era una canción interpretada con armónica y guitarra al estilo clásico, en la segunda aparecía la nueva faceta del cantante: le acompañaba un grupo de "rock", con guitarras eléctricas Y baterías. En la misma época nos llega la noticia del escándalo provocado por la actuación del nuevo Dylan electrificado en el festival de Newport, reunión anual de los aficionados al "folk". Los fans del Dylan-folk se quedaron petrificados viendo aparecer a su ídolo con una guitarra eléctrica, símbolo de la odiada música "rock" o Cuando empezaba a tocar con el grupo que le acompañaba (en el que había tan buenos músicos como el guitarrista Mike Bloomfield Y el organista Al Kooper) se levantó un murmullo de desaprobación, hasta que el público estalló en protestas Y silbidos. "Vete al Ed Sullivan Show" (una especie de "Gran Ocasión" de la TV americana) gritaban sus fans decepcionados. Los hijos privilegiados de la inteligencia americana, los "puros" que habían aplaudido cuando Dylan cantaba que "los tiempos estaban cambiando" dirigiéndose, principalmente, a sus padres, no querían comprender que eran ellos los que ahora se habían quedado atrás: "habían aprendido demasiado bien el papel de alumnos y esperaban que el profesor les cantase una vez más lo que ya sabían" (cito el libro de Jesús Ordovás). Dylan tuvo que terminar a media actuación: cantó Its all over now, baby blue, todo se ha acabado y marchó, diciendo adiós para siempre al "folk".

El cambio se había gestado tiempo atrás. Dylan habla ido separándose, poco a poco y no sin dudas, de la canción protesta. Su individualismo rechazaba las ortodoxias de los movimientos políticos tradicionales, y se negaba a dejarse encasillar en el papel de líder y a contraer obligaciones de fidelidad. Hay que decir que durante su período de cantante comprometido obró con una consecuencia y valentía inatacable, tanto es así que el año 1963 le fue concedido el premio "Tom Paine" por su trabajo en pro de los derechos civiles.

Pero ya en esta ocasión, en el mensaje de agradecimiento dirigido al Comité que se lo otorgó, se insinuaba su despedida: “...en mi vida paso por muchos estados de ánimo. Hago lo que creo que debo hacer, según donde esté, mi estado de ánimo cambia. Necesito cambiar, por razones que desconozco. Estoy cansado y hambriento. Puede ser que sea un miserable, pero no es agradable oír decir a alguien que no conoces: "eso es lo que él quería decir", sobre alguna cosa que tú has dicho. Porque nadie puede decir qué es lo que yo quiero decir, absolutamente nadie. Muchas veces no lo sé ni yo mismo...” (cita del libro de Jesús Ordovás).

En el año 1964 en el transcurso de una gira por Inglaterra con Joan Baez, se puso en contacto con la nueva música que estaban creando grupos como los Beatles, los Rolling Stones, los Who, etc. Unos meses más tarde se producía la triunfal gira de los Beatles por los Estados Unidos y el grupo británico colocaba 7 de sus canciones entre las 10 mejores del "hit parade". Mientras que los puros del "folk" sonreían escépticamente ante lo que creían una moda pasajera, Dylan se dio cuenta de que aquella música aparentemente intrascendente llevaba el germen de una auténtica revolución.

Y así, a principios del año 1965, se decidió y comenzó a trabajar con una serie de músicos que creaban la nueva música a partir del "blues y del rock'n roll". En efecto, en Nueva York grupos como los "Fugs" o "Velvet Underground", en Los Angeles los "Mother of Invention" y los "Doors" y en San Francisco los "Jefferson Airplane" y los "Mamas and the Papas", etc., estaban trabajando en el sendero que habían abierto los grupos ingleses. Y junto con esta nueva música aparecía una nueva actitud de la juventud y de la izquierda intelectual, basada en la explosión del cerebralismo racionalista y la adopción del vitalismo, propio de las filosofías orientales, la experiencia psicodélica, la utopía como proposición política y el intento de cambiar las formas de vida, de relación y de cultura, a la vez que se creaba una alternativa a la sociedad americana de consumo. Una nueva cultura se estaba desarrollando, ligada estrechamente a la nueva música.

Los discos "Bringing it all back home", "Highway 61 revisited" y "Blonde on blonde” son la aportación de Dylan a la nueva música "pop". Y lo más decisivo de esta aportación es, sin despreciar el interés de la agresiva música "rock", la incorporación de la creación poética de los textos.

Los textos de las canciones pop eran en general simples y poco interesantes de por sí (aunque no exentos de belleza en muchos casos). Dylan les incorporó toda su fecundidad poética y es precisamente en esta etapa cuando se acentúa el carácter surrealista de los mismos, las canciones "rock" de Dylan eran larguísimas acumulaciones de imágenes que en su irrealidad reflejaban una experiencia personal de la realidad.

En Maggie's farm, Tombstone blues o Desolation row, aparece un mundo irreal y absurdo, en el que se mezclan personajes reales e imaginarios, históricos y actuales.

Las canciones de amor como She belongs to me o Sad eyed lady of the lowlands alcanzan un lirismo insuperable. En otras se refiere concretamente a la realidad, como a Like a rolling stone, en la que pinta una señorita de la clase alta o Ballad for a thin man, sátira sobre el americano medio comparable a L'home del carrer de nuestro Pi de la Serra. O bien relata el mundo de los sueños en canciones como Mister Tambourine man.

En verano de 1966 Europa tiene ocasión de conocer en vivo al nuevo Dylan. Sus actuaciones en Londres y en París son una experiencia inolvidable para los que pudieron asistir. Junto con sus músicos producía un espectáculo total, un circo en el que la agresividad de la música, las imágenes surrealistas de los textos y la actitud escénica de Dylan, convertido en un "Clown" representaban la tragicomedia del mundo del siglo XX. En esta época llegó al cénit de su popularidad, y, convertido en millonario vivía una existencia agotadora y autonihilizante, en la que al igual que los dadaistas franceses de principios de siglo, intentaba poner en práctica en su vida los postulados de su arte, provocando constantemente situaciones de absurdo, contestando agresivamente a los entrevistadores, malgastando el dinero y transformando los actos de su vida en representaciones teatrales en las que procuraba contrariar y subvertir todos los valores. La vida de Dylan se aceleraba en una espiral sin fin, que parecía iba a acabar con él, mientras que su popularidad crecía y sus discos se vendían por todo el mundo, y nosotros teníamos que continuar viajando a Perpignan para poderlos comprar.

EN BUSCA DE LAS RAICES: EL "COUNTRY".

El 30 de Julio de 1966 las emisoras de radio norteamericanas interrumpían sus programas para anunciar que Bob Dylan había sufrido un accidente de moto y se encontraba en un hospital en estado de coma. Para sus fans esto representó el cataclismo final, el drama de un nuevo James Dean. En Inglaterra empezaban a prepararse para la venta de sus "posters" con la leyenda: "In memorian".

Después de un breve período de amnesia y de parálisis y de una larga convalecencia resurgió. Pero Dylan recién nacido no era el mismo. El período loco había terminado y su vida, su música entraba en una nueva etapa caracterizada por la búsqueda da un equilibrio físico y mental.

Reflexionando sobre su actitud decidió que no podía ir más lejos por el camino de la subversión total de los valores. Y empezó a buscar un punto de partida para empezar a construir. En su casa de Woodstock, rodeado de su familia y de los músicos del grupo "the band" investigaba las raíces de la música americana. De este modo, el año en que triunfaba en todo el mundo el "rock", lo psicodélico, y la nueva música, el año del Sargent Peppers de los Beatles y del festival de Monterrey. el precursor de la nueva música avanzaba por caminos totalmente distintos y, a veces, opuestos.

La música "country" o "country and western" relacionado con la colonización del "oeste", se había desarrollado sobre todo en el Sur, y su representante máximo era Johnny Cash, un hombre de derechas, una especie de John Wayne de la música que apoyó activamente a Nixon en su campaña electoral contra Mc Carthy. Sobre este ambiguo punto de partida empezaron a crear Dylan y sus músicos.

El primer resultado fue el disco John Wesley Harding, que por fin apareció en España al mismo tiempo que en el resto del mundo. Este disco representaba una transición y en él Dylan explicaba sus dudas personales mediante una evocación del mundo de la época de la colocación; apareciendo así la figura de John Wesley Harding, un bandolero generoso que robaba a los ricos para darlo a los pobres. Alegorías bíblicas y personajes legendarios se nos presentaba de la mano de una música extremadamente sencilla y relajada, a base de guitarra acústica, bajo y batería, una de las más bellas y conseguidas de Dylan.

El propio disco, aparecido en 1968 estaba ya claramente dentro de esta etapa. El Dylan que aparecía en la portada saludándonos sonriente, era una auténtica declaración de principios, era una sonrisa son ironía, amable.

Su voz había cambiado, y, dejando la agresividad nasal resultaba cálida y nos llegaba grabada en registro grave.

La música era "country" a base de guitarras acústicas y "Slide-guitars", piano, bajo de batería. Los textos, temas de amor en los que explicaba la armonía de su vida privada. Abría el disco la antigua Girl of the North country, en una nueva versión en la que aparecía, la lado de su voz, la de Johnny Cash que lo visitó en los estudios mientras lo estaba grabando. Dylan había conseguido un disco de una belleza formal abriendo la puerta a un nuevo estilo, el llamado "Estilo nashville" que siguieron después de él muchos otros músicos, buscando como él el equilibrio y la paz. o buscando los "royalties" ya que el estilo "acústico" se convirtió en los 70 en la nueva música de consumo.

El nuevo disco desencadenó críticas y desencantos entre muchos de sus partidarios. En la universidad libre de Nueva York se creó la cátedra de dylanología. y el profesor A.J. Webermann reclamaba de Dylan la fidelidad a su público y la vuelta al compromiso. Según él. las canciones habían dejado de pertenecer personalmente y eran propiedad de toda una generación. Dylan, sin embargo, continuaba reivindicando su derecho a seguir el camino que le pareciera. El álbum siguiente "Self Portrait" era una nueva afirmación personal. En él aparecía, a modo de autobiografía. una recopilación de canciones muy diversas qua recorrían todas sus épocas y estilos. Al lado de canciones de protesta cantaba standards americanos como Blue moon y utilizaba orquestas de cuerda y coros. Se quería definir como músico y sólo como músico. Y realmente conseguía convencernos de que sabía cantar el Blue moon mejor que Frenk Sinatra, pero no conseguía convencernos de que sólo pretendiera eso. Detrás de la aparente sencillez, había una actitud compleja y elaborada. Bajo la capa de frialdad y aislamiento, Dylan dudaba, sondeaba, pero sus vacilaciones no impedían que nos hiciera disfrutar escuchando sus nuevas canciones y que nos comunicara y nos hiciera vibrar con la felicidad y belleza que expresaban canciones como Lay Lady Lay. En 1970 abandonó la vida campestre y se instaló de nuevo en Nueva York, editando a continuación un nuevo disco que volvía a la fuerza del rock de sus mejores tiempos.

El álbum "New Morning" era una obra maestra llena de poesía, vitalidad y nuevo interés por las cosas. Dylan continuaba sorprendiendo, continuaba cambiando. En 1971, cuando todo el mundo creía que había abandonado para siempre la canción de denuncia social, publicó el single George Jackon, en el que se refería al asesinato del joven militante negro, amigo de Angela Davis, perpetrado por los guardias de la cárcel simulando una huída. En el mismo año aparecía en el festival pro Bangla Desh cantando canciones de la primera época, entre ellas Blowin´in the wind. Y en el 74, después de un largo silencio discográfico se reúne de nuevo con "the band" y reemprende las actuaciones realizando una gíra por los Estados Unidos y anunciando otra por Europa.

¿Estamos ante una nueva etapa? ¿Es la soledad y el aislamiento lo que le ha llevado de nuevo a las actuaciones? ¿Le queda alguna cosa por decirnos el viejo profeta? Haga lo que haga a partir de ahora nos queda su obra anterior editada ahora en España casi en su totalidad, como una aportación importantísima a la música y la cultura del siglo XX. Dylan ha sido el músico más representativo de una generación, lo quiera o no aceptar. Si en alguna etapas se ha alejado de su público, éste no ha perdido nunca la confianza en él. La generación de sus seguidores ya no es tan joven. La gran ola revolucionaria de los 60 ha pasado. ¿Nos acompañará en el nuevo salto hacia adelante? ¿Tendrá algo que decir a la generación de los más jóvenes? En cualquier caso, somos muchos los que todavía creemos en él, los que todavía le necesitamos.

ALBERT BATISTE

Artículo extraído de ORIFLAMA, n.º 138.- Feb. 74.
Por la traducción del catalán M. Cruz de Prado y Domingo Jaumandreu.

El movimiento Hippie

2009-03-31T20:18:00.000-07:00

http://es.wikipedia.org/wiki/Hippie

Se llama Hippie a un movimiento contracultural nacido en los años 1960 en Estados Unidos, así como también a los seguidores de dicho movimiento. La palabra hippie deriva del inglés hipster que solía usarse para describir a la subcultura previa de los beatniks (no confundir con Generación Beat), que también tuvo como base importante a la ciudad estadounidense de San Francisco (California) y su distrito Haight-Ashbury. Esta nueva subcultura heredó algunos valores contraculturales de la Generación Beat y en menor grado del naturismo alemán, y en determinados casos crearon sus propias comunidades intencionales.

Escuchaban rock psicodélico y folk contestatario, abrazaban la revolución sexual y creían en el amor libre. Algunos participaron en activismo radical y en el uso de drogas como la marihuana, el LSD y otros alucinógenos con la intención de alcanzar estados alterados de conciencia, en realidad una forma de autorebelarse por la homogeneidad de conceptos que ofrece el Sistema. También buscaron formas de experiencia poco usuales, como la meditación. Debido a su rechazo al consumismo solían optar por la simplicidad voluntaria, ya sea por motivaciones hedonistas, espirituales-religiosas, artísticas, políticas, o ecologistas.

A finales de los años sesenta en EE.UU. los hippies constituyeron una corriente juvenil masificada, para después quedar pasada de moda (anticuada), pero las siguientes generaciones llamados neo-hippies mantendrían vivo al movimiento como una subcultura establecida en muchas formas y con nuevas generaciones hasta hoy. Así pues han emergido fenómenos como la Rainbow Family, la escena psytrance y goa trance o los deadheads y phishheads. En tanto pequeños enclaves de hippies originales y neo-hippies continúan desarrollando en parte este estilo de vida, aunque con algunas modificaciones, bien en la ciudad o en el campo.

Política y sociedad alternativa

En su origen, es un símbolo "pro-desarme nuclear"Podríamos considerar algunos valores y consignas del movimiento en general, aunque existen hippies que enfatizan más sobre un estilo de vida bohemio; otros grupos con una tendencia marcada por la espiritualidad alternativa (new age, chamanismo); y finalmente otras comunidades que están envueltas en activismo radical (yippies), ecologismo, o varias de estas cosas al mismo tiempo.

En general se podría mencionar la tendencia de adoptar un modo de vida comunitario, basado en el amor, la paz. Renegaban del nacionalismo y de la regulación estatal así como de la mercantilización y burocratización de la vida cotidiana, como también del consumismo y del capitalismo. Esto se lo solía hacer mediante la participación en activismo radical y/o mediante la práctica de la simplicidad voluntaria. Existe cierta tendencia a revalorizar y valorizar modos espirituales no occidentales o no judeo-cristianos. Se suele estar en desacuerdo con los valores tradicionales de la clase media y de la burguesía así como los de la burocracia. Se considera el paternalismo gubernamental, el militarismo, las empresas multinacionales, y los valores sociales tradicionales como parte de un Sistema que, a sus ojos, guarda poca legitimidad o es esencialmente opresivo.[1]

Los hippies suelen buscar lugares de autonomía con respecto de las costumbres hegemónicas de la sociedad.[2] Por sí mismo el movimiento no tiene un carácter ideológico/político específicamente definido o una organización homogénea o estable, aunque generalmente se tiende a ideas y modo de vida con tendencia claramente inclinada a una perspectiva de socialismo libertario[3] y ecologismo. De todas formas gran parte de los hippies fueron relativamente apolíticos o sino políticamente sincréticos. Estas perspectivas, debido al rechazo del consumismo y de la mercantilización de la sociedad capitalista contemporánea ponían de manifiesto su visión usualmente ecologista, y fundamentaban la importancia hacia el respeto a la libre expresión de la subjetividad y la creatividad, claras tendencias hacia experiencias autogestionadas, dejando bien claro el rechazo hacia el burocratismo y la propuesta más desarrollada, que era la creación de comunidades intencionales y otros modos de relaciones humanas o lo que se llegó a denominar una sociedad alternativa.

En esta perspectiva se tendió a revalorizar culturas locales no hegemónicas asociables con modos de vida no industriales o preindustriales debido a su modo de vida más ecosustentable, menos consumista, más comunitario, más descentralizado donde el contacto humano es más constante y posible. Así pues, a fines de los sesenta en EE.UU. los hippies decidieron investigar y revalorizar los legados y formas culturales de los indígenas norteamericanos. En la expansión posterior del movimiento así mismo se tendió a revalorizar las culturas ancestrales e inclusive abiertamente se abrazaba el indigenismo. En Europa se tendió hacia variantes de reconstruccionismo pagano en el cual se quería entender y actualizar tradiciones religiosas y de cosmovisión previas al dominio del cristianismo asociados con una cultura campesina prefeudal.

Sexo, amor y amor libre

La perspectiva del amor libre significa no necesitar de la aprobación de otros, del estado o de la iglesia y evitar la prohibición de éstos; de todo encuentro físico-sexual o romántico amoroso entre adultos en consenso mutuo. A veces se le asignó al sexo una importancia espiritual y de realización importante dentro la vida personal.[4] Prácticas como la unión libre, la promiscuidad, el poliamor, la homosexualidad, la bisexualidad y las relaciones interraciales son aceptables tanto como el celibato y la monogamia.

Estados alterados de conciencia, drogas, meditación y recreación

Otro aspecto usualmente asociado a los hippies es la búsqueda de Estados alterados de conciencia. Aquí hubo muchas influencias puntuales y motivaciones. Se puede seguir una búsqueda espiritual o inclusive religiosa en el adentrarse a la experiencia psicodélica, así como la de lograr un estado de conciencia superior al que las formas y modos sociales contemporáneos tienden. Esta posición última fue la desarrollada por Aldous Huxley y continuada por iconos como Timothy Leary y Ken Kesey. El uso de sustancias psicodélicas es algo que diversas culturas pre-capitalistas practicaron y practican dentro de una perspectiva del chamanismo. Otras formas de lograr estos estados a los que otros hippies o los mismos que también han usado sustancias psicodélicas son las de la meditación con practicas como el yoga o practicas más recientes del new age con perspectivas ecologistas.

El uso de drogas puede ser así también algo recreativo y de interrelación social. Existe de todas formas una tendencia a criticar drogas duras como el alcohol, la cocaína, las anfetaminas y la heroína. Esto debido a que en ciertas oportunidades el alcohol puede ser causa motivadora de violencia. Así también drogas como la cocaína o la heroína suelen tener fuertes tendencias adictivas muy superiores a las de las sustancias psicodélicas (LSD) o la marihuana. Así también sustancias como la cocaína, las anfetaminas y la heroína tienden a ser asociables con la violencia del mundo del trafico de drogas y el negocio capitalista global del narcotráfico. El debate y las practicas dentro de los hippies es complejo y diverso. Generaciones posteriores de hippies han tendido en algunos casos a profundizar estas criticas a algunas drogas o a las situaciones de violencia y adicción ligadas a su consumo.[5]

Viajes y nomadismo

Otro rasgo asociable a los hippies es el gusto por viajar. Esto es uno de los puntos bastante asociables a la influencia de la Generación Beat, de donde la obra de Jack Kerouac On the Road (En el Camino) de 1957, representa toda una invitación literaria hacia el autodescubrimiento mediante el viaje y la aventura. Así pues es común empacar un equipaje liviano y marcharse hacia algún festival o concierto alternativo, una demostración política o en si cualquier otro lado solo para experimentar cosas nuevas y conocer a nueva gente. Es muy común el hacerlo a través de hacer dedo o como se le dice en otros lugares jalar dedo, pedir aventón, etc. En algunos casos la preocupación monetaria era nula o en todo caso menor que la del viajero habitual. Los hippies en esta forma anticiparon la tendencia posterior de los mochileros, despreocupándose del alojamiento al utilizar tiendas de campaña o bien yendo a casa de algún conocido o a un centro social, etc.[6]

Se dio ya en los sesenta la aparición de los crash pads o lugares en donde se suele recibir viajeros gustosamente en algunos casos gratis o con mínimas contribuciones más bajas que los hoteles. El valor importante aquí era el de reciprocidad en tanto alguna gente aprecia la compañía y la novedad de visitantes lejanos y los viajeros consiguen alojamiento transitorio. Estas formas continuaron siendo practicadas posteriormente por algunos grupos y en algunos casos trascendieron a los hippies. Otra forma conocida era los autos modificados para viajar largas distancias llevando algunas cosas para la vida cotidiana. Esto llego a ser casi el signo de identidad de los New Age Travellers del Reino Unido en los ochenta para adelante.

Estilo, comportamiento, controversia y rechazo

El ícono del hippie suele ser un hombre con el pelo y barba notablemente más largos que lo considerado «elegante» en la época. Ambos sexos tendían a dejarse el cabello largo y algunos hippies caucásicos lo llevaban al estilo afro, imitando a los afroamericanos.

Entre las mujeres apareció la tendencia de no llevar sujetadores y de no afeitarse axilas o piernas. Esto tendría influencia en el feminismo de décadas posteriores pero todavía fueron más trascendentes otros valores como el del amor libre, el cual argumentaba a favor del derecho al placer, evitando las restricciones de la familia nuclear y el Estado.

Mucha gente no asociada a la contracultura consideraba estos largos cabellos una ofensa, o «anti-higiénicos», o consideraban aquéllo «cosa de mujer». El entonces gobernador de California, Ronald Reagan, definió al hippie como «un tipo con el pelo como Tarzán, que camina como Jane y que huele como Chita».

A veces esto se hacía en abierta rebeldía contra las construcciones de género de la sociedad basada en una estricta división de roles y comportamientos para los sexos. También los hippies abrieron vía para la tolerancia y el respeto a la homosexualidad y las relaciones interraciales.

Para ambos sexos, tanto el cabello largo como su forma de vestir funcionaban como señal de pertenencia a esta contracultura y muestra de su actitud iconoclasta.

Es una acción típica de los hippies el llegar a un lugar y sorprender positiva o negativamente a aquéllos con estilos y formas más convencionales ya sea individualmente o en grupo. Estas situaciones eran y son usualmente disfrutadas por los hippies y a veces hasta pueden alcanzar niveles teatrales, festivos o de happening en algunos casos acompañadas de música en vivo. A veces esto es planeado y otras veces no y suelen estar sazonadas por la usual actitud alegre y relajada típica hippie que espera que se contagie al resto.

Influencia posterior de estos valores

La filosofía hippie tuvo un importante impacto en la cultura influenciando la música, el cine, la literatura y el arte. Así mismo algunos valores hippies como la tolerancia y celebración de la diversidad cultural y étnica han logrado amplia aceptación incluso por la sociedad mayoritaria. También sus valores de libertad sexual (amor libre) y su búsqueda de formas de espiritualidad alternativa han logrado expansión y aceptación.

Por otro lado los hippies anticiparon el movimiento New Age o Nueva Era así como múltiples movimientos reconstruccionistas y conservacionistas de culturas locales amenazadas por la globalización homogénea de la sociedad occidental, y en alguna forma, también, al movimiento ecologista. La idea que manejaron en torno a la sociedad era la de la construcción de una Sociedad alternativa, idea que tuvo importante influencia en subculturas y movimientos políticos de socialismo libertario y ecosocialismo posterior.

Relaciones con otras subculturas juveniles

Actitudes básicas como las de celebración de la diversidad, no agresividad, una tendencia hacia la alegría inocente, el hedonismo y el uso recreativo, espiritual o medicinal de drogas han recibido el rechazo e inclusive la violencia de personas conservadoras o subculturas con valores opuestos. Se destaca entre esto el acoso policial.

El conflicto ya apareció en los sesenta en sectores de la Escena freak que aunque muy cercana en valores e inclusive en el uso de la palabra freak a los hippies, por otro lado se comenzarían a expresar sentimientos posteriores de rechazo de otras subculturas. En los sesenta también esto se dio con los mods y los rockers. Algunos en estas subculturas británicas en cambio se acercaron a los comportamientos hippies.

Los insultos y la violencia de subculturas juveniles especialmente el punk o el skinhead han tomado especial importancia. Desde los Sex Pistols ha existido una cultura de rechazo y burla a los hippies en el punk que a veces se ha expresado en violencia y en canciones como la de la banda NOFX "Always hate hippies".[7] En el caso de la subcultura skinhead este rechazo y más pronunciada violencia que en el caso punk se expresó ya a fines de los sesenta en Inglaterra donde nació la subcultura skinhead y paralelamente ya se había implantado el movimiento hippie. Esto se ha profundizado con la aparición a fines de los setenta de una tendencia abiertamente fascista dentro de la subcultura skinhead.

Dentro de otras subculturas existe actitudes menos violentas pero igualmente de posible rechazo y burla. Así pues subculturas como la gótica, dark (spooky kids en Estados Unidos), emo, entre otras, pueden expresar un rechazo hacia los hippies dado a que tienen una visión de mundo basadas en el nihilismo y la melancolía, cosas casi diametralmente opuestas a la alegría optimista de los hippies.

Por otro lado las expresiones contraculturales autogestionarias de los hippies claramente anticiparon las del punk. Así también ha existido encuentros más favorables entre neohippies y punk y así dentro del punk aparecieron tendencias como el anarco-punk y ciertos crust punks marcados claramente por la política ecologista de anticapitalismo libertario y anticonsumismo.

Influencias e interrelaciones más cordiales se dieron entre el legado hippie y los neohippies con la subcultura rave. Así pues apareció un contingente de neohippies que abrazaron el psytrance en los noventa y 2000. El psytrance es música psicodélica a veces con tendencias de neochamanismo y de neo-tribalismo y de expansión de la conciencia. Por otro lado la expansión de la música reggae y del movimiento rastafari fuera de Jamaica hizo que muchos neohippies decidieran hacerce Rastas, escuchar reggae y dub o que rastas no jamaiquinos también hayan sido influenciados por un legado hippie.

Otras características asociadas al movimiento

Ropas de colores brillantes (de estética psicodélica) o, en su defecto desteñidas: camisas floreadas o muy coloridas, largas faldas, pantalones de campana (botamanga ancha),etc. Se inspiraron también en estilos de vestir no occidentales, como las ropas nativas americanas (cherokee), de la India o africanas, y adoptaron símbolos como la flor o motivos de los indios americanos. Muchos de los hippies se confeccionaban su propia ropa, en protesta ante la «cultura consumista».
Les agradaba tocar y componer música en las casas de amigos o en fiestas al aire libre como en el Human Be-In en la ciudad de San Francisco (California), celebrado el 7 de enero de 1967. Asistían a festivales como el Festival Pop de Monterrey en junio de 1967 y el Festival de Woodstock en agosto de 1969. Actualmente, existe el llamado Burning Man Festival.
Amor libre, ejemplificado en su rechazo a la institución del matrimonio y el desarrollo una conducta sexual libre de las regulaciones provenientes de la Iglesia cristiana o el Estado, vistas como intromisiones en la vida personal y obstáculo en la libertad individual. Generalmente, son tolerantes con la homosexualidad y la bisexualidad así como de las relaciones interraciales. También son conocidos por apreciar el placer y por asociar el sexo a valores beneficiosos para las personas.
Vida en comunas, aunque ya no tan habitual, en libre asociación comunitaria.
Gusto por la creación de situaciones y la creación de Zona temporalmente autónoma.
Uso de incienso, tomado esto del budismo zen que promovieron escritores de la generación beat como Jack Kerouac y Aldous Huxley; además de una recuperación de los valores naturales de las plantas.
En la mayoría de ellos el uso de drogas como marihuana, hachís, y alucinógenos como el LSD y la psilocibina (extraída de un hongo), son algo habitual ya sea para diversión o para lograr una «expansión de la mente y la conciencia» mediante la «experiencia psicodélica»; algo predicado por Aldous Huxley, Allen Ginsberg y principalmente Timothy Leary a principios de los 60. Posteriormente esto se asoció con perspectivas cercanas al chamanismo y a espiritualidad alternativa. Los hippies también a veces suelen consumir drogas duras como alcohol, cocaína, etc.; aunque usualmente se prefiere las drogas psicodélicas e inclusive a veces se critica la tendencia del alcohol a provocar la violencia así como las consecuencias adictivas de drogas como la cocaína y la heroína.[5]
Gusto por escuchar, interpretar y componer rock psicodélico, rock progresivo, música folclórica local, folk-rock, acid folk y más recientemente Música New Age, psytrance o psybient. De todas formas suelen escuchar más géneros de música que en algunos casos comparten valores y estéticas similares al hippismo o la psicodelia como la música New Age o el reggae o inclusive otros con visiones y perspectivas más lejanos aunque las tendencias principales de gustos musicales son éstas.

Orígenes de la palabra hippie

La palabra inglesa hippie deriva de otra palabra en inglés, hip, que quiere decir «popular, de moda». De ese término se deriva la palabra inglesa hipster (un «hipista»), que indica a los que pretenden ser hip, los bohemios. En los EE.UU. antes de los años 1960, los bohemios y los hipsters por lo general se envolvían con la cultura negra (por ejemplo: Harry "The Hipster" Gibson y también uno de los más revolucionarios, el famoso Miguel W. Larrea) y el jazz. El 6 de septiembre de 1965, en el periódico de San Francisco llamado The San Francisco Examiner, el periodista Michael Fallon utilizó la palabra hippie por primera vez para referirse a los nuevos beatniks y a los jóvenes de modas bohemias (al contrario de los viejos bohemios o Generación Beat). Pero la gran prensa aún tardó casi dos años en utilizar la nueva palabra.

Orígenes y popularización del movimiento

El comienzo

Usualmente se establece el precedente clave para la emergencia del movimiento hippie y este es el de la Generación Beat. Una figura clave de unión entre estos dos movimientos es Allen Ginsberg el cual es asociado con los beats como poeta y a fines de los sesenta cambiaría de atuendo para así también ser asociado bastante con el movimiento hippie. De todas formas habría que diferenciar la actitud diferente entre los beats y los hippies. Mientras los primeros tendían hacia el cinismo, gustaban de la filosofía existencialista y vestían usualmente todo de negro o marrón, los hippies tenían una actitud más positiva y vestían de ropas multicolores. La influencia clave del los beats con los hippies fue el estilo de vida bohemio y una actitud antiautoritaria. Por otro lado San Francisco, que ya era una ciudad importante para la Generación Beat, se convirtió en "La Meca" del movimiento hippie.

Durante el comienzo de los 1960s el novelista Ken Kesey y los Merry Pranksters vivían comunalmente en La Honda, California. Los miembros de este colectivo incluían el héroe de la Generación Beat Neal Cassady, Ken Babbs, Mountain Girl, Wavy Gravy, Paul Krassner, Stewart Brand, Del Close, Paul Foster, George Walker, Sandy Lehmann-Haupt y otros. Sus acciones y travesuras fueron documentadas en el libro de Tom Wolfe The Electric Kool-Aid Acid Test. En un bus escolar llamado "Furthur" (una deformación intencional de la palabra inglesa para más allá), los Merry Pranksters viajaron a través de los Estados Unidos para celebrar la publicación del libro de Kesey y para visitar la Feria Mundial de 1964 en la ciudad de Nueva York. Los Pranksters eran conocidos por usar marihuana, anfetaminas, y LSD, y durante sus viajes introdujeron a mucha gente a estas drogas y a su estilo de vida. Los Merry Pranksters filmaron y grabaron en audio sus viajes en bus, creando una experiencia multimedia que después se presentaría al público en la forma de festivales y conciertos realmente novedosos.[8]

Otra influencia clave fue el movimiento de música folk estadounidense el cual tenia base fuerte en el noroeste de EE.UU. y en Berkeley en California. Chandler A. Laughlin III era fundador de un bar de conciertos de música folk. En el verano de 1965, Laughlin reclutó a gran parte del talento que llevó hacia la amalgama única de música folk tradicional y la escena de rock psicodélico. El y otros crearon lo que se comenzó a conocer como "The Red Dog Experience", en la cual estaban bandas como Big Brother and the Holding Company, Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, The Charlatans, The Grateful Dead y otros que tocaron en el Red Dog Saloon de Virginia City, en Nevada. .[9] Laughlin y George Hunter ya vestían en la forma posterior típica de los hippies con el pelo largo y ropa con influencias indígenas estadounidenses.

En los conciertos que tocaban estas bandas se comenzó a crear el show de luces psicodélicas[10] y masivas fiestas en donde se bailaba en forma libre. Algunos de los primeros hippies fueron estudiantes del San Francisco State College intrigados con el movimiento en gestación.[11] Muchos de estos se unieron con las bandas de su preferencia y comenzaron a vivir el el legendario barrio de San Francisco de Haight-Ashbury. Así mismo jóvenes de otras partes de EE.UU. comenzaron a mudarse a San Francisco a Haight-Ashbury. Las acciones de teatro callejero y happenings comenzaron a darse en este contexto. A fines de 1966, los Diggers abrieron tiendas donde se regalaban cosas como comida, drogas, dinero, se organizaban conciertos gratuitos y se realizaba arte político. Casi en respuesta a todo esto se declaró ilegal al LSD en el estado de California en octubre de 1966.

El año de 1967 usualmente es conocido como el verano del amor. En enero se organizó el Human-Be In en el cual se dieron actividades diversas como una feria de productos contraculturales, discursos de personalidades como Timothy Leary, Ram Das, así como la poesía beat de Allen Ginsberg y Gary Snyder y un concierto de Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y The Grateful Dead. Se estima que asistieron alrededor de 20,000 personas de todo el país. En el verano se dio el famoso Festival de Monterey Pop en el cual tocaron las bandas psicodélicas de San Francisco así como bandas británicas como The Who y The Animals como además se dio el hecho importante allí del lanzamiento a la fama en EE.UU. de Jimi Hendrix. Estos hechos le dieron notoriedad nacional al fenómeno hippie y así mismo fue recibido con escándalo y rechazo las formas y propuestas de vida de los hippies por parte de sectores conservadores de EE.UU. Lo que más escandalizaba era el uso de drogas de los hippies y la moral y practicas sexuales libertarias hedonistas.

Popularización, reacción social, y política

La atención masiva de los medios de comunicación estadounidenses al movimiento hippie causo molestias inclusive dentro de los mismos hippies. En un parque de San Francisco al final del verano del amor los Diggers decidieron organizar un evento teatral-político llamado "La muerte del hippie" en el cual se enterró simbólicamente a un hippie en un ataúd. Denunciaron allí al fenómeno de atención nacional como mucho una creación de los medios de comunicación.[12] En alguna forma se quería también denunciar como esto había causado la llegada de muchas personas a San Francisco con perspectivas limitadas a la fiesta y las drogas y poco alineadas con los valores más profundos en gestación como la no violencia y la creación de una sociedad alternativa. En algunos casos se dio la llegada de personas adictas a drogas duras como la heroína y con comportamientos violentos asociados al consumo de estas. En si se quería denunciar la mercantilización de la moda hippie y su recuperación por el capitalismo de consumo que ya comenzaba a dar indicios de querer presentar una moda hippie para el consumo masivo. De todas formas el fenómeno y las formas de vida estereotipadas por medio de los medios de comunicación adquirieron una notoriedad nacional.

Los sectores conservadores de la sociedad estadounidense también se encontraban reaccionando contra el movimiento de Derechos Civiles que en ese entonces peleaba por la desegregación racial de EE.UU. En este contexto sectores de afro-estadounidenses dentro del movimiento de derechos civiles se radicalizaban y así aparecieron las Panteras Negras en la ciudad vecina de San Francisco, la ciudad de Oakland. Aunque el ímpetu de los hippies y los cercanos a ellos poseía un claro sentido político, este comenzó a provocar una convergencia de muchos hippies con los movimientos sociales reivindicativos de la época.[13]

La causa que llevo a muchos hippies a entrar en la protesta social fue la Guerra de Vietnam. En algunos casos se dieron alineaciones con una perspectiva política más amplia e inclusive el llevar a las propuestas utópicas a la práctica vivencial radical como fue la aparición de comunidades intencionales hippies. Este movimiento tuvo como pionero al proyecto llamado Drop City el cual comenzó como un intento artístico creativo pero que atrajo la atención y el voluntariado de muchas personas. Esto se dio en Colorado en donde posteriormente se establecerían otras comunidades intencionales hippies.

Así mismo desde 1964 comenzó a darse un importante movimiento de prensa alternativa contracultural. Los Diggers constituían un ala de los hippies altamente politizada con posiciones políticas de izquierda libertaria. Posteriormente se daría la aparición de los yippies los cuales deseaban profundizar y expandir las propuestas y acciones anticapitalistas de los diggers así como sus formas de acción directa basadas en el happening y en el humor subversivo. Estos adquirieron su mayor nivel de notoriedad nacional en la convención nacional del Partido Demócrata de 1968 en donde decidieron "presentar" como "candidato presidencial" a un cerdo al que llamaron Lyndon Pigasus Pig. Los hippies politizados se comenzaban a alinear con el movimiento de derechos civiles y el movimiento contra la guerra de Vietnam<.[13]

En agosto de 1969 se dio el famoso Festival de Woodstock con la asistencia de alrededor de 500,000 personas de todo el país. Entre los artistas que se presentaron allí están Richie Havens, Joan Baez, Janis Joplin, Sly & The Family Stone, The Grateful Dead, Creedence Clearwater Revival, Crosby, Stills, Nash & Young, Santana, The Who, Jefferson Airplane, y Jimi Hendrix. Se organizaron servicios médicos y de seguridad principalmente por el colectivo Hog Farm. Estos se habían aliado en la convención del partido Democrata de 1968 con los yippies y ya se encontraban viviendo comunalmente. La comuna de Hog Farm se encuentra hasta hoy en existencia en California.

Tal vez ese momento fue la cúspide del movimiento. La reacción mediática y conservadora posteriormente quiso desprestigiar al movimiento entero asociándolo a dos hechos sobre los cuales se desplegó una fuerte acción. Por un lado estuvo el asesinato de un joven afro-americano por parte de un miembro de la pandilla de motocicletas Hell´s Angels en el concierto de Altamont en California de 1969. Por otro lado se intento asociar a los asesinatos de Charles Manson de 1970 con los hippies y el movimiento contracultural. Para muchos Manson parecía un hippie típico debido a su pelo largo y a sus prácticas sexuales promiscuas. De todas formas tenia un récord policial con varios crímenes de robo y agresión física armada contra otros e inclusive salio de la cárcel en 1967 justo para el Verano del Amor. Las practicas de Manson estaban diametralmente opuestas con los valores hippies de pacifismo y empatía pero muchos decidieron asociarlo con ellos de todas formas.

Declinación de la moda hippie en EE.UU.

El escándalo mediático sobre los hechos de Altamont y el caso Manson desprestigiaron a los hippies en los ojos de algunos que inclusive en un inicio simpatizaron con ellos. Por otro lado partes del atuendo típico de los hippies como el pelo largo o los pantalones de campana ya se convirtieron en moda seguida por muchos jóvenes en EE.UU. que igual podían no compartir los ideales hippies o solo querían seguir cierta estética.

Por otro lado el movimiento de comunidades intencionales tenia diversas circunstancias individuales. En gran parte no sobrevivió el comienzo de la década de los setenta pero se dan casos como el de la Hog Farm todavía continua existiendo hasta hoy. El movimiento en EE.UU. desde los setenta en adelante regresaría en donde comenzó; al underground.

Expansión a otros países y nuevas manifestaciones del movimiento

Aunque este movimiento fue de origen estadounidense, se expandió dentro de la globalización general de la subcultura juvenil rebelde de los sesenta. En EE.UU. la subcultura se expandió sobre todo a partir de 1966-67 desde su origen californiano hacia el este del país, y después llegaría a Europa, América Latina, y Oceanía. El año 1967 así fue conocido como el verano del amor y después se alcanzaría un punto cúspide en el festival de Woodstock de 1969 en la costa este de EE.UU. Cuando se declaraba el fin de los hippies en EE.UU. a comienzos de la decada de los setenta, en algunas partes del globo recién llegaba la influencia hippie. Así mismo en muchos casos como paso en EE.UU. a fines de los sesenta mucha gente tomo esta influencia en forma superficial ligada a una estética de ropa o a escuchar rock y estar en fiestas o usar drogas.

Ejemplos de la posterior expansión del movimiento y su influencia son muchos. En América Latina por ejemplo esta la escena jipiteca de México de los setenta. En ese país se dio el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro en 1971 o como se lo ha llegado a llamar el "Woodstock" mexicano. En Chile se realizo un evento similar, el Festival de Piedra Roja en 1970 en el cual tocaron entre otras bandas la banda chilena de rock progresivo con influencias andinas Los Jaivas así como Aguaturbia, Los Blops y Lágrima Seca. En estos conciertos en mucho se dio una convergencia masiva a lo Woodstock pero por ejemplo en el caso del Festival de Avandaro rondaba la idea de que lo auspiciaba Coca-Cola y que incluyó una carrera de automóviles.[14] Posteriormente se daría una profundización cultural que ya se verían posiciones de responsabilidad social y ecológica como valores a tener en cuenta, realizándose acciones para lograrlo.. Esto incluía cosas como el tomar acción sobre la basura en los conciertos de los setenta y ochenta de los Grateful Dead lo cual iba en muchas veces a cargo de los mismos deadheads.

Las ideas y los caminos que estas motivaban de todas formas siguieron su curso. Algunos hippies decidieron comenzar a viajar por varias razones. Así es famosa la aparición en los setenta del hippie trail o el camino hippie. Usando varias formas de reducción de gastos muchos hippies se decidieron a tomar largos viajes a través de EE.UU. o inclusive el mundo. Una ruta muy popular fue una que comenzaba en Europa ciudades como Londres or Amsterdam. Después Luxemburgo, y posteriormente Estambul, Teherán, Herat, Kabul, Peshawar, Lahore y finalmente Katmandú o la isla de Goa en la India.[6] Katmandú todavía tiene una calle conocida como "Freak Street" en memoria de los miles de hippies que pasaron por allí. Otros continuaban a India, Sri Lanka, y en algunos casos Australia y Nueva Zelanda. Las motivaciones para esto eran muchas así como las razones del porque llegar a una ciudad en especifico. En el caso de lugares como la India lo que se buscaba era algún encuentro espiritual o el conocer mas las practicas religiosas-espirituales orientales. Otras como Londres o Amsterdam eran escogidas por su vibrante vida bohemia, artística y underground. Ciudades como Katmandu eran escogidas por el hecho de que el consumo de drogas era prácticamente legal allí.

Otras vias que tomaron los hippies o los influenciados por estos fueron los de una búsqueda religiosa-espiritual. Esta el caso del Jesus movement el cual era una sección de hippies cristianos que simpatizaban con las posiciones de la simplicidad voluntaria pero se alineaban con las posiciones de rechazo del sexo y las drogas usuales del cristianismo. Tendían a querer situaciones comunitarias similares a las de los cristianos originales bajo el Imperio Romano. Otros casos se dieron en los cuales algunos tomaron las vías de cultos new age, neopaganismo, neochamanismo o religiones y cultos orientales. El sincretismo religioso era una tendencia importante en esa época. Algunos hippies abandonaron el hippismo por estas tendencias. Otros no.

Así mismo esta el masivo movimiento de viajeros en casas carro de Nambassa, Nueva Zelanda a fines de la década de los setenta. En el Reino Unido en los ochenta aparecerían con fuerza los New Age Travellers que viajaban alrededor del país recorriendo los festivales de música gratuitos. Estos protagonizaron el evento conocido como la Batalla de Beanfield en la cual se quiso realizar el Festival de Stonehenge de 1985 pero esto fue impedido por la policía antidisturbios, todo en una forma que después anticiparía al movimiento freetekno y sus fiestas techno okupa de los noventa y 2000. En EE.UU. en los años setenta, ochenta y noventa, así mismo aparecerían grupos de fanáticos de la banda psicodélica folk The Grateful Dead que fueron conocidos como deadheads y seguían a la banda en sus múltiples tours alrededor del país en fiestas interminables.

Algunos viejos y nuevos hippies comenzaron a aparecer en los ochenta junto con un renovado interés de la juventud de ese entonces en la subcultura de los sesenta. En está década comenzaron a aparecer en EE.UU. las llamadas jambands que seguían el estilo de The Grateful Dead de rock improvisatorio y rock progresivo. La banda más conocida de este movimiento fue Phish y ésta lograría un culto parecido a los deadheads. Así también durante los tours del grupo Phish que realizaba alrededor de la geografía de su país, eran seguidos por numerosas colectividades de phishheads quienes practicaban un estilo de vida muy cercano al de las comunidades hippies de los años sesenta.

Otro desarrollo tuvo influencia en nuevas generaciones de hippies o neohippies.

En la isla de Goa en la India se había establecido una fuerte influencia de hippies desde los sesenta e inclusive algunos se quedaron a vivir en ella. Esto había pasado por la aparición en los setenta del hippie trail o camino hippie. En los ochenta en está isla comenzó a llegar la música electrónica de Europa y el techno. Así comenzaron a ser populares entre los hippies de allí la música de artistas como el Rock espacial, el krautrock de Kraftwerk o Klaus Schulze y su música espacial new age. Esta música se caracterizaría por el uso de instrumentos electrónicos como sintetizadores. En los ochenta aparecería el tecno y en los noventa aparecerían el Goa trance y el Psytrance. La subcultura rave retomaría algunos aspectos de los hippies y fue así que nuevos hippies abrazarían al goa trance y al psytrance o trance psicodélico.[15]

Así en gran parte de occidente existen algunos grupos de hippies y neohippies que preservan y renuevan los valores y estilos de vida "hippies" en una forma u otra.

Actualmente existe cierta tendencia a encontrar hippies cercanos al psytrance y otros que se han quedado en el gusto por el rock psicodélico, el rock progresivo o la música folclórica de sus países. Muchos de los hippies cercanos al psytrance ahora participan en el movimiento contemporáneo del freetekno que se basa en fiestas electrónicas ilegales masivas en Europa y América del Norte. Es también común encontrar neohippies que escuchan todos estos géneros de música al mismo tiempo.

Los festivales de rock masivos o de arte al aire libre al estilo sesentero continúan en muchas formas y algunos de estos, que se desarrollan hoy en día, tienen una fuerte reputación hippie. Así pues tenemos al festival Burning Man de EE.UU. o Glastonbury en el Reino Unido. En estos festivales se combina música de diferentes características y origen, con manifestaciones artísticas de diverso tipo; fiesta que se propone mantener una fuerte cultura basada en el respeto, ecologismo, y en la celebración de la diversidad y la interculturalidad.

Por otro lado además de movimientos como los New Age travellers existen otros de alcance global como los llamados Rainbow Family Gatherings que implican encuentros en los que se quiere crear un ambiente y una celebración de paz, diversidad, libertad, ecologismo y solidaridad. Usualmente asisten personas interesadas en la perspectiva de la Sociedad alternativa y se suelen realizar múltiples actividades como círculos de tambores, música en vivo, círculos de meditación y espiritualidad alternativa y acampadas.[16] Los Rainbow Family Gatherings suelen tener festivales en EE.UU. así como festivales mundiales en diversas partes del globo.

Legado

Alrededor de 1980, gran parte del estilo hippie, pero muy poco de la esencia del movimiento, fue absorbido por la cultura mayoritaria. La prensa generalista perdió interés en está subcultura. Por su parte, muchos de los antiguos hippies se integraron en la corriente dominante de pensamiento y los sistemas sociales y económicos de los que otrora habían renegado.

No obstante, otros hippies continuaron manteniendo un compromiso profundo con está forma de vivir y sus ideales.
En virtud a que los hippies tendieron a evitar la publicidad después del Verano del amor y de Woodstock, surgió un mito popular de que el movimiento había desaparecido, aunque de hecho continuó existiendo en comunidades instaladas en diversos países. La evolución de algunas comunas hippies ha dado lugar a las ecoaldeas de hoy, también llamadas «comunas del 2000».

Aun hoy, muchos de estos hippies se dan cita en festivales y encuentros para celebrar la vida y el amor, como en el Festival de la Paz.

Woodstock

2009-03-31T19:43:00.000-07:00

El festival de música y arte de Woodstock fue uno de los festivales de rock más famosos de la historia. Tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado que tuviese lugar en un lugar del pueblo de Woodstock, en Ulster County; la oposición local casi cancela el evento, pero Sam Yasgur convenció a su padre Max Yasgur para acoger al concierto en los terrenos de la familia, localizados en Sullivan County.

Ocurrieron tres muertes en el festival de Woodstock: una debida a una sobredosis de heroína, otra tras una ruptura de apéndice y una última por un accidente con un tractor. También ocurrieron dos nacimientos no confirmados en el festival. Se realizó un famoso documental sobre este concierto, dirigido por Michael Wadleigh y montado por Martin Scorsese. Fue estrenado en 1970 y ganó el Premio Oscar al mejor documental. La película ha recibido el título de "culturalmente significativa" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.

Woodstock ha sido de los mejores festivales de música y arte de la historia. Congregó a 1.000.000 de espectadores, 340.000 más de los que esperaba la organización, y se estima que 250.000 no pudieron llegar, la entrada costaba $18 americanos de la época para un solo día, por lo que en la actualidad costaría sobre unos $24; y el bono de tres días estaba a $94.

Woodstock se convirtió en el ícono de una generación de norteamericanos hastiada de las guerras y que pregonaba la paz y el amor como forma de vida y mostraban su rechazo al sistema, por lo tanto, gran parte de la gente que concurrió a dicho festival era hippie(realmente ellos no se designan así, sino que así fue como los denominaba la gente).Este festival fue un movimiento que se desarrolló en los Estados Unidos durante la década de los 60, en la cual los que concurrían llevaban melena y amuletos, las chicas faldas de colores; sus símbolos eran la bandera del arco iris, y el llamado símbolo de la paz.

Los "hippies" estaban en contra de la guerra de Vietnam, por lo que Jimi Hendrix tocó el himno estadunidense en eléctrico durante el festival para demostrar que porque estuvieran en contra de la política militar de su país seguían siendo estadounidenses, ya que algunos los tachaban como un movimiento Anti-Estados Unidos. Sus ideales eran, aparte del pacifismo, el amor libre, la vida en comunas, el ecologismo, y el amor por la música y las artes; se llegó a creer que habían dejado de existir ya que desde el Verano del amor de 1967 y Woodstock tendieron a evitar publicitarse, aunque aún siguen existiendo en numerosos países, evolucionando algunas comunas hippies a ecoaldeas, que también se denominan como comunas del año 2000 y todavía siguen dándose cita en algunos festivales y encuentros para celebrar la vida y el amor, como en el Festival de la Paz; aun así, debido al número de asistentes, las condiciones sanitarias dejaban más que desear ya que se organizó el festival pensando que iban a acudir unas 250.000 personas pero al final según estimaciones se llegó a un aforo de unas 500.000, provocando que hubiera algo de delincuencia durante el festival, en contraste con las pretensiones de este que pretendía ser una celebración a favor de la paz y del amor.

Durante el festival se vivieron intensas noches de sexo y drogas, destacando el consumo de LSD y Marihuana; todo esto aderezado con música rock. Aunque inicialmente el concierto se organizó pensando que conllevaría pérdidas para la organización, el éxito del documental sobre el evento hizo que finalmente resultara un acto rentable.

Posteriormente se celebrarían otros festivales de Woodstock: 1979, 1989, 1994 y 1999, pero el de 1969 es el Woodstock por antonomasia.

Artistas participantes
Los cantantes, con sus actuaciones y el orden que ocuparon en el festival son los siguientes:

Viernes 15 de agosto

El concierto empezó oficialmente a las 5:08 de la tarde, empezó con Richie Havens con un recital folk.

Richie Havens (Abrió el festival - tocó 7 canciones)
High Flyin' Bird
I Can't Make It Anymore
With A Little Help
Strawberry Fields Forever
Hey Jude
I Had A Woman
Handsome Johnny
Freedom

Swami Satchidananda. Dio la invocación espiritual para el festival

Country Joe McDonald. El tocó sin su banda The Fish
I Find Myself Missing You
Rockin' All Around The World
Flyin' High All Over the World
Seen A Rocket
The "Fish" Cheer/I-Feel-Like-I'm-Fixin'-To-Die Rag

John Sebastian
How Have You Been
Rainbows All Over Your Blues
I Had A Dream
Darlin' Be Home Soon
Younger Generation

Sweetwater
What's Wrong
Motherless Child
Look Out
For Pete's Sake
Day Song
Crystal Spider
Two Worlds
Why Oh Why

Incredible String Band
Invocation
The Letter
This Moment
When You Find Out Who You Are

Bert Sommer
Jennifer
The Road To Travel
I Wondered Where You Be
She's Gone
Things Are Going my Way
And When It's Over
Jeanette
America
A Note That Read
Smile

Tim Hardin, an hour long set
If I Were A Carpenter
Misty Roses

Ravi Shankar, tocó cinco canciones mientras estaba lloviendo
Raga Puriya-Dhanashri/Gat In Sawarital
Tabla Solo In Jhaptal
Raga Manj Kmahaj
Iap Jor
Dhun In Kaharwa Tal

Melanie
Beautiful People
Birthday of The Sun

Arlo Guthrie
Coming Into Los Angeles
Walking Down the Line
Amazing Grace

Joan Baez
Oh Happy Day
The Last Thing On My Mind
I Shall Be Released
Joe Hill
Sweet Sir Galahad
Hickory Wind
Drug Store Truck Driving Man
I Live One Day At A Time
Sweet Sunny South
Warm and Tender Love
Swing Low Sweet Chariot
We Shall Overcome

Sabado 16 de agosto

El concierto se reanudo a las 12:15 pm

Quill, tocó durante 40 minutos un recital de 4 canciones
They Live the Life
BBY
Waitin' For You
Jam

Keef Hartley Band
Spanish Fly
Believe In You
Rock Me Baby
Medley
Leavin' Trunk
Halfbreed
Just To Cry
Sinnin' For You

Santana
Waiting
You Just Don't Care
Savior
Jingo
Persuasion
Soul Sacrifice
Fried Neckbones

Canned Heat
A Change Is Gonna Come/Leaving This Town
Going Up The Country
Let's Work Together
Woodstock Boogie

Mountain, tocó durante una hora larga, su repertorio incluyó un tema de Jack Bruce's "Theme For An Imaginary Western"
Blood of the Sun
Stormy Monday
Long Red
Who Am I But You And The Sun
Beside The Sea
For Yasgur's Farm (then untitled)
You and Me
Theme For An Imaginary Western
Waiting To Take You Away
Dreams of Milk and Honey
Blind Man
Blue Suede Shoes
Southbound Train

Janis Joplin (Realizó dos repeticiones de Piece of My Heart y Ball and Chain).
Raise Your Hand
As Good As You've Been To This World
To Love Somebody
Summertime
Try (Just A Little Bit Harder)
Kosmic Blues
Can't Turn you Loose
Work Me Lord
Piece of My Heart
Ball and Chain

Sly & The Family Stone empezaron a la 1:30 de la mañana
Chip Monck Intro/M’Lady
Sing A Simple Song
You Can Make It If You Try
Everyday People
Dance To The Music
I Want To Take You Higher
Love City
Stand!

Grateful Dead
St. Stephen
Mama Tried
Dark Star/High Time
Turn On Your Love Light

Creedence Clearwater Revival
Born on the Bayou
Green River
Ninety-Nine and a Half (Won't Do)
Commotion
Bootleg
Bad Moon Rising
Proud Mary
I Put A Spell On You
Night Time is the Right Time
Keep On Choogin'
Suzy Q

The Who comenzaron a las 3 de la mañana, tocaron 24 canciones incluyendo Tommy
Heaven and Hell
I Can't Explain
It's a Boy
1921
Amazing Journey
Sparks
Eyesight to the Blind
Christmas
Tommy Can You Hear Me?
Acid Queen
Pinball Wizard
Abbie Hoffman Incident (see above section)
Fiddle About
There's a Doctor
Go to the Mirror
Smash the Mirror
I'm Free
Tommy's Holiday Camp
We're Not Gonna Take It
See Me, Feel Me
Summertime Blues
Shakin' All Over
My Generation
Naked Eye

Jefferson Airplane empezaron a las 8 de la mañana, después de la maratón de la noche, su repertorio incluyó ocho canciones, su concierto en este festival es considerado por algunos como uno de los momentos más memorables de la historia del rock.
Volunteers
Somebody To Love
The Other Side of This Life
Plastic Fantastic Lover
Saturday Afternoon/Won't You Try
Eskimo Blue Day
Uncle Sam's Blues
White Rabbit

Domingo 17 de agosto, a Lunes 18

Joe Cocker fue el primer concierto del día después de la noche maratónica, él abrió el incio del programa del día a las dos de la tarde.

Joe Cocker
Delta Lady
Some Things Goin' On
Let's Go Get Stoned
I Shall Be Released
With a Little Help from My Friends

Después de Joe Cocker el festival se suspendió durante unas horas por una fuerte tormenta.

Country Joe and the Fish Con ellos se volvió a reanudar el concierto a las 6 de la tarde.
Rock and Soul Music
Thing Called Love
Love Machine
The "Fish" Cheer/I-Feel-Like-I'm-Fixin'-To-Die Rag

Ten Years After
Good Morning Little Schoolgirl
I Can't Keep From Crying Sometimes
I May Be Wrong, But I Won't Be Wrong Always
Hear Me Calling
I'm Going Home

The Band
Chest Fever
Tears of Rage
We Can Talk
Don't You Tell Henry
Don't Do It
Ain't No More Cane
Long Black Veil
This Wheels On Fire
I Shall Be Released
The Weight
Loving You Is Sweeter Than Ever

Blood, Sweat & Tears fue sobre la medianoche con un recital de cinco canciones.
More and More
I Love You Baby More Than You Ever Know
Spinning Wheel
I Stand Accused
Something Coming On

Johnny Winter
Mama, Talk to Your Daughter
To Tell the Truth
Johnny B. Goode
Six Feet In the Ground
Leland Mississippi Blues/Rock Me Baby
Mean Mistreater
I Can't Stand It (With Edgar Winter)
Tobacco Road (With Edgar Winter)
Mean Town Blues

Crosby, Stills, Nash & Young empezaron a las tres de la mañana, su recital está separado en dos partes, parte acústica y otra eléctrica

Parte Acustica
Suite: Judy Blue Eyes
Blackbird
Helplessly Hoping
Guinnevere
Marrakesh Express
4 + 20
Mr. Soul
Wonderin'
You Don't Have To Cry

Parte Electrica
Pre-Road Downs
Long Time Gone
Bluebird
Sea of Madness
Wooden Ships
Find the Cost of Freedom
49 Bye-Byes

Paul Butterfield Blues Band
Everything's Gonna Be Alright
Driftin'
Born Under A Bad Sign
Morning Sunrise
Love March

Sha-Na-Na
Na Na Theme
Jakety Jak
Teen Angel
Jailhouse Rock
Wipe Out
Who Wrote the Book of Love
Duke of Earl
At the Hop
Na Na Theme

Jimi Hendrix Insistió en ser él quien tocara en último lugar. Se programó su parte para la medianoche, pero por retrasos en el festival no tocó hasta las 9 de la mañana del lunes. Se dice que le llegaron a ver 500.000 personas, aunque empezó con un público de 80.000. El recital duró dos horas, siendo el concierto más largo de su historia. Tocó 18 canciones, concluyendo con Hey Joe:
Message to Love
Hear My Train A Comin'
Spanish Castle Magic
Red House
Mastermind
Lover Man
Foxy Lady
Jam Back At The House
Izabella
Get my heart Back together
Gypsy Woman
Fire
Voodoo Child (Slight Return)/Stepping Stone
Star Spangled Banner
Purple Haze
Woodstock Improvisation
Villanova Junction
Hey Joe

http://es.wikipedia.org/wiki/Woodstock

Jefferson Airplane

2009-03-31T19:35:00.000-07:00

Jefferson Airplane fue una banda de Estados Unidos surgida en la ciudad de San Francisco (California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. La actuación en agosto de 1969 en Woodstock es considerada uno de los momentos más memorables del rock.

A lo largo del tiempo en función de las salidas y entradas de miembros fueron variando su nombre a Jefferson Starship, al más simple Starship antes de convertirse en Jefferson Starship The Next Generation en 1991.

De acuerdo con uno de sus miembros, Jorma Kaukonen, el nombre lo inventó un amigo suyo llamado Steve Talbot para parodiar los nombres de las bandas de blues o motes de cantantes de este género como "Blind Lemon" Jefferson.

Jefferson Airplane

El grupo se forma en la costa oeste durante el verano de 1965 en lo que se llamó el boom de la música folk de la bahía de San Francisco. Todo comenzó cuando Marty Balin se une a otro músico, Paul Kantner. Estos a su vez se unieron con el guitarrista de blues Jorma Kaukonen, a la vocalista de jazz y folk Signe Toly Anderson, al batería Jerry Peloquin, y al bajista acústico Bob Harvey. Cogen su inspiración inicial de bandas como los Beatles, The Byrds o The Lovin' Spoonful, es decir influencias básicas del Merseybeat británico y el folk de esos años.

Su primera aparición en público es el 13 de agosto de 1965 en The Matrix Club de San Francisco. Peluquin, músico de sesión, abandona la formación unas semanas después descontento con el uso de drogas por el resto de miembros. Le sustituye Skip Spence.

La banda va adoptando un sonido más eléctrico que lleva al reemplazo de Bob Harvey en octubre de 1965 por el amigo de la infancia de Kaukonen, Jack Casady. A finales de año firman con RCA Victor y graban su primer disco que se editará al año siguiente bajo el título de Jefferson Airplane Takes Off.

La música folk mantiene todavía mucha influencia en este primer disco que contiene temas como Tobacco Road (de John D. Loudermilk), Let's Get Together (de Dino Valente), It's No Secret and Come Up the Years.

En 1966, Spence es reemplazado por el batería de jazz Spencer Dryden y su vocalista Anderson por Grace Slick, de The Great Society, también de San Francisco. Su potente voz sería característica principal del sonido de la banda así como por escribir algunos de los temas más conocidos: White Rabbit y Somebody to Love (junto a su hermanastro de The Great Society Darby Slick).

Su paso de la escena local a la nacional se produce por su aparición en el Festival de Monterrey en junio de 1967, que presentaba a grandes bandas de Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, e Inglaterra. El concierto se edita como película y es emitido por televisión.

Acceden así a la posibilidad de actuar en el show de Ed Sullivan donde en color y con edición de imágenes mediante Chroma key para crear efectos psicodélicos realizan uno de sus más míticas actuaciones tocando White Rabbit.

En el período de 1967 a 1970 la formación se mantiene estable y graban sus cinco discos principales. Surrealistic Pillow (1967) incluye los dos clásicos White Rabbit (inspirado por el LSD, el Bolero de Ravel y Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll) y Somebody to Love, así como el solo acústico de Kaukonen de reminiscencias folk Embryonic Journey. El disco alcanza el éxito, consiguiendo el puesto nº3 en USA, tras el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. Fue uno de los discos principales del que fue llamado Verano del Amor.

El nombre del disco, Surrealistic Pillow, fue sugerido por su productor Jerry García (de Grateful Dead) cuando estimó que sonaba surrealista como una pastilla. La compañía no permitió que García apareciera como productor así que en el libreto aparece como consejero espiritual.

Con el siguiente trabajo After Bathing at Baxter's, se introducen en lo que se llamó rock ácido. Su famosa portada fue dibujada por Ron Cobb. En 1968 editan Crown of Creation. Sus canciones más destacadas son Lather (de Grace Slick), supuestamente dedicada al batería Spencer Dryden con quien se decía que tenía una relación; Triad, una canción de David Crosby (The Byrds no publicada con su banda por su temática sobre un ménage à trois; y el himno del sexo libre y las drogas Greasy Heart.

Ese mismo año editan Bless Its Pointed Little Head a partir del concierto en el Fillmore (donde hay multitud de discos editados en directo de gente como Jimi Hendrix.

Cuando la escena de San Francisco comenzaba a desaparecer, en 1969, editan Volunteers, su disco más político. Canciones como We Can Be Together, Good Shepherd, y la post-apocalíptica Wooden Ships (escrita por Paul Kantner, David Crosby y Stephen Stills y editada también por Crosby, Stills & Nash).

En agosto de 1969 realizan su mítica actuación en Woodstock, y apenas unos meses después, en diciembre, en el desastre del festival de Altamount. El concierto, liderado por The Rolling Stones, y en el que tocaban bandas como The Grateful Dead; contaba como equipo de seguridad con Ángeles del Infierno que mantuvo continuos enfrentamientos con el público y las bandas. Marty Balin fue noqueado por uno de los guardias en una pelea.

El desastre ocurriría finalmente en el llamado incidente Gimme Shelter. Durante la actuación de The Rolling Stones, el joven de raza negra Meredith Hunter empuñó una pistola y fue acuchillado por el Ángel del infierno Alan Passaro. La grabación del incidente permitió la absolución de Passaro. Las imágenes aparecería en el documental Gimme Shelter.

En 1970 editan su primer grandes éxitos bajo el título de The Worst of Jefferson Airplane (reeditado en 2006 por Sony BMG con dos temas extras). En este año sólo compusieron dos canciones para el single, Mexico b/w ave You Seen the Saucers. La cara A era una crítica muy dura contra el presidente Richard Nixon por tratar de cortar la llegada de marihuana a los Estados Unidos; y la cara B iniciaba la obsesión por la ciencia ficción de Paul Kantner que marcaría el futuro de la banda durante la siguiente década.

Balin abandona la banda tras la edición del single. Más tarde, Kantner y Slick despiden a Dryden (al que consideraban un "idiota"). El grupo continuó sin ellos editando Bark en 1971 y Long John Silver en 1972.

Ambos discos se editan en el sello de la banda, Grunt, que sería distribuido por RCA. Para reemplazar a Dryden entra Joey Covington (quien aporta su voz para el single Pretty as You Feel). También se les une el legendario The legendary Afro-American blues violinista de blues "Papa John" Creach.

Durante este tiempo, Kaukonen y Casady comienzan un proyecto paralelo bajo el nombre de Hot Tuna donde, con ayuda de buen número de músicos, comienzan a explorar el blues tradicional. Edita el acústico Hot Tuna en 1970 y el eléctrico First Pull Up-Then Pull Down en 1971. Con el tiempo van centrándose más en este grupo que en los Jefferson (se dice que en la canción Third Week in the Chelsea, de Bark, Kaukonen escribe sus pensamientos acerca de dejar la banda) .

En 1973 aparece el segundo disco en directo, Thirty Seconds Over Winterland, y en 1974 una colección de singles, caras B y material inédito bajo el nombre de Early Flight. Sería el último disco oficial de Jefferson Airplane.

Discografía

Albumes

Jefferson Airplane Takes Off (1966) - posición de ventas en USA: 128
Surrealistic Pillow (1967) - posición de ventas en USA: 3
After Bathing at Baxter's (1967) - posición de ventas en USA: 17
Crown of Creation (1968) - posición de ventas en USA: 6
Bless Its Pointed Little Head (1969) - directo
Volunteers (1969) - posición de ventas en USA: 13
The Worst of Jefferson Airplane (1970) - grandes éxitos - posición de ventas en USA: 12
Bark (1971) - posición de ventas en USA: 11
Long John Silver (1972) - posición de ventas en USA: 20
Thirty Seconds Over Winterland (1973) - directo
Early Flight (1974) - colección de singles, caras B y material inédito
Flight Log, 1966-1976 (1977) - recopilatio, incluye canciones de Jefferson Starship, Hot Tuna e individuales
Time Machine (1984) - recopilación
2400 Fulton Street (1987) - recopilación
Jefferson Airplane (1989) - disco de reunión
White Rabbit & Other Hits (1990) - recopilación
Jefferson Airplane Loves You (1991) - caja con tres discos
The Best of Jefferson Airplane (1993) - recopilación
Live at the Monterey Festival (1995) - directo en el festival de Monterrey de 1966
Journey: The Best of Jefferson Airplane (1996) - recopilación para Inglaterra
Live at the Fillmore East (1998) - directo en el Fillmore de Nueva York
The Roar of Jefferson Airplane (2001) - recopilación
Platinium & Gold Collection (2003) - recopilación
The Essential Jefferson Airplane (2005) - recopilación
The Worst of Jefferson Airplane (2006) - reedición del recopilatorio de 1970 con dos temas extra

Velvet Goldmine

2009-03-29T21:42:00.000-07:00

http://lacovachadedarkspider.blogspot.com/2008/08/velvet-goldmine.html

Sí algo tiene la cultura pop que surgió en el siglo pasado, es su capacidad para darle sentido a un sinúmero de personas a través de la seducción de sus formas, colores y sonidos. Y qué mejor época de seducción que la juventud, cuando precisamente uno anda en el embrollo existencial de encontrar una identidad propia. Para las personas que han vivido desde mediados del siglo XX a la fecha, la juventud representa una abigarra diversidad de formas de ser en donde las trabas, los límites y las categorías son frecuentemente trastocados, subvertidos, amalgamados y sincretizados.

Todos en algún momento nos hemos identificado con algún género músical contempóraneo, hicimos lo imposible por parecernos, actuar y convivir de acuerdo a lo que dictaba alguna figura popular. Si ya hemos salido de esos bochornosos momentos, de vez en cuando nos retrotraemos a aquellas felices épocas al escuchar una rola que nos marcó o que formó parte indispensable de nosotros.

Todo esto es muy bien explorado en la película Velvet Goldmine, dirigida por Todd Haynes y que vió la luz en la salas de cine hace casi diez años. La historia es simple: al periodista Arthur Stuart (Christian Bale) se le encargá investigar sobre el paradero final de la estrella del Rock-glam Brian Slade (Jonathan Rhys-Meyers), para esto debe de seguirle el rastro e indagar con todas aquellas personas que estuvieron en relación con el cantante como su ex-esposa Mandy Slade (Toni Collete) y uno de sus ex-amantes, Curt Wild (Ewan Mc Gergor), quien a su vez es también un destacado cantante aún en activo.

Stuart al iniciar sus investigaciones se sumerge en su propio pasado, pues conforma va avanzando la historia nos vamos dando cuenta que él fue un obseso fan de este movimiento musical. Como muchos de los jóves de su época, Stuart fue subyugado por la figura Slade y fue parte importante en su largo recorrido de descubrimiento de su propia sexualidad y su forma de ser. Quizá por ello toma con recelo el encargo, pues sabe que estaría removiendo sus propios escombros.

La película en sí es un mosaico extravagante de colores y ritmos frenéticos. El glam es un género en el que los sexos se superponen y se confunden, dando lugar a un desenfreno sexual y erótico que se manifiesta en lo cargado de la indumentaria de los cantantes en donde lo femenino, lo masculino, lo grotesco y lo trangresor van de la mano. Slade desea ser la estrella admirada, el ícono que todos imiten, y su forma de vivir la sexualidad y llevar hasta el límite sus perversiones hallan suelo propicio en una juventud alejada de los desos carnales naturalistas y comunales -como los hippies- cambiándolos por el glamour y el personalismo sexual.

En los personajes de Slade podemos ver reminiscencias de David Bowie en sus gloriosos años de Ziggy Stardust y de Iggy Pop en Curt Wild; aunque podría catalogarse como una historia nostalgica, la realidad es que la cinta muestra que el verdadero arte es transgresivo en la medida que increpa y pone en tela de juicio los valores imperantes de una sociedad, y que la juventud siempre será el motor de cambio de las ideas y las costumbres, de nuevas formas de amar y relacionarse aun cuando ésta sea breve y haya que volver a encasillarse en la moralina y el reabsorvimiento por el sistema. Slade en un momento de hartazgo de sí mismo finge su propia muerte, y aparece años después con otra personalidad defendiendo los valores a los que se opuso en su juventud con su revolucionaria música. Así también Stuart hace un ajuste de cuentas con su pasado y despierta de los temores y resabios que quedaron resguardados en él en esos tiempos de acelerados cambios.

El director, Todd Haynes, proveniente del cine independiente, nos da en esta película su particular visión de los ciclos por los que pasa la cultura popular, con sus excesos y rupturas, hasta el regreso a la moderación y sus políticas conservadoras. Un excelente retrato de tiempos que se han ido pero que se sedimentan en la memoria y resurgen intempestivamente al recuerdo de una nota o un gesto.

La música de la pelicula logra una simbiosis perfecta con la trama y captura esos momentos exhuberantes y de colores estridentes que catapultan una crítica y una reflexión interesantes sobre la importancia que los movimientos contraculturales, y la cultura del rock en particular, tiene sobre la vida de las personas. En el soundtrack se pueden apreciar las soberbias participaciones de grupos como Placebo, Radio Head, Sonic Youth entre otros, y rescata muchos de los clásicos de la era del glam rock.

Una película ya de culto que no deben dejar de ver. Nadie puede quedar indiferente ante una historia que remueve nuestros ser más simple y cotidiano, y quizá por eso más esencial.

Intérpretes: Ewan McGregor (Curt Wild), Jonathan Rhys-Meyers (Brian Slade), Christian Bale (Arthur Stuart), Toni Collette (Mandy Slade), Eddie Izzard (Jerry Devine), Emily Woof (Shannon), Michael Feast (Cecil)
Origen: Reino Unido / Estados Unidos

Año: 1998

Director: Todd Haynes

Guión: Todd Haynes

Duración: 124 minutos.

La Banda Sonora

http://es.wikipedia.org/wiki/Velvet_Goldmine

La banda sonora fue una parte muy importante en la película. Estuvo coordinada también por Michael Stipe y cuenta con varias canciones clásicas del Glam Rock, algunas en su versión original y otras versionadas por artistas coetáneos a la película. Además de los grupos ya conocidos, se formaron dos supergrupos ex profeso para grabar esta banda sonora, integrados por primeras figuras de la música alternativa:

Wylde Rattz: Mark Arm de Mudhoney; Ron Asheton de The Stooges; Thurston Moore y Steve Shelley de Sonic Youth; Mike Watt de Minutemen y Don Fleming de Gumball.
The Venus In Furs: Thom Yorke y Jon Greenwood de Radiohead; Andy McKay de Roxy Music; Bernard Butler de Suede y Paul Kimble de Grant Lee Buffalo.
Listado de canciones de la banda sonora:

01. Needle In The Camel's Eye - Brian Eno. Versión original de la canción.
02. Hot One - Shudder To Think. Canción compuesta expresamente para la película.
03. 20th Century Boy - Placebo. Versión de la canción de T.Rex
04. 2HB - The Venus In Furs. Versión de la canción de Roxy Music
05. T.V. Eye - Wylde Ratttz. Versión de la canción de Iggy Pop & The Stooges
06. Ballad Of Maxwell Demon - Shudder To Think. Canción expresamente compuesta para la película.
07. The Whole Shebang - Grant Lee Buffalo. Canción expresamente compuesta para la película.
08. Ladytron - The Venus In Furs. Versión de la canción de Roxy Music
09. We Are The Boys - Pulp. Canción compuesta expresamente para la película.
10. Virginia Plain - Roxy Music. Versión original de la canción.
11. Personality Crisis - Teenage Fanclub/Donna Matthews. Versión de la canción de The New York Dolls.
12. Satellite Of Love - Lou Reed. Versión original de la canción.
13. Diamond Meadows - T.Rex. Versión original de la canción.
14. Bitter's End - Paul Kimble/Andy MacKay. Canción compuesta expresamente para la película.
15. Baby's On Fire - The Venus In Furs. Versión de la canción de Brian Eno.
16. Bitter-Sweet - The Venus In Furs. Versión de la canción de Roxy Music.
17. Velvet Spacetime - Carter Burwell. Canción compuesta expresamente para la película.
18. Tumbling Down - The Venus In Furs. Versión de la canción de Steve Harley
19. Make Me Smile (Come Up And See Me) - Steve Harley. Versión original de la canción.
20. Cosmic Dancer - T.Rex. Versión original de la canción.

Velvet Underground

2009-03-29T21:35:00.000-07:00

Es difícil encontrar un grupo musical que haya tenido más influencia en la posteridad pero que en su propia época fueran más incomprendidos e ignorados. Ni las compañías discográficas ni el famoso Andy Warhol apostaron de verdad por ellos. El propio grupo soportaba interminables peleas internas que hicieron que poco a poco fueran abandonándolo sus componentes originales hasta la disolución definitiva. El público parecía estar más interesado en los Beatles o, en la onda alternativa, por gente como Frank Zappa y sus The mothers of invention que en las ruidosas propuestas radicales de la Velvet.

No fue hasta después su desaparición cuando fue extendiéndose de boca a boca la fama de V.U. y docenas de nuevos grupos los proclamaron como antecesores y maestros. Hoy en día, pese a seguir siendo menos conocidos que los mencionados Beatles, The Doors, y demás grupos coetáneos, su influencia es al menos tan grande como la de aquéllos. Si no hubieran existido nunca, tal vez no habrían surgido Sonic Youth, ni Nirvana y toda la oleada 'grunge' o, anteriormente, el punk. Tal vez si jamás hubiera nacido el grupo, habrían aparecido por otro lado otras gentes para llenar ese hueco, o tal vez no. Pero tal y como sucedieron los hechos, The velvet underground es uno de los pilares en los que se fundamenta la música popular contemporánea, especialmente la parte más alternativa.

Inicios
Bien, lo primero que hay que dejar bien claro es que The velvet underground NO era "el grupo de Lou Reed". Si bien es cierto que en los años siguientes Lou fue el componente de la banda que alcanzó mayor fama (lo que no quiere decir mayor calidad musical), la Velvet fue el resultado de la unión (o colisión quizás) de muy distintas personalidades, especialmente Lou Reed y John Cale, dos genios con un gran concepto de sí mismos, por lo que el conflicto estaba asegurado.

Los miembros fundadores del grupo, además de Reed y Cale, fueron Sterling Morrison y Maureen Tucker. John Cale poseía una sólida formación musical clásica, decántandose después por las formas vanguardistas de compositores como John Cage o Xenakis. Lou Reed estudió piano de pequeñito y luego formó diferentes grupos de rock'n'roll, para disgusto de sus adinerados y conservadores padres, que llegaron a internarlo en un psiquiátrico (donde incluso fue sometido a electroshocks) para quitarle lo que ellos consideraban una desviación de la conducta. En la universidad conoció a Sterling Morrison, quien también había formado algunos grupillos, y tocaron juntos en algunas bandas durante algún tiempo hasta que Morrison fue expulsado por mala conducta de la universidad. Al terminar los estudios, Reed entró en una pequeña discográfica como compositor y allí conoció a John Cale, que había sido contratado junto con otros amigos para formar un grupo "de laboratorio" llamado The primitives con el objetivo de lanzarlos al éxito, lo que evidentemente no sucedió, pero Reed y Cale congeniaron y pensaron en fundar un nuevo grupo. Para ello buscaron a Sterling Morrison y como batería tomaron a un tal Angus McLise, vecino de John y Lou. Formaron así The warlocks, que luego se llamarían The falling spikes. Llegaron a grabar una cinta donde se encontraban Venus in furs, Heroin, Wrap your troubles in dreams y The black angel's death song.

A un amigo de John Cale un día le dió por comprar un libro llamado The velvet underground, de temática sado-masoquista. Fue Sterling Morrison quien, al ver el libro, pensó que el nombre sería perfecto para el grupo, y así se acordó. Poco después fueron contratados para dar un concierto como teloneros de otro grupo. Angus no aceptó, por lo que debieron buscar a toda prisa un nuevo batería, y recordaron que la hermana de un viejo amigo de Lou y Sterling, Jim Tucker, tocaba la batería, por lo que Lou corrió a convencerla para que se uniera al grupo, y así fue como Moe Tucker entró a formar parte de la banda.

Después de ese concierto, fueron contratados para tocar en un local llamado Café Bizarre. En una de estas actuaciones fueron descubiertos por un amigo de Andy Warhol, que fue otro día a verlos y pensó de inmediato en ellos como el grupo de música perfecto para un espectáculo que estaba ideando.

La E.P.I. y el disco del plátano
Cuando Warhol pudo ver al grupo en acción, quedó impresionado. En aquellos días andaba ideando un espectáculo completo de música, luces, danza, proyecciones de vídeo, etc. y la Velvet encajaba perfectamente en su idea. Pero las cosas no fueron fáciles del todo. Warhol pensó que debían tener una cara bonita al frente del grupo para darle un mayor atractivo y "dulcificar" la impresión provocada por su música chirriante y machacona. La elegida fue la modelo alemana Christa Päffgen, conocida como Nico. Al grupo no les hizo ninguna gracia esta incorporación que desentonaba con su línea. La voz de Nico no iba bien con los temas de la Velvet y además ella no sabía tocar ningún instrumento. Al final llegaron a un acuerdo para aprovechar la promoción que Andy Warhol podría darles y adaptaron algunas canciones para que Nico las cantara, como Femme fatale.

El invento de Warhol llevaba el curioso nombre de Exploding Plastic Inevitable (E.P.I.). Gracias a la fama del artista pop, el espectáculo tuvo un gran éxito y el grupo consiguió una cierta popularidad. Y además ganaron una buena cantidad de dinero que les serviría luego para financiar su primer disco. Enseguida fueron contratados para tocar un mes en Los Ángeles, pero el resultado fue desastroso. Mientras en California triunfaba la movida hippie, el flowe-power, la marihuana y el "paz y amor", The velvet underground era lo más alejado que se podía encontrar de todo eso. Ellos hablaban de historias urbanas llenas de suciedad y crudeza, de heroína, de sado-masoquismo, de desesperación y fascinación por la muerte. El público los ignoró en masa y sólo algunos críticos supieron valorar lo que tenían delante.

Con ese dinero que ganaron en estas actuaciones, como ya se ha dicho antes, se pagaron la grabación de las canciones de su primer disco, lo que se hizo en tan solo cuatro noches. El grupo no quería que Nico participara en la grabación, ya que sostenían que ya habían cedido bastante permitiendo que formara parte de la gira de actuaciones en directo, pero finalmente aceptaron su presencia. Como era de esperar, no encontraban ninguna compañía que aceptara publicar su trabajo, aquello era demasiado fuerte. Mientras, seguían con la gira de la EPI, con los mismos resultados de poca aceptación por el público.

Finalmente, en mayo de 1967, consiguieron publicar su primer disco, con el diseño de portada de Warhol y con el nombre de Nico añadido al del grupo en el sello Verve, filial de la MGM. Para variar, fue un fracaso de crítica y ventas. Aquello no encajaba con nada de lo que se llevaba en el momento. La compañía, para mejorar las cosas, difícilmente pudo ser más negligente a la hora de intentar promocionar el disco (más bien no lo promocionó en absoluto). Muchas tiendas y emisoras de radio se negaban a poner "aquello".

El contenido del disco se puede dividir entre los temas suaves, como 'Femme fatale' o 'I'll be your mirror', cantados principalmente por Nico, y los temas salvajes como 'Heroin', 'The black angel's death song' o 'Venus in furs', una verdadera catarata de sensaciones impactantes sacudidas por guitarras desquiciadas y con la viola electrificada de Cale estrujando los cerebros de los oyentes. Sobre las letras... bueno, en el apartado correspondiente podréis comprobar que no eran para críos. Nada de "she loves you yeah yeah yeah" ni nada por el estilo. Se podría asociar con la poesía de gente como Bukowski o como una nueva vuelta de tuerca de la generación beat. Lo que no quita que en las canciones como 'I'll be your mirror' esas tormentosas letras se transformen en paisajes más plácidos y convencionales, pero igualmente atractivos.

Rock gótico

2009-03-29T21:24:00.000-07:00

Dark-punk 1978-82

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El punk-rock británico estaba flanqueado desde el principio por un movimiento "gótico". La violencia y el frenesí de los Sex Pistols fueron canalizados por esos "dark punks" en atmósferas y tonos con el propósito de evocar escenas de horror y rituales esotéricos. Los Stranglers y Siouxsie Sioux (1) estaban entre las bandas que encendieron el fuego. No era tanto como un fuego, y aún él álbum más innovador de Siouxie, The Scream (1978), de principalmente un catálogo de clichés vergonzantes.

Mucho más agresivo fue el sonido de X-Ray Spex (1) en su único álbum, Germfree Adolescents (1978), gracias a los gritos bárbaros del vocalista Poly Styrene (Marion Elliot) y el saxofón disonante de Lora Logic (Susan Whitby).

Los actos más interesantes del "dark punk" fueron aquellos que esculpían un sonido igualmente oscuro y desolado alejándose deliberadamente de los sobre tonos de caricatura de película de horror. Notablemente, los Cure (3) introdujeron la angustia existencial (del tipo que se encuentra en los libros de Camus y Sartre) en el rock'n'roll. Three Imaginary Boys (1979) de hecho consiste de un coctel mortal de hiperrealismo cínico, expresionismo macabro y paranoia mórbida. Pornography (1982) capitalizaba en esas premisas con un viaje filosófico al centro de un alma frágil y romántica (vocalista y guitarrista Robert Smith). Después de la conversión al pop del ambicioso pero inferior Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987), los Cure alcanzaron la cima de su patetismo en Disintegration (1989), que equilibra los sermones pedantes de Smith con piezas altamente arregladas que suenan como poemas sinfónicos.

Los dos álbumes grabados por Joy Division (2), Unknown Pleasures (1979) y Closer (1980), antes de que el vocalista Ian Curtis cometieron suicidio y la banda evolucionara en New Order, acuñaron una nueva clase de rock gótico, decadente, futurista y psicodélico, y ofrecía una mezcla poco probable de Doors, Kraftwerk y Black Sabbath. Melodías aterradoras, tiempos funerales, arreglos electrónicos y otras disonancias del más allá interpretaba los lugares de desperdicios industriales como una pesadilla personal. Su carrera acabó con Love Will Tear Us Apart (1980), el cual fue el principio de un nuevo género: synth-pop.

A pesar de sus limitaciones artísticas, el género encontró una audiencia amplia. Sonido cavernoso, voz glacial, batería estridente, ritmo marcial, guitarras distorsionadas se hicieron tan ubicuos como los alaridos de los roqueros punk. El aburrimiento existencial y las tendencias suicidas movían el frente, desplazando la rebelión como la atracción principal del punk-rock. La misma sensibilidad mórbida inspiraba a bandas tan diferentes como los Passions, Theatre of Hate (quienes más adelante evolución harían en Spear Of Destiny), y los Comsat Angels.

Afortunadamente, otros músicos fueron más allá de la "oscuridad" y acuñaron nuevos lenguajes musicales no menos deprimentes pero mucho más creativos. Ellos torcieron los elementos de la música rock para manufacturar una sensación de pérdida y desolación.

Los psicodramas macabros y grandilocuentes de Bauhaus (1), desde del psychobilly ácido y tribal Bela Lugosi's Dead (1979) a Lagartija Nick (1982) a través de los efectos de sonido mórbidos de In The Flat Field (1980) y especialmente a través del pop electrónico bailable Mask (1981), pintaban las atmósferas más sofocantes.

Killing Joke (2) fueron menos mentales y más físicos que Bauhaus: sus espasmos disonantes, tribales y apocalípticos de sus primeros sencillos, tales como Requiem (1979) y Wardance (1979), y su primer álbum, Killing Joke (1980), eran tan poderosos como los "bailes modernos" de Pere Ubu. Como el resto del contingente gótico, durante los 1980s Killing Joke desperdició su talento poniendo su visión en un ritmo bailable, pero Martin Atkins eventualmente revitalizó la banda con el sonido estruendoso y bárbaro de Extremities, Dirt & Various Repressed Emotions (1990).

Los Psychedelic Furs (1) pusieron el elemento gótico en el límite entre el esplendor decadente de Roxy Music, las elegías ácidas de Velvet Underground y el melodrama futurista de Van Der Graaf Generator. El resultado, particularmente en Talk Talk Talk (1981), fue sofisticado así como aterrador.

Todo esto fue fácilmente alcanzado por la más excéntrica de todas las bandas "dark", los Virgin Prunes (2), que venían de Irlanda con un acercamiento completamente diferente de lo "gótico", un acercamiento que mezclaba rituales arcaicos con música de vanguardia. Su grotesco Grand Guignol retrocedía del teatro expresionista grotesco y alucinado de A New Form Of Beauty (1982) a los rituales demoníacos de Heresie (1982) y al folk-rock pagano de If I Die I Die (1982).

La idea alcanzó su cima con el sonido abstracto, conceptual y empapado en dub de Public Image Ltd (21), la banda formada por Johnny "Rotten" Lydon después de que los Sex Pistols se separaron, y con el bajista Jah Wobble y el guitarrista Keith Levene. First Issue (1978) anunciaba una nueva forma de música: ritmo ponderoso, guitarra distorsionada, gritos demenciales. Second Edition (1979) es el álbum que transformó el punk-rock en música de cámara. Al reducir el tiempo en una vena similar al acid-rock dilatado, y salpicar los monólogos psicóticos de Lydon con ecos deformes de música jamaiquina, del Medio Oriente y africana, el grupo inyectó un sentido perturbador de soledad y miedo en sus piezas largas y vagamente estructuradas. La práctica alcanzó intensidad claustrofóbica en Flowers Of Romance (1981), un álbum que cuenta con Martin Atkins en la batería pero falta Wobble en el bajo. Las invocaciones tipo muecín de Lydon jugaban un juego de "pregunta y respuesta" con una instrumentación étnica expandida que igualmente sentía en casa de con la síncopa funk y ruidos encontrados. El lieder funeral del álbum vagaba por laberintos freudianos y esotéricos. Lydon, trovador de la depresión psíquica, puso sus letras nihilistas en una vorágine tortuosa de sonidos alineados.

La así como los clubs de baile en todo el país adoptaran el sentir depresivo y la apariencia extraña, un sonido más bailable fue preparado por la nueva generación de roqueros punk góticos.

Los Sisters Of Mercy (1) fueron probablemente los más grandes y los más influyentes de su generación. Su voodoobilly lúgubre y demoníaco, inspirado por Suicide y los Cramps pero impulsado por máquinas panzer, no tenía iguales. Acoplado con ese frenesí instrumental, las vocales tipo Morrison de Andrew Eldritch crean una tensión que era tanta majestuosa como devastadora. La culminación de su carrera y la culminación del rock gótico fue Temple Of Love (1983), su ceremonia más visionaria y propulsora. Floodland (1987) agregó un sonido futurista y opresivo, cortesía de Jim Steinman.

Otras bandas de rock incluían: Alien Sex Fiend (1), cuyo álbum Who's Been Sleeping In My Brain (1983) fue un rockabilly más demente que macabro, el catastrófico Fields Of The Nephilim, el romántico Gene Loves Jezebel, el salvaje Sex Gang Children .

Gótico 1984-86

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Ian Astbury's Cult y Wayne Hussey's Mission mezclaron los sobre tonos siniestros del dark-punk con el anticuado hard-rock de Led Zeppelin. Los primeros fueron derivativos de AC/DC, Cream, Free, Led Zeppelin, Doors y Rolling Stones, aunque la simbiosis hizo maravillas en Spiritwalker (1984), She Sells Sanctuary (1985) y Love Removal Machine (1987), y eventualmente se convirtieron en estrellas del heavy-metal.

In The Nursery (2), es decir los gemelos Klive y Nigel Humberstone, eran únicos en la forma en que interpretaban lo gótico en la tradición de la música clásica y la música electrónica. El dúo mezclaba la música cósmica de Klaus Schulze y la música new-age de Constance Demby y progresaba, sobre un número de trabajos formativos, notablemente los EPs Temper (1985) y Trinity (1987) y el sencillo Compulsion (1987), más dos álbumes, hacia la síntesis de idiomas musicales antiguos, tales como el romanticismo teutónico y la decadencia central europea. Su forma favorita, perfeccionada y estilizada en su tercer álbum, Koda (1988), usaba una orquesta sintética para emular la grandilocuencia de Wagner sobre un tempo marcial tipo Marte de Holst. Su música, claramente más inspirada por la música clásica por la tradición rock, tenía una calidad melancólica, visionaria y a veces nostálgica. Sus staccatos sinfónicos, que eran indulgentes en metales y cuerdas, eran embellecidos con collages de muestras. Más allá de simplificar sus composiciones, In The Nursery produjeron trabajos más accesibles como L'Esprit (1990), y eventualmente se convirtieron en un caso de synth-pop pomposo.

Theomania (1988) por los Cassandra Complex ofrecían un psychobilly vehemente a medio camino entre Suicide y los Velvet Underground.

Mientras que era principalmente un generó británico, el dark-punk se esparció eventualmente a la Europa continental también (por ejemplo, La Muerte en Bélgica y Brighter Death Now en Suecia).

El terror expresado por esas bandas era el otro lado de la furia cínica de los roqueros punk. Eran dos diferentes perspectivas en la misma visión de la vida, en el mismo colapso nervioso. Excepto que el "dark punk" se enfocaban la soledad, apatía, claustrofobia, paranoia, y, al final de cuentas, en la necesidad de un apocalipsis catártico.

Hardcore gótico 1980-86

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La escena punk-rock de Los Angeles experimentó brevemente un resurgimiento gótico paralelo al dark-punk británico es. Mientras que no contó mucho, bandas tales como Urinals, 45 Grave, Alex Gibson's Bpeople, T.S.O.L. (True Sounds Of Liberty), Kommunity Fk desempolvaron los cementerios visitados unos años antes por los grupos como Joy Division y Siouxsie Sioux.

Pocos álbumes sobresalieron. Una de las primeras bandas góticas, los Flesh Eaters (1), dirigidos por el literato y visionario Chris Dejardins (el "hombre caballo divino"), grabaron A Minute To Pray A Second To Die (1981), con Dave Alvin de los Blasters y John Doe de X, un álbum que sonaba más como poesía tipo Poe en roots-rock más que un álbum punk.

Christian Death (1), la criatura siniestra del vocalista Rozz Williams, acuñó las baladas arcanas y atmosféricas de Only Theatre Of Pain (1982), las cuales serían influyentes en el futuro del rock gótico.

La música gótica fue virtualmente reinventada por Black Tape For A Blue Girl (13), la obra intelectual del tecladista Sam Rosenthal. Mesmerized By The Sirens (1987) fue el manifiesto de su música de cámara electrónica, mientras que Ashes In The Brittle Air (1989) señalaba la creciente confianza de Rosenthal en los teclados electrónicos. A Chaos Of Desire (1991) fue la primera realización completa de su visión, un balance mágico de orquesta y voces, de patetismo y contemplación, un ciclo de baladas barrocas para ensamble de cámara y electrónica atmosférica que era apropiada tanto para pesadillas freudianas y tragedias griegas. Así como la música se hacía más etérea y se desplegaba una calidad neoclásica más fuerte en This Lush Garden Within (1993), Rosenthal acuñó un arte de pinturas mentales con el imponente Remnants Of A Deeper Purity (1996). Sus madrigales melancólicos, puestos en panoramas yermos y desolados, y ejecutados con él aplomo austero de la música sacra, reducía la importancia de las letanías y enfatizaba los zumbidos remplazando el sentido de la condena interna con el sentido del misterio eterno. El experimento empezó con su álbum de concierto para cinco movimientos For You Will Burn Your Wings Upon The Sun fue perseguido en As One Aflame Laid Bare By Desire (1998), el cual llegó aún más profundo en la psique humana. La belleza suntuosa de The Scavenger Bride (2002) marcaba la culminación de su programa de emancipación progresiva de las convenciones musicales.