Entrevista a Jimmy Page y Robert Plant en el Andrew Denton show 1994

Esta es una entrevista realizada a Robert Plant y Jimmy Page, en Australia, durante parte de la gira No Quarter en 1994

Ceremonia de la entrada de Jeff Beck al Rock and roll hall of fame

El sabado 4 de abril, fue la ceremonia para recibir a los nuevos miembros del Rock and Roll Hall of Fame de Cleveland. En esta oportunidad le toco el turno a Jeff Beck, quien ya fuera en otra ocasion recibido como miembro de este numero honroso de musicos que han aportado algo en el desarrollo de la musica.

El encargado de recibir a Jeff Beck, fue su amigo de infancia y musico Jimmy Page, a continuacion ponemos unos videos de la ceremonia

Historia de la guitarra electrica

En los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5. Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.



la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.

Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.

Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”. Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”. Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta. Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros. Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.

Cómo surgió la ideaEl principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.

La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas. A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.

Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento. Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender. Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras. Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores. Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas. En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”. Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.

Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival. La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre: la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas. Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.

La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso. Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta. Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.

Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia. Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.

Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra. Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.

También han probado nuevos materiales: Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera. También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador. Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.

El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión. A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.

En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores. No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo. Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.

Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows

Eddie Cochran

El compositor y cantante Eddie Cochran quien saltó a la fama con la canción "Twenty flight rock", tema de la cinta "The girl can"t help it", que también colocó entre los principales lugares de la lista Billboard los éxitos: "Summertime blues" y "Sittin" in the balcony", nació el 3 de octubre de 1938.

Ray Edward Cochran nació en Albert Lea, Minnesota (Estados Unidos). Hijo menor de Frank y Alice Cochran. En 1949 se trasladó con sus padres y sus cuatro hermanos a California, para residir en la localidad de Bell Gardens.



Desde su adolescencia, Eddie comenzó a tocar la guitarra y en la época escolar formó su primer grupo con Conrad "Guybo" Smith, especializado en la steel guitar y el bajo.

En 1954, Eddie formó un dúo con Hank Cochran, un instrumentista amante de la música country, con el que fundó The Cochran Brothers, fraternal nombre que no concordaba con la realidad, ya que Eddie y Hank no tenían ningún parentesco familiar.

La pareja consiguió publicar sus primeras grabaciones en Ekko Records con los singles "Mr. Fiddle" y "Guilty conscience", dos temas hillbilie que serían continuados por "Tired and sleepy", una canción con la que se iniciaban dentro del rock.



Después de contemplar a Elvis Presley en Dallas, Eddie abrazó efusivamente el rock"n"roll, mientras que Hank terminó alejándose de su compañero para dedicarse a componer dentro de su amado estilo country en Nashville.

El nuevo aliado de Cochran en 1955 sería el baterista Jerry Capehart, con quien estableció una asociación compositiva. Capehart dejó las baquetas para convertirse en representante de Eddie, grabando en el sello Crest temas como "Skinny Jim" "Half loved".



El gran salto del anonimato a la fama de Eddie se produjo cuando intervino en la mítica película "The girl can"t help it" (1956), un filme en el que también aparecía Gene Vincent, que se haría muy amigo de Cochran, al igual que Buddy Holly y Ritchie Valens.

El tema que interpretó Eddie en la película de Frank Tashlin fue "Twenty flight rock". Así, Eddie alcanzó la popularidad entre la audiencia adolescente de la época.

Capehart consiguió que el cantante firmará un contrato discográfico con Liberty Records. Su primer trabajo con este sello fue "Sittin" in the balcony", balada publicada en 1957 y que alcanzó el puesto número 17 en el Billboard.



Su mayor éxito llegó en 1958, cuando grabó "Summertime blues", todo un himno adolescente, versionado posteriormente en multitud de ocasiones, siendo la adaptación más popular la realizada por Los Who en su disco en vivo "Live at Leeds".

La canción, co-escrita con Capehart, llegó hasta el número ocho en las listas estadunidenses. Ese mismo año, consiguió un meritorio resultado en ventas con otro de sus clásicos, "C"mon everybody".

En 1959, Eddie estuvo de gira con Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en el denominado Winter Dance Party Tour. Pero, en febrero de ese año, Cochran abandonó a sus compañeros, pues tenía que grabar la película musical de Paul Landres "Go, Johnny go!".

Sus amigos fallecieron en un accidente de aviación, y Eddie grabó en su honor el tema "Three stars", publicado póstumamente en 1966.

También en 1959, Cochran grabó el sencillo "Somethin" Else", una canción realizada por él y por su novia Sharon Sheeley, una compositora que había sido compañera sentimental de Phil Everly, miembro del dúo The Everly Brothers.

Cochran fue uno de los primeros protagonistas en la historia del rock que compuso y cantó sus propias canciones, al mismo tiempo que experimentaba en el estudio, siendo un adelantado en el overdubbing, hecho inusitado a finales de los 50.

Eddie tenía gran habilidad como guitarrista y escritor de temas irrigados de pasión vital, lo cual, lo convirtió en uno de los pináculos de la mitología del género del rock.

Los últimos sencillos de Cochran obtuvieron un mejor recibimiento en el Reino Unido que en su propio país natal, lo que provocó la marcha del cantante de Minnesota a Inglaterra, donde inició una exitosa gira junto al roquero Gene Vincent.

En 17 de abril de 1960, Vincent, Cochran y Sharon tomaron un taxi para su traslado de Bristol a Londres. El coche sufrió un accidente y Eddie falleció poco después, cuando sólo tenía 21 años.

En mayo de 1960 el single "Three steps to heaven" alcanzó el número uno en las listas inglesas. Después de 27 años, Eddie fue elegido para entrar en el Rock "n" Roll Hall of Fame por su labor pionera en el mundo del rock.

100 mejores canciones con guitarra de la historia, según “Rolling Stone”

1. “Johnny B. Goode,” Chuck Berry
2. “Purple Haze,” The Jimi Hendrix Experience (1967)
3. “Crossroads” Cream (1968)
4. “You Really Got Me” The Kinks (1964)
5. “Brown Sugar” The Rolling Stones (1971)
6. “Eruption” Van Halen (1978)
7. “While My Guitar Gently Weeps” The Beatles (1968)
8. “Stairway to Heaven” Led Zepplin (1971)
9. “Statesboro Blues” The Allman Brothers Band (1971)
10. “Smells Like Teen Spirit” Nirvana (1991)
11. “Whole Lotta Love” Led Zeppelin (1969)
12. “Voodoo Child (Slight Return)” The Jimi Hendrix Experience (1968)
13. “Layla” Derek and the Dominos (1970)
14. “Born to Run” Bruce Springsteen (1975)
15. “My Generation” The Who (1965)
16. “Cowgirl in the Sand” Neil Young with Crazy Horse (1969)
17. “Black Sabbath” Black Sabbath (1970)
18. “Blitzkrieg Bop” Ramones (1976)
19. “Purple Rain” Prince and the Revolution (1984)
20. “People Get Ready” The Impressions (1965)
21. “Seven Nation Army” The White Stripes (2003)
22. “A Hard Day’s Night” The Beatles (1964)
23. “Over Under Sideways Down” The Yardbirds (1966)
24. “Killing In The Name Of” Rage Against The Machine (1992)
25. “Can’t You Hear Me Knocking” The Rolling Stones (1971)
26. “How Blue Can you Get” B.B. King (1965)
27. “Look Over Yonders Wall” The Paul Butterfield Blues Band (1965)
28. “Where the Streets Have No Name” U2 (1987)
29. “Back in Black” AC/DC (1980)
30. “(We’re Gonna) Rock Around the Clock” Bill Haley and His Comets (1954)
31. “Keep Yourself Alive” Queen (1973)
32. “Sultans of Swing” Dire Straits (1978)
33. “Master of Puppets” Metallica (1986)
34. “Walk This Way” Aerosmith (1975)
35. “1969″ The Stooges (1969)
36. “Interstellar Overdrive” Pink Floyd (1967)
37. “That’s All Right” Elvis Presley (1954)
38. “Stay With Me” The Faces (1971)
39. “Black Magic Woman” Santana (1970)
40. “I Can See for Miles” The Who (1967)
41. “Marquee Moon” Television (1977)
42. “Hideaway” John Mayall and the Bluesbreakers (1966)
43. “Holidays in the Sun” The Sex Pistols (1977)
44. “Dig Me Out” Sleater-Kinne (1997)
45. “I Saw Her Standing There” The Beatles (1963)
46. “Miserlou” Dick Dale and the Del-Tones (1962)
47. “Panama” Van Halen (1984)
48. “London Calling” The Clash (1980)
49. “Machine Gun” Jimi Hendrix (1970)
50. “Debaser” Pixies (1989)
51. “Crazy Train” Ozzy Osbourne (1981)
52. “My Iron Lung” Radiohead (1995)
53. “Born on the Bayou” Creedence Clearwater Revival (1969)
54. “Little Wing” Stevie Ray Vaughan (1991)
55. “White Room” Cream (1968)
56. “Eight Miles High” The Byrds (1966)
57. “Dark Star” Grateful Dead (1969)
58. “Rumble” Link Wray (1958)
59. “Freeway Jam” Jeff Beck (1975)
60. “Maggot Brain” Funkadelic (1971)
61. “Soul Man” Sam and Dave (1967)
62. “Born Under a Bad Sign” Albert King (1967)
63. “Sweet Child O’ Mine” Guns n’ Roses (1987)
64. “Freebird” Lyrnyrd Skynyrd (1973)
65. “Message in a Bottle” The Police (1979)
66. “Texas Flood” Stevie Ray Vaughan (1983)
67. “Adam Raised a Cain” Bruce Springsteen (1978)
68. “The Thrill is Gone” B.B. King (1969)
69. “Money” Pink Floyd (1973)
70. “Bullet With Butterfly Wings” Smashing Pumpkins (1995)
71. “Take It or Leave It” The Strokes (2001)
72. “Say It Ain’t So” Weezer (1994)
73. “Summertime Blues” Blue Cheer (1968)
74. “La Grange” ZZ Top (1973)
75. “Willie the Pimp” Frank Zappa (1969)
76. “American Girl” Tom Petty and the Heartbreakers (1976)
77. “Even Flow” Pearl Jam (1991)
78. “Stone Crazy” Buddy Guy (1970)
79. “Silver Rocket” Sonic Youth (1988)
80. “Kid Charlemagne” Steely Dan (1976)
81. “Beat It” Michael Jackson (1982)
82. “Walk — Don’t Run” The Ventures (1960)
83. “What I Got” Sublime (1996)
84. “Gravity” John Mayer (2006)
85. “You Enjoy Myself” Phish (1988)
86. “I Ain’t Superstitious” Jeff Beck (1968)
87. “Red” King Crimson (1974)
88. “Mona” Quicksilver Messenger Service (1969)
89. “I Love Rock N Roll” Joan Jett and the Blackhearts (1981)
90. “How Soon Is Now?” The Smiths (1985)
91. “Drunkship of Lanterns” The Mars Volta (2003)
92. “Memo from Turner” Mick Jagger (1970)
93. “Only Shallow” My Bloody Valentine (1991)
94. “Money for Nothing” Dire Straits (1984)
95. “Omaha” Moby Grape (1967)
96. “New Day Rising” Husker Du (1985)
97. “No One Knows” Queens of the Stone Age (2002)
98. “Under the Bridge” Red Hot Chili Peppers (1991)
99. “Run Thru” My Morning Jacket (2003)
100. “Vicarious” Tool (2006)

100 mejores guitarristas segun la revista Rolling Stone

Esta es la nueva lista de la revista Rolling Stones sobre los 100 mejores guitarristas:

1) Jimi Hendrix
2) Duane Allman of the Allman Brothers Band
3) B.B. King
4) Eric Clapton
5) Robert Johnson
6) Chuck Berry
7) Stevie Ray Vaughan
8) Ry Cooder
9) Jimmy Page of Led Zeppelin
10) Keith Richards of the Rolling Stones
11) Kirk Hammett of Metallica
12) Kurt Cobain of Nirvana
13) Jerry Garcia of the Grateful Dead
14) Jeff Beck
15) Carlos Santana
16) Johnny Ramone of the Ramones
17) Jack White of the White Stripes
18) John Frusciante of the Red Hot Chili Peppers
19) Richard Thompson
20) James Burton
21) George Harrison
22) Mike Bloomfield
23) Warren Haynes
24) The Edge of U2
25) Freddy King
26) Tom Morello of Rage Against the Machine and Audioslave
27) Mark Knopfler of Dire Straits
28) Stephen Stills
29) Ron Asheton of the Stooges
30) Buddy Guy
31) Dick Dale
32) John Cipollina of Quicksilver Messenger Service
33) Lee Ranaldo of Sonic Youth
34) Thurston Moore of Sonic Youth
35) John Fahey
36) Steve Cropper of Booker T. and the MG's
37) Bo Diddley
38) Peter Green of Fleetwood Mac
39) Brian May of Queen
40) John Fogerty of Creedence Clearwater Revival
41) Clarence White of the Byrds
42) Robert Fripp of King Crimson
43) Eddie Hazel of Funkadelic
44) Scotty Moore
45) Frank Zappa
46) Les Paul
47) T-Bone Walker
48) Joe Perry of Aerosmith
49) John McLaughlin
50) Pete Townshend
51) Paul Kossoff of Free
52) Lou Reed
53) Mickey Baker
54) Jorma Kaukonen of Jefferson Airplane
55) Ritchie Blackmore of Deep Purple
56) Tom Verlaine of Television
57) Roy Buchanan
58) Dickey Betts
59) Jonny Greenwood of Radiohead
60) Ed O'Brien of Radiohead
61) Ike Turner
62) Zoot Horn Rollo of the Magic Band
63) Danny Gatton
64) Mick Ronson
65) Hubert Sumlin
66) Vernon Reid of Living Colour
67) Link Wray
68) Jerry Miller of Moby Grape
69) Steve Howe of Yes
70) Eddie Van Halen
71) Lightnin' Hopkins
72) Joni Mitchell
73) Trey Anastasio of Phish
74) Johnny Winter
75) Adam Jones of Tool
76) Ali Farka Toure
77) Henry Vestine of Canned Heat
78) Robbie Robertson of the Band
79) Cliff Gallup of the Blue Caps (1997)
80) Robert Quine of the Voidoids
81) Derek Trucks
82) David Gilmour of Pink Floyd
83) Neil Young
84) Eddie Cochran
85) Randy Rhoads
86) Tony Iommi of Black Sabbath
87) Joan Jett
88) Dave Davies of the Kinks
89) D. Boon of the Minutemen
90) Glen Buxton of Alice Cooper
91) Robby Krieger of the Doors
92) Fred "Sonic" Smith of the MC5
93) Wayne Kramer of the MC5
94) Bert Jansch
95) Kevin Shields of My Bloody Valentine
96) Angus Young of AC/DC
97) Robert Randolph
98) Leigh Stephens of Blue Cheer
99) Greg Ginn of Black Flag
100) Kim Thayil of Soundgarden

B B King

Riley B. King mejor conocido como B. B. King, nacido el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Misisipi, es un famoso guitarrista de blues y compositor.

Carrera

B. B. King es considerado como el mejor guitarrista de blues que ha tenido la historia de la música [cita requerida]. Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s.



Años de grabación En 1947, B. B. King comenzó grabando canciones bajo contrato con Los Ángeles basado en RPM Records. Muchos de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de "Beale Street Blues Boy", luego abreviado B. B.

En los 1950s, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como "You Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "Whole Lotta Love," "You Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin' Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My Love". En 1962, King firmó con ABC-Paramount Records.



En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum Live at the Regal en el Teatro Regal en Chicago, Illinois.

Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, "The Thrill Is Gone", la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B, lo cual fue raro para un artista R&B. También se elevó al puesto 193 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la revista Rolling Stone. Ganó visibilidad en la abertura del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los éxitos de King continuaron durante los 1970s con canciones como "To Know You Is to Love You" y "I Like to Live the Love." Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard unas impresionantes 74 veces.


Corriente dominante

Los 1980s, 1990s y 2000s vieron a King grabando menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se lo ve con más movimiento y realizando 300 noches en un año. En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans con el tema "When Love Comes To Town", junto a la banda Irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum. En 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar Riding with the King.

En 2003, King se mostró en el escenario con la banda de rock Phish en Nueva Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.



En junio de 2006, King estuvo presente en la conmemoración de su primer transmisión de radio en Three Deuces Building en Greenwood, Misisipi, donde una marca oficial del Mississippi Blues Trail fue construida.

B. B. King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton. En el DVD él toca "Rock Me Baby" junto a Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan.

Durante los años más de 100 conciertos de B. B. King han sido emitidos, al menos en parte, en radio y TV a muchos países.


Gira de despedida

A los 80 años, el 29 de marzo de 2006, King tocó en el Sheffield's Hallam Arena. Esta fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Europa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero convertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha previamente realizado otras giras, incluyendo la canción "Since I Met You Baby". Esta gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena.

En julio, B. B. volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio) en la décimo cuarta edición del Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el "Blues at Sunset" el 14 de julio. Durante su último show en Montreux en el Salón Stravinski tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendricks y George Duke. La Gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006 en el estadio D'Coque.




Entre noviembre y diciembre, King tocó seis veces en Brasil.

Durante una conferencia de prensa el 29 de noviembre en São Paulo, un periodista le preguntó a King si aquella sería la verdadera gira de despedida. Él contestó: "Uno de mis actores favoritos es un hombre de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de ustedes lo deben conocer como James Bond, 007. Hizo una película llamada "Never Say Never Again" (Nunca digas nunca jamás).


Vida personal

B. B. King ha sido un piloto licenciado, un conocido jugador y es también un vegetariano, no bebedor y no fumador.[1] King ha vivido con diabetes por casi diez años y ha sido un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.

El 26 de enero de 2007, durante una gira, King fue hospitalizado en Galveston, Texas debido a un bajo grado (100.4ºF, 38ºC) de fiebre luego de un reciente ataque de influenza. Fue dado de alta el 27 de enero, tras una estadía de una noche.[2] Tuvo tiempo para terminar su gira, con su actuación el 30 de enero.


Filantropía

King es un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Forma parte de la tabla de organizaciones de los directores como miembro honorario.



Lucille

Lucille es el nombre de la guitarra más famosa de B.B. King. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille. [3]


Curiosidades

El Boxeador Sonny Liston fue tío de King.[4]
De acuerdo a una lista de la revista Rolling Stone de 2003, King es el guitarrista más grande en vida, y ocupa el tercer puesto entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (detrás de Jimi Hendrix y Duane Allman).[5]
El argentino Norberto "Pappo" Napolitano, guitarrista, cantante y compositor de blues, rock y metal argentino conocio a B. B. King, quien lo invitó a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1994.
Es mencionado en la canción "Dig It" de los Beatles.
Su cantante favorito es Frank Sinatra. En su autobiografía King habla acerca de cómo era, y es, un "Fanático de Sinatra" y cómo iba a la cama todas las noches escuchando el álbum de clásicos de Sinatra In the Wee Small Hours. King ha acreditado a Sinatra por abrirle las puertas a los artistas negros a los que no se les dio la oportunidad de tocar en lugares dominados por "blancos". Sinatra tenía a B. B. King en los principales lugares en los que cantaba en las Vegas durante los años 1960.[6]
Ha participado como invitado en numerosos programas de televisión muy populares en los Estados Unidos, incluyendo a "The Cosby Show,[7] " "The Young and the Restless,[7] " "Hospital General[cita requerida]," "El Príncipe del Rap,[7] " "Plaza Sésamo," "Married... with Children[7] " y "Sanford and Son.[7] "
King ha usado otras guitarras además de las encarnaciones de "Lucille", como una Fender Telecaster, Gibson ES-330, Gibson ES-335, Gibson ES-345, Gibson ES-5, y Gibson ES-175.[cita requerida]
Cada año, durante la primera semana de junio, se celebra un festival de regreso al hogar para B. B. King en Indianola.[cita requerida]
Se dice que King tiene 15 hijos.[8] [9]

Discografía

B.B. King
Álbums

Singin' The Blues (1957)
King of the Blues (1960)
My Kind of Blues (1960)
Live at the Regal (Live, 1965)
Lucille (1968)
Live and Well (1969)
Completely Well (1969)
Indianola Mississippi Seeds (1970)
B. B. King in London (1971)
Live in Cook County Jail (1971)
Lucille Talks Back (1975)
Midnight Believer (1978)
Live "Now Appearing" at Ole Miss (1980)
There Must Be a Better World Somewhere (1981)
Love Me Tender (1982)
Why I Sing the Blues (1983)
B. B. King and Sons Live (Live, 1990)
Live at San Quentin (1991)
Live at the Apollo (Live, 1991)
There is Always One More Time (1991)
Deuces Wild (1997)
Blues On The Bayou (1998)
Riding with the King (2000)
Reflections (2003)
The Ultimate Collection (2005)
B. B. King & Friends: 80 (2005)
One Kind Favor (2008)

Temas seleccionados

"Miss Martha King" (1949, Bullet)
"Got the Blues" (1949)
"Mistreated Woman" (1950, RPM)
"The Other Night Blues" (1950)
"I Am" (1950)
"My Baby's Gone" (1950)
"B. B. Blues" (1951)
"She's a Mean Woman" (1951)
"Three O'Clock Blues" (1951)
"Fine-Looking Woman" (1952)
"Shake It Up and Go" (1952)
"Someday, Somewhere" (1952)
"You Didn't Want Me" (1952)
"Story from My Heart and Soul" (1952)
"Woke Up This Morning With A Bellyache" (1953)
"Please Love Me" (1953)
"Neighborhood Affair" (1953)
"Why Did You Leave Me" (1953)
"Praying to the Lord" (1953)
"Love Me Baby" (1954)
"Everything I Do Is Wrong" (1954)
"When My Heart Beats Like a Hammer" (1954)
"You Upset Me Baby" (1954)
"Sneaking Around" (1955) R&B: #14
"Every Day I Have the Blues" (1955) R&B: #8 1
"Ten Long Years" (1955) R&B: #9 2
"I'm Cracking Up Over You" (1956)
"Crying Won't Help You" (1956) R&B: #15
"Did You Ever Love a Woman?" (1956)
"Dark Is the Night, Pts. I & II" (1956)
"Sweet Little Angel" (1956) R&B: #6
"Bad Luck" (1956) R&B: #3 3
"On My Word of Honor" (1956) R&B: #3
"Early in the Morning" (1957)
"How Do I Love You" (1957)
"I Want to Get Married" (1957) R&B: #14
"Twoubles, Twoubles, Twoubles" (1957) R&B: #13 4
"(I'm Gonna) Quit My Baby" (1957)
"Be Careful with a Fool" (1957) Pop: #95 5
"The Keyblade to My Kingdom" (1957)
"Why Do Everything Happen to Me" (1958, Kent)
"Don't Look Now, But You Got the Blues" (1958)
"Please Accept My Love" (1958) R&B: #9
"You've Been an Angel" (1958) R&B: #16 6
"The Fool" (1958)
"A Lonely Lover's Plea" (1959)
"Time to Say Goodbye" (1959)
"Sugar Mama" (1959)
"Sweet Sixteen, Pt. I" (1960) R&B: #2
"Peace of Mind" (1961) R&B: #7 7
"How Blue Can You Get" (1964, ABC) Pop: #97 8
"Help the Poor" (1964, ABC) Pop: #98 8
"The Worst Thing in My Life" (1964, Kent)
"Rock Me Baby" (1964) Pop: #34 8
"Never Trust a Woman" (1964) Pop: #90 8
"Don't Answer the Door, Pt. I" (1966, ABC) R&B: #2 Pop: #72
"I Say in the Mood" (1966, Kent) R&B: #45
"Paying the Cost to Be the Boss" (1968, Bluesway) R&B: #10 Pop: #39
"I'm Gonna Do What They Do to Me" (1968) R&B: #26 Pop: #74
"The B. B. Jones" (1968) Pop: #98
"You Put It on Me" (1968) R&B: #25 Pop: #82 9
"The Woman I Love" (1968) R&B: #31 Pop: #94
"Get Off My Back Woman" (1969) R&B: #32 Pop: #74 10
"Why I Sing the Blues" (1969) R&B: #13 Pop: #61
"Just a Little Love" (1969) R&B: #15 Pop: #76
"I Want You So Bad" (1969) R&B: #34
"The Thrill Is Gone" (1970) R&B: #3 Pop: #15
"So Excited" (1970) R&B: #14 Pop: #54
"Hummingbird" (1970) R&B: #25 Pop: #48
"Worried Life" (1970) R&B: #48
"Ask Me No Questions" (1970, ABC) R&B: #18 Pop: #40
"Chains and Things" (1970) R&B: #6 Pop: #45
"Help the Poor" (1971, re-grabación) R&B: #36 Pop: #90
"Ghetto Woman" (1971) R&B: #18 Pop: #40
"The Evil Child" (1971) R&B: #34 Pop: #97
"Sweet Sixteen" (1972, re-grabación) R&B: #37 Pop: #93
"I Got Some Help I Don't Need" (1972) R&B: #28 Pop: #92
"Ain't Nobody Home" (1972) R&B: #28 Pop: #46
"Guess Who" (1972) R&B: #21 Pop: #62
"To Know You Is to Love You" (1973) R&B: #12 Pop: #38
"I Like to Live the Love" (1974) R&B: #6 Pop: #28
"Who Are You" (1974) R&B: #27 Pop: #78
"Philadelphia" (1974) R&B: #19 Pop: #64
"Friends" (1975) R&B: #34 11
"Let the Good Times Roll" (1976) R&B: #20
"Slow and Easy" (1977) R&B: #88
"Never Make a Move Too Soon" (1978) R&B: #19
"I Just Can't Leave Your Love Alone" (1978) R&B: #90
"Better Not Look Down" (1979) R&B: #30
"There Must Be a Better World Somewhere" (1981) R&B: #91
"Into the Night" (1985) R&B: #15
"Big Boss Man" (1985) R&B: #62
"When Love Comes to Town" (1988, con U2) Rock: #2 Pop: #68 12
"The Blues Come Over Me" (1992) R&B: #63
"Riding with the King" (2000, con Eric Clapton) Rock: #26

Notas:

"Everyday I Have the Blues" fue el lado-b de "Sneaking Around."
"Ten Long fue el lado-b de "What Can I Do (Just Sing the Blues)."
"Bad Luck" fue el lado-b de "Sweet Little Angel."
"Troubles, Troubles, Troubles" fue el lado-b de "I Want to Get Married."
"Be Careful with a Fool" fue el lado-b de "(I'm Gonna) Quit My Baby."
"You've Been an Angel" fue el lado-b de "Please Accept My Love."
"Peace of Mind" fue el lado-b de "Someday Baby."
La Revista Billboard no publicó la lista de éxitos de R&B entre noviembre de 1963 y enero de 1965.
"You Put It On Me" fue el lado-b de "The B.B. Jones."
"Get Off My Back Woman" fue el lado-b de "I Want You So Bad."
"Friends" fue el lado-b de "My Song."
"When Love Comes to Town" fue el primer sencillo de B.B. King en entrar a la lista de éxitos Mainstream Rock Tracks Billboard.

Grabaciones aún no categorizadas

Blues Summit; 1993
How Blue Can You Get? Live Performances; 1996
Deuces Wild; 1997
Take it Home; 1998
His Best - The Electric B. B. King; 1998
Completely Well; 1998
Greatest Hits; 1998
Blues on the Bayou; 1998
Millennium Collection - 20th Century Masters; 1999
His Definitive Greatest Hits; app. 1999
Live in Japan; 1999
Let the Good Times Roll; 1999
Makin' Love is Good for You; 2000
Anthology; 2000
Live at San Quentin (Remastered); 2001
Here & There - The Uncollected B.B. King; 2001
A Christmas Collection of Hope; 2001
Blues is King; 2002
Christmas Collection - 20th Century Masters; 2003
Reflections; 2003
Before the night is over-Last man standing; 2006

Videografía

The Electric B. B. King - His Best (1960)
Great Moments with B. B. King (1981)
The King of the Blues: 1989 (1988)
Got My Mojo Working (1989)
King of the Blues (Box Set, 1992)
Why I Sing the Blues (1992)
B. B. King: Live By Request (2003) DVD
Martin Scorsese Presents the Blues: B. B. King; (2003)
Ultimate Collection (2005)

Honores y condecoraciones

King fue premiado con la Medalla Nacional de Artes en 1990.[10]
En 2004, fue premiado con un honorario Ph.D de la Universidad de Misisipi y la Real Academia Sueca de música lo galardonó con el Premio de Música Polar, por sus "significantes contribuciones al blues".
El 15 de diciembre de 2006, el Presidente de Estados Unidos George W. Bush premió a King con la Medalla Presidencial de la Libertad.[11]
Premios Grammy - King recibió un Premio Grammy por Logros en la Vida en 1987.[12] Ganó el premio Grammy por Mejor Álbum Tradicional nueve veces, en 2006 (por B. B. King & Friends: 80), 2003 (por A Christmas Celebration of Hope), 2001 (por Riding with the King), 2000 (por Blues on the Bayou), 1994 (por Blues Summit), 1992 (por Live at the Apollo), 1991 (por Live at San Quentin), 1986 (por My Guitar Sings the Blues) and 1984 (por Blues 'N' Jazz). En 1982, ganó el Grammy por Mejor Grabación de Folk Étnica o Tradicional (por There Must Be a Better World Somewhere). El Grammy por Mejor Folk Tradicional o Étnico fue entregado por última vez en 1986; el Grammy por mejor Álbum de Blues Tradicional fue entregado por primera vez en 1983. En 1997, ganó un Grammy por Mejor Performance Instrumental de Rock (junto a otros artistas, para "SRV Shuffle"). En 1971, ganó el Grammy por Mejor Performance Vocal Masculina R&B (por "The Thrill is Gone"). Un Premio Grammy en el Salón de la Fama fue dado a "The Thrill is Gone" en 1998, además de otro dirigido a las grabaciones que tienen como mínimo 25 años y que tienen un "significado específico o histórico."[13]
King fue galardonado con el "Centro de Honores Kennedy" en 1995. Esto se hace para reconocer "los cumplimientos y extraordinarios talentos de la vida de los más prestigiosos artistas de nuestra Nación."[14]
B.B. King ocupa el tercer puesto en la lista de "Los 100 mejores Guitarristas de la Historia", elaborada por la revista Rolling Stone, sólo por detrás de Duane Allman y Jimi Hendrix.

Referencias

↑ http://www.guitarworld.com/allaccess/interviews/bb-king.html
↑ Associated Press. «B. B. King dado de alta de hospital de Texas», Houston Chronicle, 27 de enero de 2007. Consultado el 2007-01-28.
↑ [http://www.worldblues.com/bbking/prairie/lucille.html B.B. King: Lucille Speaks
↑ "El Diablo y Sonny Liston" por Nick Tosches, 2000, ISBN 0-316-89775-2
↑ The 100 Greatest Guitarists of All Time : Rolling Stone
↑ Blue All Around Me, 1999, BB King y Daniel Ritz
↑ a b c d e IMDb. «B.B. King». Consultado el 2007-02-06.
↑ BB King
↑ http://www.guitarworld.com/allaccess/interviews/bb-king.html
↑ Lista de Condecorados con la Medalla Nacional de Artes en el sitioweb de NEA
↑ Lista de Condecorados con la Medalla Presidencial de la Libertad en el sitioweb del Senado de los Estados Unidos
↑ Ganadores del Premio Grammy por Logros en la Vida
↑ Base de Datos de Grammy
↑ Kennedy Center Records

Frases célebres

Wikiquote

Wikiquote alberga frases célebres de B. B. King.
"Tú tienes un alma, tú tienes un corazón, tú tienes el sentimiento de que tu música es vida. La vida que vivimos en el pasado, la vida que estamos viviendo hoy y la vida que creo que viviré mañana."
"Yo creo que hay un lugar para tocar la guitarra. Hay un lugar para cantar el blues."

Led Zeppelin en el O2 Arena en Londres - 11 Diciembre 2007

http://www.publico.es/agencias/efe/026267/led/zeppelin/llevara/londres/reunion/esperada/rock

Eléctrico, contagioso, virtuoso, tremebundo. Salió Led Zeppelin y los 18.000 espectadores del O2 Arena se pusieron en pie con las primeras notas de Good Times Bad Times, llevados más que por un mito por la realidad de lo que apuntaba a un super-concierto.

Y eso que los Led Zep no salieron en plan histriónico sino más bien sobrios, vestidos de oscuro y en el caso de Jimmy Page, siempre un dandy, con traje y chaleco y el pelo ya blanco.



La negra tela que cubría el fondo del escenario se abrió para descubrir una enorme pantalla en la que se proyectaban desde figuras geométricas minimalistas a detalles de los músicos que de pronto podían cambiar distorsiones de la imagen, pura sicodelia.Ellos no solo parecían más limpios y menos pretenciosos, daban la impresión de estar pasándoselo enorme y encima de sentirse emocionados.

Robert Plant dijo : "Hemos sentido mil emociones las ultimas seis semanas al reunirnos nosotros y traer a Jason (Bonham, hijo del fallecido batería)". Otro momento dejó claras las cosas desde un principio cuando Page definió Trampled Under Foot como, "la forma en que Led Zep ataca el blues", es decir rápido, duro, en plan sicodélico. Un periodista holandés Jean Paul Heck les vió hace mil años aseguraba que están incluso mejor que en los setenta, con mas estilo y sin los abusos de drogas.



La gente estaba de un humor mejor que excelente que llegó al delirio con Black Dog o Stairway To Heaven, dos de tantos clásicos esperados. Los únicos molestos fueron los hermanos Gallagher siempre dispuestos a montar el número.

La larga velada había comenzado con la presentación de Harvey Goldsmith y con un interminable instrumental con músicos de ELP y Yes. Sin embargo, ni Keith Emerson, ni Chris Squire, ni Alan White, ni luego Bill Wyman lograron encender a un personal expectante aunque educado. Hizo falta que saliera el gran Paul Rodgers, cantante que fue de Free y Bad Company y ahora de Queen para que la gente se decidiera a moverse. Claro que All Right Now es mucha canción.



Durante estos prolegómenos podían contemplarse detalles como un escenario de apariencia pobre, una simple tela negra con dos crespones que aludían al acto caritativo y sendas grandes pantallas a los lados. Nada que ver, parecía, con unos Stones, un Prince o unos U2.

Antes de esto y en la entrada del O2 arena todo eran inmensas colas. Colas para recoger las invitaciones, para entrar, para comprar recuerdos... Y en esas colas la presencia española de famosos y menos famosos en conversación. Sí, el mismísimo Mariscal Romero, dueño de las ondas rockeras en los setenta, charlaba con los españoles agraciados en el sorteo, Nico Bech y su hermano Paco. Sevillanos a quienes la broma les va a costar casi 1.000 euros por cabeza, pero que se animan mucho cuando se les comenta que el concierto durará dos horas: "Bueno, merecerá la pena el esfuerzo".



Aquí ya se iba viendo que el público en general superaba los cuarenta años y que sería mucho más masculino que femenino.La historia de esta historia comenzó el pasado 12 de Septiembre, cuando Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones, los tres miembros del grupo que restan tras las muerte del batería John Bonham en 1980, anunciaron una reunión única para un concierto benéfico (de ahí los más de 250 euros por entrada). A partir de ese momento se desató la locura. Lógico, la mayor banda de los setenta llevaba lustros sin ofrecer un concierto íntegro y sin editar un disco de material original desde 1979 con In Through The Out Door.

Unos 20 millones de personas se apuntaron en una lista de espera que luego quedó reducida a un millón. De ahí salieron los agraciados de la loto de las 18.000 entradas puestas a la venta. Las medidas de seguridad han rozado el absurdo, con la prohibición de comprar localidades si no es con una tarjeta de crédito a nombre del comprador (lo cual ha dejado teóricamente fuera a muchos ciudadanos, sobre todo jóvenes) y haciendo que los fans recogieran este último fin de semana las entradas-brazalete que les han permitido entrar en el O2 Arena.

El gusanillo del directo despertó meses atrás con una propuesta de Harvey Goldsmith. El promotor británico ofreció a Led Zep el plato de fuerte de una velada en homenaje al fundador del sello Atlantic, Ahmet Ertegun. Los tres supervivientes picaron el anzuelo. Convocaron al hijo de Bonham, el también batería Jason, a un local a las afueras de Londres, el pasado 10 de junio. Tocaron varias piezas los astros comenzaron alinearse. "Fue catártico, terapéutico", ha comentado Plant.

En realidad esta actuación estaba prevista para el pasado 26 de Noviembre, pero no pudo ser porque a principios de ese mes el guitarrista, Jimmy Page, se rompió el meñique de la mano derecha. No es que ese dedo se use mucho en guitarra eléctrica, pero el caso es que hubo de retrasarse la fecha para evitar males mayores.

De todas formas y aunque según una encuesta en la Web de la BBC dijera que nadie esperaba que los Zeppelines fueran a recapturar su antigua gloria, el poderío del grupo no iba a dejar que eso sucediera. Y así ha sido. Uno de los mayores grupos de pop-rock de la historia ha vuelto. Quizás incluso saquen nuevo disco. Pero no es necesario, ayer bajaron del cielo y mostraron que siguen vivos aunque mayores. Fue suficiente.

Dead Kennedys

Historia

Primera época: fines de los 70

En 1978, East Bay Ray (Raymond Pepperell Jr.) un joven enamorado del Rock and Roll y la música surf pone un anuncio buscando gente para formar un grupo. A éste responde Eric Boucher, conocido como Jello Biafra. Biafra que al volver de Londres estaba impresionado por el punk, decidió formar un grupo cuando vio un concierto de los Ramones en Denver. Ambos contactan con Klaus Flouride (Geoffrey Lyall), y 6025 (Carlos Cadona). En junio nacen los Dead Kennedys. Graban su primera maqueta con East Bay Ray a la guitarra, Biafra como cantante, Klaus como bajista y 6025 a la batería. Buscando un batería con más experiencia contactan con Ted (Bruce Slesinger), pasando 6025 a la segunda guitarra. Dan su primer concierto en un restaurante filipino Fab Mab, en el norte de San Francisco. A partir de enctonces comienzan a tocar regularmente, aunque, debido a lo provocativo de sus nombre (Los Kennedys Muertos), lo hacen muchas veces con otros nombres como The Sharks, The Creamsicles, Decay o The Pink Twinkies.



En 1979 6025 abandona la banda, debido a diferencias musicales con Biafra. Graban California Über Alles, su primer single para Alternative Tentacles Records, la propia discográfica de Biafra. La canción es una feroz crítica al entonces gobernador ultra conservador de California Jerry Brown. El título de la canción hace referencia a la canción patriótica alemana "Das Lied der Deutschen", que fue adoptada como expresión de superioridad racial durante la Alemania Nazi.

Durante el año, Biafra presenta su candidatura a la alcaldía de San Francisco con el objetivo de ridiculizar el proceso electoral. Su eslogan es “There’s always room for Jello” (“Siempre hay lugar para Jello”), y presenta entre otras propuestas que los ejecutivos y los banqueros vistiesen con trajes de payaso o que a los policías los eligiesen los vecinos de los barrios en los que patrullen. En el proceso recibe más de 6000 votos, quedando el cuarto de diez candidatos.



Son invitados a una ceremonia de entrega de Bay Area Music Awards. Aparecen vestidos con camisas blancas con una “S” pintada con spray y corbatas negras (quedando así el símbolo del dólar: $) e interpretan una canción compuesta expresamente para esa ocasión: “Pull my strings”, en la que atacan a los empresarios de la música y a los artistas mainstream. No volvieron a ser invitados a la ceremonia, ni grabaron la canción en ningún álbum, pero incluyeron el tema en directo en el recopilatorio Give Me Convenience or Give Me Death (Alternative Tentacles, 1987).

En 1980 Publican su segundo single, el antimilitarista Holiday in Cambodia, en el que cargan contra los Marines estadounidenses. Ese mismo año publican su primer LP, Fresh Fruit for Rotting Vegetables. El LP incluye “California Über Alles” y “Holiday in Cambodia”, y le precede el single Kill the Poor, en el que Biafra ironiza con acabar con todos los pobres para conseguir una sociedad limpia. La canción es entendida por muchos de manera literal, así como “California Über Alles” (que se convirtió en una expresión muy usada por los jóvenes californianos de extrema derecha), lo que les empieza a acarrear sus primeros problemas y el ser tildados de fascistas. Sus conciertos son vigilados por fuerzas policiales y, a pesar de sus problemas, su popularidad se dispara dentro y fuera de Estados Unidos de América, llegando a ser disco de oro en el Reino Unido (llegó al número 33 de las listas de este país).



En 1981 Ted abandona y es substituido por D.H. Peligro (Darren Henley). Con la nueva formación publican los singles Too Drunk to Fuck y Nazi Punks Fuck Off’, donde arremeten contra el uso de iconografía nazi por parte de los punks (hay muchas fotografías en las que se ve a Sid Vicious luciendo una camiseta con una esvástica). Parece ser que la canción lleva alguna alusión velada al grupo de punk escocés The Exploited. En una gira por el Reino Unido, Jello Biafra protagoniza una pelea con Wattie Buchan, líder de The Exploited. Biafra realizó unas declaraciones en las que dijo que “The Exploited y la Policía son lo mismo”, debido a los supuestos contactos y connivencia de The Exploited con el partido ultraderechista inglés National Front. La banda escocesa responde con dos temas: “I Hate You” (dedicada a Biafra) y “Fuck The U.S.A” (dedicada a Dead Kennedys).

A finales del año publican el EP In God we trust, Inc (en el que incluyen el tema “Nazi Punks Fuck Off”). El disco contiene numerosos temas en los que se ataca a la derecha religiosa estadounidense. La canción “We’ve Got a Bigger Problem Now” es una versión de “California Über Alles” dedicada esta vez a Ronald Reagan. En esta época comienzan los roces entre Biafra y East Bay Ray cuando, según el primero, East presiona al resto del grupo para firmar un contrato con Polydor Records, una multinacional, a lo que Biafra se opone frontalmente, amenazando con dejar el grupo si sucede así.

Durante la campaña electoral de 1981, Dead Kennedys organizan conciertos de protesta frente a actos tanto del Partido Republicano como del Demócrata. Los conciertos se realizaban bajo férreas medidas de seguridad, llegando a realizarse cargas policiales en muchos de ellos.

En 1982 aparece Plastic Surgery Disasters, su segundo LP de estudio. El disco es una feroz crítica al “American way of life”, cargando contra la familia patriarcal, la televisión como forma de control social, la destrucción del medio ambiente, el imperialismo estadounidense y la derecha religiosa. Realizarán una gira de casi dos años por Estados Unidos de América, Canadá, Australia y diferentes países europeos.

Hasta 1985 no aparece su siguiente álbum, Frankenchrist, que les enfrenta con el Parents Music Resource Center (PMRC), una organización para la defensa de la moral y las buenas costumbres y que contaba con estrechos vínculos con líderes diferentes organizaciones religiosas (como Jerry Falwell y Pat Robertson). El motivo fue la inclusión en el disco de un póster con la ilustración “Penis Landscape” (“El paisaje del pene”), obra del dibujante suizo H. R. Giger. Musicalmente es su disco más ecléctico y experimental, las canciones se ralentizan (incluyen menos cortes de lo habitual) y se introducen efectos electrónicos e instrumentos como trompetas, sintetizadores o un Bellzouki eléctrico. Lo que no cambia es la lengua afilada de Biafra, criticando abiertamente el establishment socio-político con temas como “Hellnation”, “Stars and Stripes of Corruption” o “MTV – Get Offf the Air”.

1986 es el año de su disolución, debida, fundamentalmente, a enfrentamientos entre Biafra y el resto de la banda (particularmente virulentos con East Bay Ray y Klaus Flouride). En febrero dan su último concierto.

El PMRC contrata a un prestigioso bufete de abogados para demandar al grupo por de "distribución de material obscena para menores". La campaña contra los Dead Kennedys la lideran Tipper Gore y Susan Baker, junto a sus maridos Al Gore y James Baker, respectivamente, entonces miembros del Senado estadounidense. En junio de 1986 se celebra el juicio, y son condenados, cada uno, a un año de prisión y 2000 dólares de multa. Numerosas tiendas retiran Frankenchrist de sus estantes y la continuidad de Alternative Tentacles se ve seriamente amenazada.

Durante el juicio aparece su último disco, Bedtime for Democracy, en el que dejan de lado los experimentos de Frankenchrist y vuelven a la velocidad que caracterizaba a sus primeros trabajos. El disco lo lanzan a modo de obtención de fondos para costear el juicio, y se pone en marcha una campaña en defensa de la libertad de expresión en la que reciben el apoyo de músicos como Frank Zappa, Crass y las bandas de Alternative Tentacles.

En 1987 aparece la recopilación Give Me Convenience or Give Me Death, que contenía los temas inéditos “Pull my Strings” y una versión de “I Fought the Law”. Este año termina el proceso y son absueltos de todos los cargos.


Juicios y Reuniones

En el año 2000 la banda decidió reunirse de nuevo, aunque esta vez sin Jello Biafra, tras una serie de juicios por los derechos de la banda. La banda comenzó a tocar con Brandon Cruz como vocalista, sustituido en mayo de 2003 por Jeff Penalty.


Miembros

Miembros actuales:

Jeff Penalty: voz (2003- )
East Bay Ray: guitarra (1978-1986, 2001- )
Klaus Flouride: bajo (1978-1986, 2001- )
D.H. Peligro: batería (1981-1986, 2001- )

Miembros anteriores

Jello Biafra: voz (1978-1986)
Brandon Cruz: voz (2001-2003)
6025: batería (1978), segunda guitarra (1978-1979)
Ted : batería (1978-1981)

Discografía
Publicaron casi todos sus trabajos en su propia discográfica: Alternative Tentacles.


Álbumes

Fresh Fruit for Rotting Vegetables (1980).
Plastic Surgery Disasters (Alternative Tentacles, 1982).
A Skateboard Party (Alternative Tentacles/Starving Missile Records, 1983). Concierto de la gira europea de 1982. Grabado en Múnich, Alemania.
Frankenchrist (Alternative Tentacles, 1985).
Bedtime For Democracy (Alternative Tentacles, 1986).
Give Me Convenience or Give Me Death (Alternative Tentacles,1987). Recopilatorio.
Mutiny on the Bay (Manifiesto, 2001). Material en directo de la primera época de la banda (1980-1986).
Live at the Deaf Club (Manifiesto, 2004). Directo grabado en la sala Club of the Deaf el 3 de marzo de 1979.

Singles y EP's

California Über Alles (Alternative Tentacles, 1979).
Holiday in Cambodia (Alternative Tentacles, 1980).
Kill The Poor (Alternative Tentacles, 1980).
In God We Trust Inc. (Alternative Tentacles, 1981). EP.
Too Drunk to Fuck (Alternative Tentacles, 1981).
Nazi Punks fuck off (Alternative Tentacles, 1981).
Bleed For Me (Alternative Tentacles, 1982).
Halloween (Alternative Tentacles, 1982).

Vídeos

The Early Years Live (Alternative Tentacles, 1987). VHS. Reeditado en DVD por Decay Records.
The Lost Tapes (Decay, 2003). DVD.
Live at DMPO's on Broadway (Cherry Red, 2004). DVD.

Roxy Music

Roxy Music es un grupo de rock surgido en la primera mitad de los años 1970 que representa el movimiento glam rock en todo su caótico y ambiguo poder. La música de Roxy Music constituye una bizarra mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock 'n' roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música actual: Brian Eno.



La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el Disco, punk, New wave, New Romantic, synth pop y uno de los pioneros indiscutibles del Dance con la canción "Angel Eyes"[1] del año 1979.


Historia

En el invierno entre 1970 y 1971, Bryan Ferry puso un aviso solicitando un teclista para colaborar con él y con Graham Simpson, un bajista que conocía de su banda "The Gas Board". Andy Mackay respondió al aviso, aunque no era teclista sino saxofonista y oboeista, pero tenía un sintetizador VCS3. Andy había conocido a Brian Eno en la universidad (ambos estaban interesados en la música avantgarde y electrónica). Al poco tiempo ambos se encontraron, y como Brian podía tocar el sintetizador, Andy lo convenció para que se uniera a la banda. Luego de que Dexter Lloyd (un timpanista) dejara la banda, se unió a la banda el baterista Paul Thompson (en junio de 1971), y un tiempo más tarde Phil Manzanera se convirtió en el guitarrista.



El primer single de la banda fue "Virgina Plain", que llegó al cuarto puesto en las listas británicas. La banda logró mucha popularidad en su país y en el resto de Europa, pero en Estados Unidos sólo obtuvo buenas críticas y se convirtió en un grupo de culto. Su primer álbum fue autotitulado e introdujo un sonido original y cercano al glam, y luego de la grabación del mismo, Simpson deja la banda y es reemplazado por John Gustafson. Tras grabar el segundo álbum ("For Your Pleasure"), Eno deja la banda por diferencias creativas con Ferry (tras lo cual comienza una extensa e importante carrera solista y como productor) y es reemplazado por Eddie Jobson (teclista y violinista).

La partida de Eno consolidó el liderazgo de Ferry, aunque la banda perdió gran parte de su aspecto experimental (sin embargo el mismo Eno reconoció que el siguiente álbum de la banda, "Stranded", fue el mejor de la misma), por lo que sonido de la banda se concentró en el aspecto más "elegante" y más "decadente", y en las baladas y la voz de Ferry, de aquí saldría el single "Street Life" y un tema musicalmente muy novedoso para la época "Amazona".



El siguiente álbum fue "Country Life" 1974 un disco con mucha más energía de cuerdas que el anterior, de aquí se desprenderían dos singles "All I want is You" y "The thrill of it all". "Siren" salió en 1975 y produjo el primer hit de Roxy Music en Estados Unidos, "Love Is The Drug"; este álbum introdujo elementos más bailables y cercanos a la música disco. Tras la gira del mismo, la banda se disolvió temporalmente, y se reunió para grabar dos álbumes, "Manifestó" de 1979 más tranquilo que los anteriores, de aquí se desprendieron dos singles "Angel Eyes" una de las canciones precursoras de la Dance Music y "Dance Away" que mostraba el nuevo pop que ofrecía la banda (hay una curiosidad en el disco y es la canción "Manifestó" con un bajo, que hace recordar mucho al bajo de la canción "Another Brick in the Wall" de Pink Floyd que apareció en el álbum "The Wall" de 1980). Luego apareció "Flesh And Blood" de 1980 un álbum muy sensitivo marcado por su diversidad musical, con unas canciones que señalarían el derrotero de ciertas corrientes musicales de los 80, este álbum contenía los singles "Over You", "The Same Old Scene" y "On the Radio". En 1981 hicieron un cover de John Lennon con la canción "Jealous Guy" a raíz del asesinato sufrido por el mismo a fines del año anterior. El álbum "Avalon" salió en 1982 y fue el último disco del grupo, y se basó en texturas atmosféricas de sintetizadores, en este disco están contenidos los singles "More than this" y la balada "Avalon". La banda se separó en 1983, y se reunió (sin Eno) en el año 2001 para salir de gira. Roxy Music apareció en el Live 8 y en el Festival de la Isla de Wight de 2005. Según un anuncio en la página oficial de Phil Manzanera, el grupo estaría grabando un nuevo álbum con la presencia de Brian Eno.

Además de Eno, varios miembros de Roxy Music tuvieron carreras solistas. Phil Manzanera grabó algunos discos y participó en álbumes de Eno y de Ferry. Mackay también tuvo una carrera solista, pero no tan importante como la de Ferry, quien grabó su primer álbum solista ("These Foolish Things", un álbum de covers) en 1973.


Integrantes

Miembros principales

Bryan Ferry - voz, teclados.
Phil Manzanera - guitarra.
Andy MacKay - oboe, saxofón.
Paul Thompson - batería (desde 1971 hasta 1980 y desde 2001).
Brian Eno - sintetizadores (hasta 1973).
Graham Simpson - bajo (hasta 1972).
Eddie Jobson - sintetizador, violín (desde 1973 a 1976).

Miembros secundarios

John Gustafson - bajo (desde 1973 hasta 1976)
John Wetton – bajo (1974-1976]])
Dexter Lloyd - batería (hasta 1971)
Roger Bunn - guitarra
Davy O'List - guitarra
Rik Kenton - bajo (desde 1972 hasta 1973)
John Porter - bajo (1973)
Sal Maida - bajo
Rick Wills - bajo
Paul Carrack - teclados (desde 1978 hasta 1980)
Andy Newmark - batería (desde 1980 hasta 1983)
Gary Tibbs - bajo (desde 1978 hasta 1980)
Alan Spenner - bajo (desde 1978 hasta 1983)
Guy Fletcher - teclados
Jimmy Maelen - percusión
Neil Hubbard - guitarra
Colin Good - teclados (desde 2001)

Discografía

Álbumes de estudio [editar]"Roxy Music" (1972) - UK #10
"For Your Pleasure" (1973) - POP #193; UK #4
"Stranded" (1973) - POP #186; UK #1
"Country Life" (1974) - POP #37; UK #3
"Siren" (1975) - POP #50; UK #4
"Manifestó" (1979) - POP #23; UK #7
"Flesh And Blood" (1980) - POP #35; UK #1
"Avalon" (1982) - POP #53; UK #1

Álbumes en vivo

"Viva!" (1976) - POP #81; UK #6
"Musique/The High Road" (1983) - POP #67; UK #26
"Heart Still Beating" (1990).
"Live" (2003).

Recopilaciones

Greatest Hits (1977) - UK #20
The Atlantic Years (1973-1980) (1983) - POP #183; UK #23
Street Life: 20 Greatest Hits - POP #100
The Ultimate Collection (1988) - UK #6
The Best Of Roxy Music (2001) - UK #12

Sencillos

"Virginia Plain" (Ago-72) - UK #4
"Pyjamarama" (Mar-73) - UK #10
"Do the Strand" (Jul-73)
"Street Life" (Nov-73) - UK #9
"The Thrill Of It All" (Oct-74)
"All I Want Is You" (Oct-74) - UK #12
"Love Is the Drug" (Sep-75) - POP #30; UK #2
"Both Ends Burning" (Dic-75) - UK #25
"Trash" (Feb-79) - UK #40
"Dance Away" (Abr-79) - POP #44; UK #2
"Angel Eyes" (Ago-79) - UK #4
"Over You" (May-80) - POP #80; UK #5
"Oh Yeah (On the Radio)" (Jul-80) - POP #102; UK #5
"Same Old Scene" (Nov-80) - UK #12
"In the Midnight Hour" (Dic-80) - POP #106
"Jealous Guy" (Feb-81) - UK #1
"More Than This" (Abr-82) - POP #102; UK #6
"Avalon" (Jun-82) - UK #13
"Take A Chance With Me" (Sep-82) - POP #104; UK #26
"The High Road" EP (Mar-83)
"Like a Hurricane" (1983)
"Love Is the Drug (en vivo)" (Oct-90)
"Love Is the Drug (Faithless mix)" (Abr-96) - UK #33

Talking Heads

Talking Heads fue una banda de rock formada por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth.[1] Un par de años después se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. Luego de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación.

Historia

Esta banda fue una de las más representativas bandas de rock new wave, con elementos de estilos como el punk rock y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, el cual influenció y sigue influenciando la música popular.



Encabezado por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos. Puede resumirse su estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme "Stop Making Sense", que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.


Los primeros años (1974-1977)

Formada en 1974 en la ciudad de Nueva York, la banda se llamó inicialmente The Artistics, y está formada por tres miembros, David Byrne (voz principal y guitarra), Chris Frantz (batería, percusión), y Tina Weymouth (bajo y coros). Los tres fueron alumnos de la Escuela de Diseño de Rhode Island. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: "Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de 'todo contenido, nada de acción'".



Se mudaron a Nueva York y fueron teloneros de The Ramones en el legendario club CBGB. En 1976, se unió Jerry Harrison (guitarra, teclados y voz), exmiembro de la banda de Jonathan Richman, The Modern Lovers. El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977. El grupo lanzó su primer single, "Love - Building On Fire" en febrero de ese año.

Su primer álbum, Talking Heads: 77 fue lanzado a continuación y no contenía el primer single.




Con Brian Eno (1978-1982)

Esto fue con su segundo álbum, en 1978 More Songs About Buildings and Food con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. De hecho la canción de Eno de 1977 "King's Lead Hat" es un anagrama del nombre de la banda. El estilo típico de Eno congeniaba bien con las sensibilidades artísticas del grupo. Y se ganaron la confianza para explorar en una gran variedad de direcciones musicales. Sin embargo el primer "Psycho Killer" del álbum fue un éxito minoritario, fue la versión de Al Green's de More Song's "Take Me to the River" la que hizo a Talking Heads conocida por el público en general.

La experimentación continuó con Fear of Music en 1979, el cual filtreaba con el oscuro estilo del post-punk rock. El single "Life During Wartime" creó el himno "This aint's no party, this ain't no disco". Remain in Light, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda Nigeriana Fela Kuti de quienes Eno introdujo su música en la banda, explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial. Para interpretar todos esos complejos arreglos la banda fue de gira con más miembros en el grupo, primero en el Festival de Heatwave en agosto, y más tarde en sus famosos conciertos de la película Stop Making Sense.

El single del álbum Once in a Lifetime, fracasó una vez que se lanzó en el propio país de la banda (sin embargo llegó a estar en el top 20 en el Reino Unido), pero creció en popularidad durante los siguientes años tras su video musical, una de sus primeras canciones con el poder que tendrían los videos musicales durante los años 80.


Discografía
Álbumes de Estudio

Talking Heads: 77 (1977)
More Songs About Buildings And Food (1978)
Fear Of Music (1979)
Remain In Light (1980)
Speaking In Tongues (1983)
Little Creatures (1985)
True Stories (1986)
Naked (1988)

Discos en Vivo

The Name of this Band is Talking Heads (1982)
Monkey Business USA tour (1983)
Stop Making Sense (1984)
Stop Making Sense: Special New Edition (1999)
The Name of this Band is Talking Heads: Expanded New Edition (2004)

Compilaciones

Sand in the Vaseline (1992)
Once in a Lifetime (1992)
12x12: Original Remixes (1999)
Once in a Lifetime: Box-Set (2003) (Ganador de Premio Grammy a "Mejor Diseño")
The Best of Talking Heads (2004)
Brick (2005)

Sunny Day Real Estate

Sunny Day Real Estate (o SDRE) fue una banda de rock que se formó en 1992 en Seattle, Washington, Estados Unidos, con Jeremy Enigk a la guitarra y la voz, Dan Hoerner en la guitarra principal, Nate Mendel en el bajo y William Goldsmith en la batería.

Orígenes

La historia comenzó en 1992. Dan Hoerner y Nate Mendel eran compañeros de piso y tocaban juntos en sus ratos libres. Una noche en un bar Dan se quedó prendado del talento del batería de un grupo que estaba tocando en vivo. Ese batería no era otro que William Goldsmith. Dan le convenció de que tocase junto con Nate, y así fue. El prototipo del grupo empezó a dar conciertos con el nombre de Empty Set, con Greg Williamson, que era el cantante del grupo de Will y que sería manager y técnico de sonido de Sunny Day Real Estate.



El grupo grabó una demo bajo el nombre Empty Set, pero encontraron una banda que tenía el copyright sobre ese nombre, por lo cual tuvieron que cambiar el nombre del grupo a Chewbacca Kaboom. Grabaron otra t demo pero el nuevo nombre también tuvo que ser retirado por los mismos motivos. Cambiaron otra vez el nombre, llamándose ahora One Day I Stopped Breathing, que sería relegado por el definitivo Sunny Day Real Estate. Existen muchas teorías sobre el origen de este nombre: el nombre de una canción de Talking Heads, un poema de T.S. Eliot, pero la más famosa es la de una discusión entre Nate y Dan en la que ambos pensaban que en el mundo todo acabaría comprándose y vendiéndose. Nate aseguró que pronto la gente trataría de comprar "días soleados" (sunny days, en inglés). La banda, ya como Sunny Day Real Estate, grabó en 1993 una demo titulada Flatland Spider, pagada con su propio dinero y con su propia discográfica, One Day I Stopped Breathing. La demo también incluía unas caras B llamadas The Onlies.



Jeremy Enigk

Nate estaba al mismo tiempo tocando en otra banda llamada Christ on a Crutch, que se acababa de disolver pero que tenían acordada una última gira por Europa a la que Nate accedió. Mientras tanto, Will llamó a Jeremy Enigk, viejo amigo suyo que tocó en varias bandas hardcore punk en el instituto. Comenzaron hablando sobre sus vidas y acabaron hablando sobre música. Jeremy aceptó entrar en el grupo y grabaron una demo, Thief, Steal me a Peach durante la ausencia de Nate. La nueva banda escribió algunas canciones, entre ellas "Seven".

Ya con Nate de regreso de Europa, la nueva banda grabó al menos nueve canciones, entre ellas "Song About an Angel", que añadirían a la demo Thief, Steal me a Peach. Este trabajo llamó la atención de Sub Pop Records.




Diary: un antes y un después

Sunny Day Real Estate viajó a Idful, Chicago, Illinois, para grabar su primer disco de studio, Diary en 1994. La banda decidió mantener su música y a ellos mismos en secreto concediendo una única entrevista y algunas fotografías. Incluso nunca tocaron como banda original en California, lo que alimentaba aún más su misticismo. También tocaron en conciertos con bandas amigas como Shudder To Think, de Washington D.C. y Soul Coughing, de Nueva York. Sub Pop sacó grabaciones compartidas de Sunny Day Real Estate con estas dos bandas.

Sin embargo, el tremendo éxito logrado con Diary comenzó a provocar algunas tensiones en la banda. Sobre todo cuando regresaron a su Seattle natal, donde Jeremy afirmó haber sentido “un profundo sentimiento religioso” que explicaría en una carta a sus fans. Naturalmente, el guitarrista y cantante del grupo de Seattle quiso plasmarlo en las futuras canciones, pero no todos sus compañeros estaban de acuerdo en ello, lo cual provocó la decisión grabar su último álbum juntos y separarse. Sunny Day Real Estate graba su segundo álbum para Sub Pop Records, titulado con el nombre de la banda, pero más conocido como The Pink Album o LP2 por los fans. El álbum es una colección de viejas y nuevas canciones donde destacan "Friday", "Rodeo Jones" (escrita durante Diary), "J’nuh" y "8", llamada "Song #8" en la demo Thief, Steal me a Peach. El álbum salió a la venta en noviembre de 1995.



Después de esto los caminos de Sunny Day Real Estate se dividieron, como era de esperar. Dan se casó, abrió una granja llamada Coyote Canyon y comenzó a trabajar para Atlantic Records. Jeremy comenzó su carrera en solitario publicando un álbum titulado Return of the Frog Queen en 1996 para Sub Pop Records. Will y Nate ingresaron en Foo Fighters, la nueva banda de Dave Grohl (ex batería de Nirvana).

En 1997, Sub Pop Records ofrece a los antiguos componentes de Sunny Day Real Estate la oportunidad de lanzar una recopilación de rarezas. La discográfica les propone también escribir algunas nuevas canciones. En mitad del trabajo, Will y Nate acuden a Foo Fighters para grabar el disco The Colour and the Shape. Jeff Palmer, bajista de The Mommyheads, se une a Sunny Day Real Estate, que graba por primera vez como trío el disco How It Feels To Be Something On, en 1998. La banda actúa por primera vez en California, algo que en la formación original nunca ocurrió. Jeff Palmer es expulsado por tensiones en la banda y Joe Skyward (que tocó en bandas como Sky Cries Mary y The Posies) se convierte en el nuevo bajista para la gira. Ésta época coincide con el fin de la relación de la banda con Sub Pop Records.

La banda grabaría un último disco para la mítica discográfica titulado sencillamente Live (26/5/99). Un directo en Eugene, Oregón, con Jeremy Enigk, Dan Hoerner y William Goldsmith como representación a la banda original y Joe Skyward en el bajo. También salió en formato VHS.

En 2000 Sunny Day Real Estate grabaría su último disco, The Rising Tide. Fue publicado por Time Bomb Recordings y producido por Lou Giordano. En éste último álbum Sunny Day Real Estate lo formaron Jeremy Enigk, Dan Hoerner, y William Goldsmith.


Legado

La banda de Seattle fue la última gran apuesta de Sub Pop Records después de Soundgarden, Green River (luego Pearl Jam), The Melvins o Nirvana, entre otras. Sunny Day Real Estate fue la gran impulsora del emo de los 90, influenciado en gran parte por el emo de los 80 de Fugazi. El legado de Fugazi, mezclado con grunge e incluso algo de progresivo, dio el resultado de Sunny Day Real Estate. La banda abrió un amplio abanico de bandas de emo y de rock alternativo de mediados de los 90 como Jimmy Eat World (sobre todo sus comienzos), Christie Front Drive o Mineral. Además, Jeremy Enigk, Nate Mendel y William Goldsmith (todos los miembros originales de la banda excepto Hoerner) formaron en 2003 el grupo The Fire Theft, que cuenta con un único álbum a día de hoy, The Fire Theft (2003).


Discografía
Álbumes

Diary - 1994
Sunny Day Real Estate (LP2) - 1995
How It Feels To Be Something On - 1998
Live (26/5/99) - 1999
The Rising Tide - 2000

Varios

Flatland Spider - 1993
Thief, Steal Me a Peach - 1993
Friday - 1993
Seven - 1994
In Circles - 1994
Shudder to Think/Sunny Day Real Estate - 1994
Ada 4th Quarter Sampler 94 - 1994
That Virtua Feeling: Sega and Sub-Pop Get Together
Batman Forever Soundtrack - 1995
How It Feels To Be Something On / Bucket Of Chicken - 1998
Pillars - 1998
Radio Sampler - 1998

Miembros

Jeremy Enigk - cantante, guitarra (cantante principal desde 1993 hasta la disolución de la banda)
Dan Hoerner - cantante, guitarra (cantante desde 1992 hasta 1993)
Nate Mendel - bajo
William Goldsmith - batería

En el pasado [editar]Jeff Palmer - bajo
Joe Skyward - bajo

Referencias

↑ a b c «Sunny Day Real Estate - Allmusic». www.allmusic.com.

Foo Fighters

Foo Fighters es una banda de origen estadounidense creada en el año 1995 por Dave Grohl, ex-baterista de Nirvana.

La banda ha conseguido varios reconocimientos y han marcado muchísimos éxitos alrededor del mundo, tales como "Big Me", "This is a Call", "Everlong", "Monkey Wrench", "Learn to Fly", "All My Life", "Times Like These", "Best of You", "D.O.A.", "No Way Back", "The Pretender", que alcanzó el puesto N° 1 en los Hot Modern Rock Tracks el sábado 1 de septiembre del 2007 y se mantuvo como número 1 por 18 semanas consecutivas. Su último single es "Let it Die".



Inicios (1994-1995)

La historia de Foo Fighters empieza cuando Dave Grohl, antiguo miembro de Scream, es contratado para hacer las labores de batería en el por aquel entonces desconocido grupo de grunge Nirvana. La casualidad quiso que el primer disco de Grohl en dicha formación, Nevermind, fuese un auténtico éxito en el ámbito "mainstream", gracias a lo cual la banda se aupó a los primeros puestos en las listas de ventas de todo el mundo. Esta situación puso a Kurt Cobain, líder del grupo, en situaciones de depresión y abuso de drogas, incomodándose por su posición de estrella mediática, lo que acabaría con su muerte en abril de 1994. Durante el tiempo en el que fue miembro de Nirvana, Dave escribió varias canciones por su cuenta que no le parecieron del todo acorde al sonido de esa banda. Por esta razón no mostró la totalidad de ellas a sus compañeros, y decidió grabar un demo por su cuenta bajo el pseudónimo Late!, nombrando el álbum como Pocketwatch. La edición de este demo se hizo en apenas cien cassettes que Grohl repartió únicamente entre sus amistades y sin pretensión alguna de editarlo comercialmente.

Tras la muerte de Kurt Cobain y la consiguiente desaparición de Nirvana, Grohl decidió seguir adelante con su carrera musical. Regresó al estudio por cuenta propia para grabar otras cuantas canciones más que ya había escrito, esta vez bajo el pseudónimo de Foo Fighters debido a la afición de Grohl por los fenómenos paranormales. Él mismo grabó todos los instrumentos en todas las canciones, a excepción de una guitarra de acompañamiento cortesía de su amigo Greg Dulli (guitarrista de Afghan Whigs).[1] Igualmente editó esta grabación en cassette y la repartió entre sus amigos. Sin embargo, en esta ocasión recibió muy buenos comentarios e incluso una de las canciones, This is a Call, empezó a tener rotación en la radio angelina, razón por la cual decidió formalizar lo que hasta el momento era sólo un proyecto y reclutó a otros músicos para formar una banda oficialmente, creando además su propio sello discográfico: Roswell Records, subsidiaria de Capitol Records.[2]



Fue así como se dio inicio a los Foo Fighters, cuyo nombre proviene de la forma en que llamaban los pilotos aliados a los objetos voladores no identificados (OVNI) durante la Segunda Guerra Mundial.[1]

Foo Fighters (1995-1997)

Inicialmente el co-creador y ex miembro de Nirvana, Krist Novoselic, era candidato a entrar en la banda, pero llegaron al acuerdo de que no querían que Foo Fighters fuese un calco de dicha banda. Por ello invitó como guitarrista a su compañero en las giras de Nirvana, Pat Smear, y a Nate Mendel y William Goldsmith del recién separado grupo Sunny Day Real Estate para tocar el bajo y la batería, respectivamente. Este primer disco cosechó buenos comentarios por una parte de la crítica profesional, y en el plano comercial no le fue nada mal, consiguiendo disco de platino al aprovecharse del tirón de Nirvana como ex-banda de Grohl.[1] Algunas canciones de este álbum fueron compuestas mientras Dave era miembro de Nirvana, como por ejemplo Big Me (mejor vídeo de 1995 según MTV), tocada en algunas ocasiones con Kurt Cobain en la batería en su época en Nirvana.

The Colour and the Shape (1997-1999)

Tras el gran éxito que tuvo la banda, estuvieron de gira durante varios meses presentándose por todo Estados Unidos y algunas ciudades de Europa (incluido el éxito masivo en Inglaterra). Aun así, tras casi dos años de gira exhaustiva, Pat Smear decidió dejar la banda debido al agotamiento, no sin antes grabar en 1997 su segundo álbum, The Colour And The Shape, el cual contiene grandes éxitos como Monkey Wrench, My Hero, Hey, Johnny Park! y Everlong. Para la grabación del disco, William Goldsmith fue requerido sólo en Doll y Up in Arms, lo que provocó su abandono del grupo después de varias discusiones. Otras fuentes citan enfrentamientos entre el productor Gil Norton y Goldsmith los que provocaron la salida de éste último.[1] Cabe destacar que este disco no tuvo éxito comercial, aunque una parte de la crítica lo proclamó como uno de los mejores discos de rock de la década de los 90.



Buscando un sustituto que ocupase el puesto de batería en el grupo, Grohl llamó a Taylor Hawkins (ex miembro de Hot Chocolate, la banda en vivo de Alanis Morissette) para preguntarle si conocía a alguien que pudiese ocupar el lugar de Goldsmith, pero, para sorpresa de Grohl, Hawkins se ofreció para tomar las labores de batería. Asimismo, Dave contrató a Franz Stahl (ex compañero de Grohl en la banda Scream) en las guitarras, quien dejó la banda antes de la grabación del siguiente disco por "diferencias creativas".

There Is Nothing Left to Lose (1999-2002)

En 1999, Grohl decidió tomar un descanso y regresar a su natal Virginia. Después de un par de meses de radicar ahí, convirtió el sótano de su casa en un estudio de grabación donde comenzaron a trabajar en lo que se convertiría en su tercer álbum, There is Nothing Left to Lose. Este disco contaría con un tono mucho más melódico que sus predecesores. De éste se desprenden temas como Breakout (que se incluiría en la banda sonora de la película Yo, yo mismo e Irene), Next Year (banda sonora de la serie televisiva Ed), Generator, Stacked Actors y Learn to Fly (número 1 en la lista del Billboard).[1]



Después de la salida de Stahl, la banda probó a un gran número de guitarristas, dando finalmente con Chris Shiflett, ex-integrante de No Use for a Name y Me First and the Gimme Gimmes. Pero la banda ya estaba terminando de grabar el álbum, razón por la cual no aparece en los créditos del mismo.


Ese mismo año Foo Fighters estableció contacto con la banda de rock Queen. Brian May colaboró en el segundo cover que realiza Foo Fighters del tema de Pink Floyd Have a Cigar, que apareció en la banda sonora de la película Misión Imposible 2.[2]

Cuando Queen entró en el salón de fama del rock en marzo de 2001, Grohl y Hawkins son invitados para tocar junto con la mítica banda el tema Tie your Mother Down.[2] Foo Fighters tocó con ellos en otras ocasiones, incluido el VH1 Rock Honors y su concierto en el Hyde Park de Londres.

Alive & Well

En 2000, la banda reconoció en público su apoyo a Alive & Well,[3] una organización estadounidense que no cree que el virus de inmunodeficiencia humana sea la causa del SIDA, además de cuestionar la validez de los controles para detectar el virus y negar el uso de medicamentos para frenar las causas de la enfermedad. El bajista Nate Mendel fue quien recomendó el libro de la fundadora de la entidad, Christine Maggiore, al resto de los miembros de la banda.

Ese mismo año, Mendel organiza un concierto en beneficio de la organización,[3] así como colaboraciones del documental promovido por dicha sociedad llamado The Other Side of AIDS (la otra cara del SIDA).[4]


One by One (2002-2005)

A finales de 2001, y ya con su nuevo guitarrista, la banda regresó a Virginia para trabajar en un nuevo disco que no satisfizo las expectativas de Grohl, razón por la cual decidió abandonar las sesiones de grabación y tomar un receso. Durante este tiempo grabó las baterías en el disco Songs for the Deaf de Queens of the Stone Age,[1] saliendo también de gira con ellos durante 2002. Shifflet trabajó también en un proyecto propio durante este tiempo, un grupo de punk llamado Jackson (ahora Jackson United). Habiendo retomado nuevos bríos, la banda regresó al estudio para volver a grabar en tan sólo dos semanas el disco que tenía preparado antes de su etapa en Queens of the Stone Age, titulado One by One. Esta grabación está compuesta por canciones como All My Life, Low, Overdrive, Comeback, Have it All y Times Like These. El vídeo de Low fue tremendamente criticado y censurado en muchas emisoras del mundo, ya que en él aparecía Grohl, junto con su amigo Jack Black, visiblemente borracho y posando en posturas obscenas. Este disco les sirvió para consolidarse definitivamente como una de las propuestas de rock alternativo más importantes y vigentes de nuestros días, viajando nuevamente de gira por todo el planeta.


Polémica político-estadounidense

La banda se suele mantener alejada de temas políticos, pero en 2004, Grohl decidió apoyar al candidato para la presidencia de los Estados Unidos, John Kerry; a raíz de este suceso, toda la banda se unió a la propuesta de Grohl y realizó conciertos para su campaña. Entonces, su contrincante, George W. Bush, utilizó dos de sus canciones, Times like These y My Hero, para sus campañas, declarándose fanático de la banda, cosa que a Dave Grohl no le agradó en absoluto.[2] Este suceso fue el que inspiró el título de su siguiente álbum, In Your Honor.[2]

In your Honor (2005-2007)

Concierto en Londres en 2006Para el 2004 deciden mudarse a Los Ángeles y construir un nuevo estudio en una gran bodega, que Grohl llamó Studio 606 West. Sin embargo, la grabación de un nuevo álbum debía justificarse con la redefinición del sonido del grupo. Por esta razón decidieron llevar a los extremos sus composiciones trabajando en un álbum doble que se compondría de un disco con canciones rockeras y potentes, y otro más con canciones sólo acústicas. El día 14 de junio de 2005 salió a la venta In Your Honor. Dave Grohl admitió que estaba enojado consigo mismo ya que había grabado muy rápido el disco One by One y no le gustó el contenido; así pues le puso más atención a éste nuevo. Según sus palabras, Dave Grohl dijo: "Si dentro de 20 años un hijo le pregunta a su padre: '¿Conoces a los Foo Fighters? ¿Qué disco debería tener?'; sin duda alguna la respuesta sería "In Your Honor".[5] Con esta declaración Dave Grohl dejó más que claro que este disco es el primero que ha realizado con tanto trabajo y que le parece simplemente fenomenal.

Este álbum se destaca por ser un disco doble: en el primer disco se puede notar bastante influencia del heavy metal, especialmente en canciones como Free Me, aunque las demás están dentro de los parámetros del hard rock; entre ellas sobresale No Way Back, Best of You, End Over End o D.O.A..

En el segundo disco se pueden notar influencias del rock alternativo, además de tener formato acústico: es más relajante y melancólico que el anterior, y por momentos la voz de Grohl se asemeja a la de un trovador; las canciones más destacables son: Miracle, Over and Out, Friend of a Friend o Virginia Moon, con Norah Jones.

Skin and Bones

En 2006, Foo Fighters lanzó en formato de CD y DVD Skin And Bones, en el cual se editaron en vivo sus canciones más conocidas en formato acústico. Para su grabación se contó con la participación de Pat Smear, ex miembro de la banda. El disco fue un resultado de una pequeña gira acústica en apoyo de In Your Honor, aprovechando para tocar algunas de las canciones menos conocidas de la banda.

Las 15 canciones fueron grabadas en agosto del 2006 en el Pantages Theater de Los Ángeles.


Live Earth

En julio de 2007, Foo Fighters se presentó en Londres junto con otros artistas para tocar en el Live Earth, un festival musical que lucha contra el hambre, la pobreza y el calentamiento global. En el mismo tocaron los temas All My Life, My Hero, Times Like These, Best of You y Everlong. Este concierto está considerado como uno de los mejores de la banda, siendo señalado en una entrevista a Taylor Hawkins como el "punto cumbre" de la carrera de la banda,[6] gracias en parte a los 70.000 espectadores que vieron el concierto en directo, además de las positivas críticas con las que fue recibido.[7]

Además de Foo Fighters, otros artistas que actuaron en el concierto londinense fueron Madonna, Red Hot Chili Peppers, The Black Eyed Peas, Beastie Boys, Metallica, John Legend, David Gray, Snow Patrol, Terra Naomi, Spinal Tap, SOS All Stars, Razorlight, Paolo Nutini, M People, Keane, Kasabian, James Blunt, Geri Halliwell, Genesis, Duran Duran, Damien Rice, Corinne Bailey Rae, Chris Rock, Bloc Party y The Pussycat Dolls.


Echoes, Silence, Patience & Grace (2007)

El último disco de Foo Fighters fue lanzado el 25 de septiembre de 2007: bajo el título de Echoes, Silence, Patience & Grace, y producido por el mismo productor de su gran álbum, The Colour and the Shape, siendo presentado con el single The Pretender, que ya estaba alcanzando una gran popularidad un mes antes de la edición del álbum.

El disco cuenta con 12 temas y la colaboración de la guitarrista Kaki King en el tema The Ballad of the Beaconsfield Miners (dedicado a unos mineros atrapados en una mina de Australia que pidieron un MP3 con música de Foo Fighters), hasta ahora único tema instrumental en la discografía del grupo. Otra de las peculiaridades del álbum son los coros, llevados a cabo por Taylor Hawkins en lugar del propio Grohl, quien venía ejerciendo esta labor en los anteriores trabajos de la banda. Asimismo, la banda tiene previsto comenzar su gira de presentación del álbum por los Estados Unidos en 2008.

Una de sus canciones, Let it Die, está inspirada, según Grohl, en "la caótica relación entre Kurt Cobain y Courtney Love".[2]

Como opinión del CD, Dave Grohl dijo: "Suena definitivamente como un álbum de Foo Fighters, pero nos estamos moviendo en diferentes direcciones".[7]

El video musical Long Road to Ruin se estrenó el 1ro de Noviembre con su Single publicado el 3ro de Diciembre. En el video aparece la Actriz Rashinda Jhones con quien había colaborado previamente con otros temas de la banda.

En la 50º edición de los premios Grammy, la canción "The Pretender" consiguió el premio en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock. Además, el álbum que la contiene, Echoes, Silence, Patience & Grace consiguió el galardón en la categoría de Mejor Álbum de Rock.


Live At Wembley Stadium (2008)

Live At Wembley Stadium es un DVD en vivo de Foo Fighters. Fue grabado durante dos shows llevados a cabo en el Estadio de Wembley, en Londres, los días Viernes 6 y Sábado 7 de Junio de 2008. El DVD incluye una combinación de temas de las dos noches, siendo estos los grandes éxitos de toda la carrera de Foo Fighters. Se hacen notar las colaboraciones de John Paul Jones y Jimmy Page como invitados especiales en los temas Ramble On y Rock and Roll.


Descanso

El 17 de Septiembre de 2008, Dave Grohl anunció en The Chris Moyles Show que la banda iba a tomar un largo descanso de la música. Así, dijo, ellos podrían volver con un nuevo sentido de propósito. Grohl también informó a los fans que no esperaran nueva música por un tiempo. "Nunca nos tomamos un largo descanso, creo que es el momento" Comentó Grohl "Después de hacer Wembley, no volveremos allí por 10 años porque ya hemos tocado para todos. Estuvimos en el Reino Unido todos los años, cada verano, y creo que es tiempo de tomar un descanso y volver cuando la gente realmente nos extrañe."[8] La banda está en actividad desde su formación en 1995.


Miembros
Oficiales

Dave Grohl - Voz, segunda guitarra, batería y piano ocasionalmente
Chris Shiflett - Primera guitarra y voz (1999-presente)
Nate Mendel - Bajo
Taylor Hawkins - Batería, percusión, guitarra ocasionalmente y voz (1997-presente)

Antiguos

William Goldsmith - Batería (1995-1997)
Pat Smear - Guitarra y voz (1995-1997)
Franz Stahl - Guitarra y voz (1997-1999)

Miembros en directo [editar]Pat Smear - Guitarra (2006-presente)
Rami Jaffee - Teclados, piano y acordeón (2006-presente)
Jessy Greene - Violín (2007-presente)

Antiguos miembros en directo

Drew Hester - Percusión (2006-2007)
Petra Haden - Violín y coros (2006-2007)

Discografía

Álbumes

Foo Fighters - 1995
The Colour and the Shape - 1997
There Is Nothing Left to Lose - 1999
One by One - 2002
In Your Honor - 2005
Skin And Bones - 2006
Echoes, Silence, Patience and Grace - 2007
The Missing Pieces - 2008

Referencias

↑ a b c d e f «Biografía de la banda en AlohaPopRock». Consultado el 1 de octubre de 2007.
↑ a b c d e f «Biografía de Foo Fighters en MTV». Consultado el 20 de octubre de 2007.
↑ a b «Foo Fighters niegan el SIDA». Consultado el 23 de septiembre de 2007.
↑ «Novela de Tara C. Smith Steven P. (2007) HIV Denial in the Internet Era». Consultado el 23 de septiembre de 2007.
↑ «Crítica de In Your Honor en AlohaPopRock». Consultado el 1 de octubre de 2007.
↑ «YouTube». Consultado el 29 de octubre de 2007.
↑ a b «NME». Consultado el 29 de octubre de 2007.
↑ «Foo Fighters to take 'long break'». NME (2008-09-17). Consultado el 2008-09-18.