Tuesday, March 31, 2009

La Historia de una Generación - Por Albert Batiste





Artículo aparecido en libro: “AU” de Editorial Fundamentos en 1974.

Este libro es muy difícil de encontrar. Contiene una serie de artículos muy interesantes y sería una lástima que muchos seguidores de Dylan no tuvieran
acceso a ellos.

(Pachi Becerril)

La noticia apareció en los periódicos no hace mucho: Bob Dvlan vuelve a cantar. Después de un largo silencio se decide a emprender de nuevo el contacto con el público. Desde Julio de 1966 en que un accidente de moto le apartó, forzosamente, de las giras, las actuaciones diarias la agitación del mundo del Show business, Dvlan ha aparecido en público sólo en tres ocasiones: en un homenaje colectivo de los cantantes "'folk" a su maestro, Woody Guthrie, en el festival multitudinario de la isla de Wight en el que fue la máxima atracción, y en el concierto del Madison Square Garden de Nueva York organizado por George Harrison y Ravi Shankar a beneficio de Bangla Desh.



Su actividad artística se ha limitado a la producción de discos. Dylan se aisló de su público porque quería quitarse de encima una responsabilidad demasiado pesada, la de ser líder y portavoz de toda una generación.

La rebeldía de la juventud norteamericana (y de buena parte de la mundial) encontró en la música de Dylan su mejor expresión, lo mismo en la época en que era el más original cantante de "folk” como cuando se convirtió en el más explosivo creador de "rock". Su feroz individualismo lo ha llevado siempre la rehuir etiquetas y actitudes “para. siempre". Desde el accidente de moto, se ha esforzado en buscar sus propias raíces, intentando destruir la imagen que de sí mismo había hecho el público. En una entrevista realizada en 1970, expresó claramente su actitud: "que si yo he sido un líder?... Yo no puedo hacer nada, si hay alguien a quien pueda ayudar, le ayudaré. Pero no puedo ser un líder. No soy un profeta. sólo soy un músico. nada más..”

Basta con repasar su historia, sin embargo. para darse cuenta de que ha sido algo más que un músico. Dylan ha representado en sus contradicciones. en sus altibajos, la historia de una generación.



UNA VERSION PERSONAL DEL FOLK

En 1964 compré en una tienda de la calle Pelayo un disco de importación que tenían por casualidad. En la portada aparecía un rostro delgado, de facciones afiladas, mirada incisiva. pelo rizado, aspecto de "enfant enragé" al estilo de James Dean. El disco tenía por título "The times they are a-chagin". En aquella época las noticias que teníamos de Dylan nos lo situaban como uno más en el movimiento de recreación de la canción tradicional que se producía en Estados Unidos. Este movimiento llamado' "folk song" no era una moda musical más. Relacionado con la lucha política por los derechos civiles del negro, y con el pacifismo que empezaba a dirigirse contra la guerra del Vietnam, resucitaba los temas de las canciones de lucha de la época heróica de los sindicatos americanos, y tomaba, desde su nacimiento, un carácter de militancia y de anticanción de consumo.



El veterano Pete-Seeger era el portavoz más característico de este movimiento que la juventud universitaria americana hizo suyo y que, con algún retraso llegó a los jóvenes del resto del mundo. Era entonces, cuando algunos empezábamos a traducir al catalán las canciones más conocidas de este "folk" que llegaba de Estados Unidos. Y fue a través de los discos de Joan Baez y Peter, Paul and Mary como conocimos las primeras canciones del desconocido Dylan, tales como "A hard rain's gonna fall", "Dont trinck twica ¡t's all right" y. la famosa "Blowin' in the wind".

Sin embargo, al oír los primeros compases de un disco del propio Dylan, uno se daba cuenta en seguida que aquello era otra cosa. Su voz, nasal y desagradable no se parecía en nada a la vocalización de cantante de ópera que exhibía Joan Baez. Su tono irónico y agresivo no tenía nada que ver con el tono paternal y comprensivo de un Pete Segeer. Sus canciones no eran viejos temas de folklore, sino canciones del siglo XX.

Las letras no se limitaban a expresar la protesta o el inconformismo, sino que poseían una fuerza poética impresionante y, detrás de los textos, una música a base de los instrumentos tradicionales del "folk", la guitarra y la armónica, utilizadas, sin embargo, de un modo muy personal. El estilo de la armónica de Dylan era especialmente original: tan pronto la soplaba con rabia simulando una sirena, como la hacía sonar dulce y profunda como un órgano.

El estilo musical de Dylan conectaba con la mejor tradición del "blues" y del "folk-blues", que había aprendido directamente de sus creadores, a través de muchos viajes en auto-stop por los estados unidos de los 40 con una guitarra bajo el brazo dando su versión de aquel mundo de huelgas mineras, desigualdades sociales y violencia.

La gran admiración de Dylan por Guthrie impregna toda su patética de la actitud del vagabundo y el marginado que contemplan la injusticia y el absurdo en el mundo, como un espectáculo apocalíptico.

Por otra parte, además de conectar con la mejor tradición, Dylan aportó al "folk" la actitud y la visión de la generación "beat" frente al mundo. Instalado en Nueva York desde 1961, se puso en contacto con toda la generación de poetas, escritores y artistas que, encabezados por Ginsberg y Kerouac, habían provocado, en los 50, una revolución en la literatura americana.

Rechazando el "american Way of life" y el papel de intelectuales, con una fuerte dosis de anarquismo y de nihilismo, herederos del vitalismo de Whitman, interesados por la filosofía oriental, fumadores de marihuana, los poetas "beatnik" ejercieron una gran influencia en la nueva música "pop" americana. Y era en el Greenwich Village neoyorkino por donde Dylan se paseaba en sus primeros años de músico, donde se encubaba este espíritu revolucionario. Y el joven campesino de Minessota pasó de las toscas baladas del Medio Oeste a letras mucho más ambiciosas poéticamente, utilizando métrica libre y la acumulación de imágenes propias de los poetas "beat".

Reuniendo estas influencias y pasándolas a través de su fuerte responsabilidad, Dylan se convirtió enseguida en el más creativo y original cantante de "folk". En los discos de su primera etapa, que contienen canciones de protesta (Blowin'in the wind, Masters of war). proféticas (A hard rain is gonna fall, The times they are a-changin). canciones de amor, tiernas y a la vez irónicas (Girl of the North Country, Boots of Spanish leather) y también temas surrealistas (I shall be free, Motorpschyco Nightmare), Dylan desplegó una visión personal del "folk". En el año 1963, convertido ya en ídolo de la juventud universitaria, Pete Seeger le definía así: "Este chico será el mejor cantante de "folk", si no explota antes."


EL "ROCK" SUBVERSIVO: LA APORTACION DE DYLAN A LA MUSI CA "POP".

En el verano de 1965 apareció en España el primer disco de Dylan: un "single" que contenía Gates of Eden y Like a rolling stone. Mientras que la primera era una canción interpretada con armónica y guitarra al estilo clásico, en la segunda aparecía la nueva faceta del cantante: le acompañaba un grupo de "rock", con guitarras eléctricas Y baterías. En la misma época nos llega la noticia del escándalo provocado por la actuación del nuevo Dylan electrificado en el festival de Newport, reunión anual de los aficionados al "folk". Los fans del Dylan-folk se quedaron petrificados viendo aparecer a su ídolo con una guitarra eléctrica, símbolo de la odiada música "rock" o Cuando empezaba a tocar con el grupo que le acompañaba (en el que había tan buenos músicos como el guitarrista Mike Bloomfield Y el organista Al Kooper) se levantó un murmullo de desaprobación, hasta que el público estalló en protestas Y silbidos. "Vete al Ed Sullivan Show" (una especie de "Gran Ocasión" de la TV americana) gritaban sus fans decepcionados. Los hijos privilegiados de la inteligencia americana, los "puros" que habían aplaudido cuando Dylan cantaba que "los tiempos estaban cambiando" dirigiéndose, principalmente, a sus padres, no querían comprender que eran ellos los que ahora se habían quedado atrás: "habían aprendido demasiado bien el papel de alumnos y esperaban que el profesor les cantase una vez más lo que ya sabían" (cito el libro de Jesús Ordovás). Dylan tuvo que terminar a media actuación: cantó Its all over now, baby blue, todo se ha acabado y marchó, diciendo adiós para siempre al "folk".

El cambio se había gestado tiempo atrás. Dylan habla ido separándose, poco a poco y no sin dudas, de la canción protesta. Su individualismo rechazaba las ortodoxias de los movimientos políticos tradicionales, y se negaba a dejarse encasillar en el papel de líder y a contraer obligaciones de fidelidad. Hay que decir que durante su período de cantante comprometido obró con una consecuencia y valentía inatacable, tanto es así que el año 1963 le fue concedido el premio "Tom Paine" por su trabajo en pro de los derechos civiles.

Pero ya en esta ocasión, en el mensaje de agradecimiento dirigido al Comité que se lo otorgó, se insinuaba su despedida: “...en mi vida paso por muchos estados de ánimo. Hago lo que creo que debo hacer, según donde esté, mi estado de ánimo cambia. Necesito cambiar, por razones que desconozco. Estoy cansado y hambriento. Puede ser que sea un miserable, pero no es agradable oír decir a alguien que no conoces: "eso es lo que él quería decir", sobre alguna cosa que tú has dicho. Porque nadie puede decir qué es lo que yo quiero decir, absolutamente nadie. Muchas veces no lo sé ni yo mismo...” (cita del libro de Jesús Ordovás).

En el año 1964 en el transcurso de una gira por Inglaterra con Joan Baez, se puso en contacto con la nueva música que estaban creando grupos como los Beatles, los Rolling Stones, los Who, etc. Unos meses más tarde se producía la triunfal gira de los Beatles por los Estados Unidos y el grupo británico colocaba 7 de sus canciones entre las 10 mejores del "hit parade". Mientras que los puros del "folk" sonreían escépticamente ante lo que creían una moda pasajera, Dylan se dio cuenta de que aquella música aparentemente intrascendente llevaba el germen de una auténtica revolución.

Y así, a principios del año 1965, se decidió y comenzó a trabajar con una serie de músicos que creaban la nueva música a partir del "blues y del rock'n roll". En efecto, en Nueva York grupos como los "Fugs" o "Velvet Underground", en Los Angeles los "Mother of Invention" y los "Doors" y en San Francisco los "Jefferson Airplane" y los "Mamas and the Papas", etc., estaban trabajando en el sendero que habían abierto los grupos ingleses. Y junto con esta nueva música aparecía una nueva actitud de la juventud y de la izquierda intelectual, basada en la explosión del cerebralismo racionalista y la adopción del vitalismo, propio de las filosofías orientales, la experiencia psicodélica, la utopía como proposición política y el intento de cambiar las formas de vida, de relación y de cultura, a la vez que se creaba una alternativa a la sociedad americana de consumo. Una nueva cultura se estaba desarrollando, ligada estrechamente a la nueva música.

Los discos "Bringing it all back home", "Highway 61 revisited" y "Blonde on blonde” son la aportación de Dylan a la nueva música "pop". Y lo más decisivo de esta aportación es, sin despreciar el interés de la agresiva música "rock", la incorporación de la creación poética de los textos.

Los textos de las canciones pop eran en general simples y poco interesantes de por sí (aunque no exentos de belleza en muchos casos). Dylan les incorporó toda su fecundidad poética y es precisamente en esta etapa cuando se acentúa el carácter surrealista de los mismos, las canciones "rock" de Dylan eran larguísimas acumulaciones de imágenes que en su irrealidad reflejaban una experiencia personal de la realidad.

En Maggie's farm, Tombstone blues o Desolation row, aparece un mundo irreal y absurdo, en el que se mezclan personajes reales e imaginarios, históricos y actuales.

Las canciones de amor como She belongs to me o Sad eyed lady of the lowlands alcanzan un lirismo insuperable. En otras se refiere concretamente a la realidad, como a Like a rolling stone, en la que pinta una señorita de la clase alta o Ballad for a thin man, sátira sobre el americano medio comparable a L'home del carrer de nuestro Pi de la Serra. O bien relata el mundo de los sueños en canciones como Mister Tambourine man.

En verano de 1966 Europa tiene ocasión de conocer en vivo al nuevo Dylan. Sus actuaciones en Londres y en París son una experiencia inolvidable para los que pudieron asistir. Junto con sus músicos producía un espectáculo total, un circo en el que la agresividad de la música, las imágenes surrealistas de los textos y la actitud escénica de Dylan, convertido en un "Clown" representaban la tragicomedia del mundo del siglo XX. En esta época llegó al cénit de su popularidad, y, convertido en millonario vivía una existencia agotadora y autonihilizante, en la que al igual que los dadaistas franceses de principios de siglo, intentaba poner en práctica en su vida los postulados de su arte, provocando constantemente situaciones de absurdo, contestando agresivamente a los entrevistadores, malgastando el dinero y transformando los actos de su vida en representaciones teatrales en las que procuraba contrariar y subvertir todos los valores. La vida de Dylan se aceleraba en una espiral sin fin, que parecía iba a acabar con él, mientras que su popularidad crecía y sus discos se vendían por todo el mundo, y nosotros teníamos que continuar viajando a Perpignan para poderlos comprar.

EN BUSCA DE LAS RAICES: EL "COUNTRY".

El 30 de Julio de 1966 las emisoras de radio norteamericanas interrumpían sus programas para anunciar que Bob Dylan había sufrido un accidente de moto y se encontraba en un hospital en estado de coma. Para sus fans esto representó el cataclismo final, el drama de un nuevo James Dean. En Inglaterra empezaban a prepararse para la venta de sus "posters" con la leyenda: "In memorian".

Después de un breve período de amnesia y de parálisis y de una larga convalecencia resurgió. Pero Dylan recién nacido no era el mismo. El período loco había terminado y su vida, su música entraba en una nueva etapa caracterizada por la búsqueda da un equilibrio físico y mental.

Reflexionando sobre su actitud decidió que no podía ir más lejos por el camino de la subversión total de los valores. Y empezó a buscar un punto de partida para empezar a construir. En su casa de Woodstock, rodeado de su familia y de los músicos del grupo "the band" investigaba las raíces de la música americana. De este modo, el año en que triunfaba en todo el mundo el "rock", lo psicodélico, y la nueva música, el año del Sargent Peppers de los Beatles y del festival de Monterrey. el precursor de la nueva música avanzaba por caminos totalmente distintos y, a veces, opuestos.

La música "country" o "country and western" relacionado con la colonización del "oeste", se había desarrollado sobre todo en el Sur, y su representante máximo era Johnny Cash, un hombre de derechas, una especie de John Wayne de la música que apoyó activamente a Nixon en su campaña electoral contra Mc Carthy. Sobre este ambiguo punto de partida empezaron a crear Dylan y sus músicos.

El primer resultado fue el disco John Wesley Harding, que por fin apareció en España al mismo tiempo que en el resto del mundo. Este disco representaba una transición y en él Dylan explicaba sus dudas personales mediante una evocación del mundo de la época de la colocación; apareciendo así la figura de John Wesley Harding, un bandolero generoso que robaba a los ricos para darlo a los pobres. Alegorías bíblicas y personajes legendarios se nos presentaba de la mano de una música extremadamente sencilla y relajada, a base de guitarra acústica, bajo y batería, una de las más bellas y conseguidas de Dylan.

El propio disco, aparecido en 1968 estaba ya claramente dentro de esta etapa. El Dylan que aparecía en la portada saludándonos sonriente, era una auténtica declaración de principios, era una sonrisa son ironía, amable.

Su voz había cambiado, y, dejando la agresividad nasal resultaba cálida y nos llegaba grabada en registro grave.

La música era "country" a base de guitarras acústicas y "Slide-guitars", piano, bajo de batería. Los textos, temas de amor en los que explicaba la armonía de su vida privada. Abría el disco la antigua Girl of the North country, en una nueva versión en la que aparecía, la lado de su voz, la de Johnny Cash que lo visitó en los estudios mientras lo estaba grabando. Dylan había conseguido un disco de una belleza formal abriendo la puerta a un nuevo estilo, el llamado "Estilo nashville" que siguieron después de él muchos otros músicos, buscando como él el equilibrio y la paz. o buscando los "royalties" ya que el estilo "acústico" se convirtió en los 70 en la nueva música de consumo.

El nuevo disco desencadenó críticas y desencantos entre muchos de sus partidarios. En la universidad libre de Nueva York se creó la cátedra de dylanología. y el profesor A.J. Webermann reclamaba de Dylan la fidelidad a su público y la vuelta al compromiso. Según él. las canciones habían dejado de pertenecer personalmente y eran propiedad de toda una generación. Dylan, sin embargo, continuaba reivindicando su derecho a seguir el camino que le pareciera. El álbum siguiente "Self Portrait" era una nueva afirmación personal. En él aparecía, a modo de autobiografía. una recopilación de canciones muy diversas qua recorrían todas sus épocas y estilos. Al lado de canciones de protesta cantaba standards americanos como Blue moon y utilizaba orquestas de cuerda y coros. Se quería definir como músico y sólo como músico. Y realmente conseguía convencernos de que sabía cantar el Blue moon mejor que Frenk Sinatra, pero no conseguía convencernos de que sólo pretendiera eso. Detrás de la aparente sencillez, había una actitud compleja y elaborada. Bajo la capa de frialdad y aislamiento, Dylan dudaba, sondeaba, pero sus vacilaciones no impedían que nos hiciera disfrutar escuchando sus nuevas canciones y que nos comunicara y nos hiciera vibrar con la felicidad y belleza que expresaban canciones como Lay Lady Lay. En 1970 abandonó la vida campestre y se instaló de nuevo en Nueva York, editando a continuación un nuevo disco que volvía a la fuerza del rock de sus mejores tiempos.

El álbum "New Morning" era una obra maestra llena de poesía, vitalidad y nuevo interés por las cosas. Dylan continuaba sorprendiendo, continuaba cambiando. En 1971, cuando todo el mundo creía que había abandonado para siempre la canción de denuncia social, publicó el single George Jackon, en el que se refería al asesinato del joven militante negro, amigo de Angela Davis, perpetrado por los guardias de la cárcel simulando una huída. En el mismo año aparecía en el festival pro Bangla Desh cantando canciones de la primera época, entre ellas Blowin´in the wind. Y en el 74, después de un largo silencio discográfico se reúne de nuevo con "the band" y reemprende las actuaciones realizando una gíra por los Estados Unidos y anunciando otra por Europa.

¿Estamos ante una nueva etapa? ¿Es la soledad y el aislamiento lo que le ha llevado de nuevo a las actuaciones? ¿Le queda alguna cosa por decirnos el viejo profeta? Haga lo que haga a partir de ahora nos queda su obra anterior editada ahora en España casi en su totalidad, como una aportación importantísima a la música y la cultura del siglo XX. Dylan ha sido el músico más representativo de una generación, lo quiera o no aceptar. Si en alguna etapas se ha alejado de su público, éste no ha perdido nunca la confianza en él. La generación de sus seguidores ya no es tan joven. La gran ola revolucionaria de los 60 ha pasado. ¿Nos acompañará en el nuevo salto hacia adelante? ¿Tendrá algo que decir a la generación de los más jóvenes? En cualquier caso, somos muchos los que todavía creemos en él, los que todavía le necesitamos.



ALBERT BATISTE



Artículo extraído de ORIFLAMA, n.º 138.- Feb. 74.
Por la traducción del catalán M. Cruz de Prado y Domingo Jaumandreu.

El movimiento Hippie




http://es.wikipedia.org/wiki/Hippie

Se llama Hippie a un movimiento contracultural nacido en los años 1960 en Estados Unidos, así como también a los seguidores de dicho movimiento. La palabra hippie deriva del inglés hipster que solía usarse para describir a la subcultura previa de los beatniks (no confundir con Generación Beat), que también tuvo como base importante a la ciudad estadounidense de San Francisco (California) y su distrito Haight-Ashbury. Esta nueva subcultura heredó algunos valores contraculturales de la Generación Beat y en menor grado del naturismo alemán, y en determinados casos crearon sus propias comunidades intencionales.



Escuchaban rock psicodélico y folk contestatario, abrazaban la revolución sexual y creían en el amor libre. Algunos participaron en activismo radical y en el uso de drogas como la marihuana, el LSD y otros alucinógenos con la intención de alcanzar estados alterados de conciencia, en realidad una forma de autorebelarse por la homogeneidad de conceptos que ofrece el Sistema. También buscaron formas de experiencia poco usuales, como la meditación. Debido a su rechazo al consumismo solían optar por la simplicidad voluntaria, ya sea por motivaciones hedonistas, espirituales-religiosas, artísticas, políticas, o ecologistas.

A finales de los años sesenta en EE.UU. los hippies constituyeron una corriente juvenil masificada, para después quedar pasada de moda (anticuada), pero las siguientes generaciones llamados neo-hippies mantendrían vivo al movimiento como una subcultura establecida en muchas formas y con nuevas generaciones hasta hoy. Así pues han emergido fenómenos como la Rainbow Family, la escena psytrance y goa trance o los deadheads y phishheads. En tanto pequeños enclaves de hippies originales y neo-hippies continúan desarrollando en parte este estilo de vida, aunque con algunas modificaciones, bien en la ciudad o en el campo.



Política y sociedad alternativa

En su origen, es un símbolo "pro-desarme nuclear"Podríamos considerar algunos valores y consignas del movimiento en general, aunque existen hippies que enfatizan más sobre un estilo de vida bohemio; otros grupos con una tendencia marcada por la espiritualidad alternativa (new age, chamanismo); y finalmente otras comunidades que están envueltas en activismo radical (yippies), ecologismo, o varias de estas cosas al mismo tiempo.

En general se podría mencionar la tendencia de adoptar un modo de vida comunitario, basado en el amor, la paz. Renegaban del nacionalismo y de la regulación estatal así como de la mercantilización y burocratización de la vida cotidiana, como también del consumismo y del capitalismo. Esto se lo solía hacer mediante la participación en activismo radical y/o mediante la práctica de la simplicidad voluntaria. Existe cierta tendencia a revalorizar y valorizar modos espirituales no occidentales o no judeo-cristianos. Se suele estar en desacuerdo con los valores tradicionales de la clase media y de la burguesía así como los de la burocracia. Se considera el paternalismo gubernamental, el militarismo, las empresas multinacionales, y los valores sociales tradicionales como parte de un Sistema que, a sus ojos, guarda poca legitimidad o es esencialmente opresivo.[1]



Los hippies suelen buscar lugares de autonomía con respecto de las costumbres hegemónicas de la sociedad.[2] Por sí mismo el movimiento no tiene un carácter ideológico/político específicamente definido o una organización homogénea o estable, aunque generalmente se tiende a ideas y modo de vida con tendencia claramente inclinada a una perspectiva de socialismo libertario[3] y ecologismo. De todas formas gran parte de los hippies fueron relativamente apolíticos o sino políticamente sincréticos. Estas perspectivas, debido al rechazo del consumismo y de la mercantilización de la sociedad capitalista contemporánea ponían de manifiesto su visión usualmente ecologista, y fundamentaban la importancia hacia el respeto a la libre expresión de la subjetividad y la creatividad, claras tendencias hacia experiencias autogestionadas, dejando bien claro el rechazo hacia el burocratismo y la propuesta más desarrollada, que era la creación de comunidades intencionales y otros modos de relaciones humanas o lo que se llegó a denominar una sociedad alternativa.

En esta perspectiva se tendió a revalorizar culturas locales no hegemónicas asociables con modos de vida no industriales o preindustriales debido a su modo de vida más ecosustentable, menos consumista, más comunitario, más descentralizado donde el contacto humano es más constante y posible. Así pues, a fines de los sesenta en EE.UU. los hippies decidieron investigar y revalorizar los legados y formas culturales de los indígenas norteamericanos. En la expansión posterior del movimiento así mismo se tendió a revalorizar las culturas ancestrales e inclusive abiertamente se abrazaba el indigenismo. En Europa se tendió hacia variantes de reconstruccionismo pagano en el cual se quería entender y actualizar tradiciones religiosas y de cosmovisión previas al dominio del cristianismo asociados con una cultura campesina prefeudal.



Sexo, amor y amor libre

La perspectiva del amor libre significa no necesitar de la aprobación de otros, del estado o de la iglesia y evitar la prohibición de éstos; de todo encuentro físico-sexual o romántico amoroso entre adultos en consenso mutuo. A veces se le asignó al sexo una importancia espiritual y de realización importante dentro la vida personal.[4] Prácticas como la unión libre, la promiscuidad, el poliamor, la homosexualidad, la bisexualidad y las relaciones interraciales son aceptables tanto como el celibato y la monogamia.

Estados alterados de conciencia, drogas, meditación y recreación

Otro aspecto usualmente asociado a los hippies es la búsqueda de Estados alterados de conciencia. Aquí hubo muchas influencias puntuales y motivaciones. Se puede seguir una búsqueda espiritual o inclusive religiosa en el adentrarse a la experiencia psicodélica, así como la de lograr un estado de conciencia superior al que las formas y modos sociales contemporáneos tienden. Esta posición última fue la desarrollada por Aldous Huxley y continuada por iconos como Timothy Leary y Ken Kesey. El uso de sustancias psicodélicas es algo que diversas culturas pre-capitalistas practicaron y practican dentro de una perspectiva del chamanismo. Otras formas de lograr estos estados a los que otros hippies o los mismos que también han usado sustancias psicodélicas son las de la meditación con practicas como el yoga o practicas más recientes del new age con perspectivas ecologistas.



El uso de drogas puede ser así también algo recreativo y de interrelación social. Existe de todas formas una tendencia a criticar drogas duras como el alcohol, la cocaína, las anfetaminas y la heroína. Esto debido a que en ciertas oportunidades el alcohol puede ser causa motivadora de violencia. Así también drogas como la cocaína o la heroína suelen tener fuertes tendencias adictivas muy superiores a las de las sustancias psicodélicas (LSD) o la marihuana. Así también sustancias como la cocaína, las anfetaminas y la heroína tienden a ser asociables con la violencia del mundo del trafico de drogas y el negocio capitalista global del narcotráfico. El debate y las practicas dentro de los hippies es complejo y diverso. Generaciones posteriores de hippies han tendido en algunos casos a profundizar estas criticas a algunas drogas o a las situaciones de violencia y adicción ligadas a su consumo.[5]

Viajes y nomadismo

Otro rasgo asociable a los hippies es el gusto por viajar. Esto es uno de los puntos bastante asociables a la influencia de la Generación Beat, de donde la obra de Jack Kerouac On the Road (En el Camino) de 1957, representa toda una invitación literaria hacia el autodescubrimiento mediante el viaje y la aventura. Así pues es común empacar un equipaje liviano y marcharse hacia algún festival o concierto alternativo, una demostración política o en si cualquier otro lado solo para experimentar cosas nuevas y conocer a nueva gente. Es muy común el hacerlo a través de hacer dedo o como se le dice en otros lugares jalar dedo, pedir aventón, etc. En algunos casos la preocupación monetaria era nula o en todo caso menor que la del viajero habitual. Los hippies en esta forma anticiparon la tendencia posterior de los mochileros, despreocupándose del alojamiento al utilizar tiendas de campaña o bien yendo a casa de algún conocido o a un centro social, etc.[6]


Se dio ya en los sesenta la aparición de los crash pads o lugares en donde se suele recibir viajeros gustosamente en algunos casos gratis o con mínimas contribuciones más bajas que los hoteles. El valor importante aquí era el de reciprocidad en tanto alguna gente aprecia la compañía y la novedad de visitantes lejanos y los viajeros consiguen alojamiento transitorio. Estas formas continuaron siendo practicadas posteriormente por algunos grupos y en algunos casos trascendieron a los hippies. Otra forma conocida era los autos modificados para viajar largas distancias llevando algunas cosas para la vida cotidiana. Esto llego a ser casi el signo de identidad de los New Age Travellers del Reino Unido en los ochenta para adelante.

Estilo, comportamiento, controversia y rechazo

El ícono del hippie suele ser un hombre con el pelo y barba notablemente más largos que lo considerado «elegante» en la época. Ambos sexos tendían a dejarse el cabello largo y algunos hippies caucásicos lo llevaban al estilo afro, imitando a los afroamericanos.

Entre las mujeres apareció la tendencia de no llevar sujetadores y de no afeitarse axilas o piernas. Esto tendría influencia en el feminismo de décadas posteriores pero todavía fueron más trascendentes otros valores como el del amor libre, el cual argumentaba a favor del derecho al placer, evitando las restricciones de la familia nuclear y el Estado.

Mucha gente no asociada a la contracultura consideraba estos largos cabellos una ofensa, o «anti-higiénicos», o consideraban aquéllo «cosa de mujer». El entonces gobernador de California, Ronald Reagan, definió al hippie como «un tipo con el pelo como Tarzán, que camina como Jane y que huele como Chita».

A veces esto se hacía en abierta rebeldía contra las construcciones de género de la sociedad basada en una estricta división de roles y comportamientos para los sexos. También los hippies abrieron vía para la tolerancia y el respeto a la homosexualidad y las relaciones interraciales.

Para ambos sexos, tanto el cabello largo como su forma de vestir funcionaban como señal de pertenencia a esta contracultura y muestra de su actitud iconoclasta.

Es una acción típica de los hippies el llegar a un lugar y sorprender positiva o negativamente a aquéllos con estilos y formas más convencionales ya sea individualmente o en grupo. Estas situaciones eran y son usualmente disfrutadas por los hippies y a veces hasta pueden alcanzar niveles teatrales, festivos o de happening en algunos casos acompañadas de música en vivo. A veces esto es planeado y otras veces no y suelen estar sazonadas por la usual actitud alegre y relajada típica hippie que espera que se contagie al resto.

Influencia posterior de estos valores

La filosofía hippie tuvo un importante impacto en la cultura influenciando la música, el cine, la literatura y el arte. Así mismo algunos valores hippies como la tolerancia y celebración de la diversidad cultural y étnica han logrado amplia aceptación incluso por la sociedad mayoritaria. También sus valores de libertad sexual (amor libre) y su búsqueda de formas de espiritualidad alternativa han logrado expansión y aceptación.

Por otro lado los hippies anticiparon el movimiento New Age o Nueva Era así como múltiples movimientos reconstruccionistas y conservacionistas de culturas locales amenazadas por la globalización homogénea de la sociedad occidental, y en alguna forma, también, al movimiento ecologista. La idea que manejaron en torno a la sociedad era la de la construcción de una Sociedad alternativa, idea que tuvo importante influencia en subculturas y movimientos políticos de socialismo libertario y ecosocialismo posterior.

Relaciones con otras subculturas juveniles

Actitudes básicas como las de celebración de la diversidad, no agresividad, una tendencia hacia la alegría inocente, el hedonismo y el uso recreativo, espiritual o medicinal de drogas han recibido el rechazo e inclusive la violencia de personas conservadoras o subculturas con valores opuestos. Se destaca entre esto el acoso policial.

El conflicto ya apareció en los sesenta en sectores de la Escena freak que aunque muy cercana en valores e inclusive en el uso de la palabra freak a los hippies, por otro lado se comenzarían a expresar sentimientos posteriores de rechazo de otras subculturas. En los sesenta también esto se dio con los mods y los rockers. Algunos en estas subculturas británicas en cambio se acercaron a los comportamientos hippies.

Los insultos y la violencia de subculturas juveniles especialmente el punk o el skinhead han tomado especial importancia. Desde los Sex Pistols ha existido una cultura de rechazo y burla a los hippies en el punk que a veces se ha expresado en violencia y en canciones como la de la banda NOFX "Always hate hippies".[7] En el caso de la subcultura skinhead este rechazo y más pronunciada violencia que en el caso punk se expresó ya a fines de los sesenta en Inglaterra donde nació la subcultura skinhead y paralelamente ya se había implantado el movimiento hippie. Esto se ha profundizado con la aparición a fines de los setenta de una tendencia abiertamente fascista dentro de la subcultura skinhead.

Dentro de otras subculturas existe actitudes menos violentas pero igualmente de posible rechazo y burla. Así pues subculturas como la gótica, dark (spooky kids en Estados Unidos), emo, entre otras, pueden expresar un rechazo hacia los hippies dado a que tienen una visión de mundo basadas en el nihilismo y la melancolía, cosas casi diametralmente opuestas a la alegría optimista de los hippies.

Por otro lado las expresiones contraculturales autogestionarias de los hippies claramente anticiparon las del punk. Así también ha existido encuentros más favorables entre neohippies y punk y así dentro del punk aparecieron tendencias como el anarco-punk y ciertos crust punks marcados claramente por la política ecologista de anticapitalismo libertario y anticonsumismo.

Influencias e interrelaciones más cordiales se dieron entre el legado hippie y los neohippies con la subcultura rave. Así pues apareció un contingente de neohippies que abrazaron el psytrance en los noventa y 2000. El psytrance es música psicodélica a veces con tendencias de neochamanismo y de neo-tribalismo y de expansión de la conciencia. Por otro lado la expansión de la música reggae y del movimiento rastafari fuera de Jamaica hizo que muchos neohippies decidieran hacerce Rastas, escuchar reggae y dub o que rastas no jamaiquinos también hayan sido influenciados por un legado hippie.

Otras características asociadas al movimiento

Ropas de colores brillantes (de estética psicodélica) o, en su defecto desteñidas: camisas floreadas o muy coloridas, largas faldas, pantalones de campana (botamanga ancha),etc. Se inspiraron también en estilos de vestir no occidentales, como las ropas nativas americanas (cherokee), de la India o africanas, y adoptaron símbolos como la flor o motivos de los indios americanos. Muchos de los hippies se confeccionaban su propia ropa, en protesta ante la «cultura consumista».
Les agradaba tocar y componer música en las casas de amigos o en fiestas al aire libre como en el Human Be-In en la ciudad de San Francisco (California), celebrado el 7 de enero de 1967. Asistían a festivales como el Festival Pop de Monterrey en junio de 1967 y el Festival de Woodstock en agosto de 1969. Actualmente, existe el llamado Burning Man Festival.
Amor libre, ejemplificado en su rechazo a la institución del matrimonio y el desarrollo una conducta sexual libre de las regulaciones provenientes de la Iglesia cristiana o el Estado, vistas como intromisiones en la vida personal y obstáculo en la libertad individual. Generalmente, son tolerantes con la homosexualidad y la bisexualidad así como de las relaciones interraciales. También son conocidos por apreciar el placer y por asociar el sexo a valores beneficiosos para las personas.
Vida en comunas, aunque ya no tan habitual, en libre asociación comunitaria.
Gusto por la creación de situaciones y la creación de Zona temporalmente autónoma.
Uso de incienso, tomado esto del budismo zen que promovieron escritores de la generación beat como Jack Kerouac y Aldous Huxley; además de una recuperación de los valores naturales de las plantas.
En la mayoría de ellos el uso de drogas como marihuana, hachís, y alucinógenos como el LSD y la psilocibina (extraída de un hongo), son algo habitual ya sea para diversión o para lograr una «expansión de la mente y la conciencia» mediante la «experiencia psicodélica»; algo predicado por Aldous Huxley, Allen Ginsberg y principalmente Timothy Leary a principios de los 60. Posteriormente esto se asoció con perspectivas cercanas al chamanismo y a espiritualidad alternativa. Los hippies también a veces suelen consumir drogas duras como alcohol, cocaína, etc.; aunque usualmente se prefiere las drogas psicodélicas e inclusive a veces se critica la tendencia del alcohol a provocar la violencia así como las consecuencias adictivas de drogas como la cocaína y la heroína.[5]
Gusto por escuchar, interpretar y componer rock psicodélico, rock progresivo, música folclórica local, folk-rock, acid folk y más recientemente Música New Age, psytrance o psybient. De todas formas suelen escuchar más géneros de música que en algunos casos comparten valores y estéticas similares al hippismo o la psicodelia como la música New Age o el reggae o inclusive otros con visiones y perspectivas más lejanos aunque las tendencias principales de gustos musicales son éstas.

Orígenes de la palabra hippie

La palabra inglesa hippie deriva de otra palabra en inglés, hip, que quiere decir «popular, de moda». De ese término se deriva la palabra inglesa hipster (un «hipista»), que indica a los que pretenden ser hip, los bohemios. En los EE.UU. antes de los años 1960, los bohemios y los hipsters por lo general se envolvían con la cultura negra (por ejemplo: Harry "The Hipster" Gibson y también uno de los más revolucionarios, el famoso Miguel W. Larrea) y el jazz. El 6 de septiembre de 1965, en el periódico de San Francisco llamado The San Francisco Examiner, el periodista Michael Fallon utilizó la palabra hippie por primera vez para referirse a los nuevos beatniks y a los jóvenes de modas bohemias (al contrario de los viejos bohemios o Generación Beat). Pero la gran prensa aún tardó casi dos años en utilizar la nueva palabra.


Orígenes y popularización del movimiento

El comienzo

Usualmente se establece el precedente clave para la emergencia del movimiento hippie y este es el de la Generación Beat. Una figura clave de unión entre estos dos movimientos es Allen Ginsberg el cual es asociado con los beats como poeta y a fines de los sesenta cambiaría de atuendo para así también ser asociado bastante con el movimiento hippie. De todas formas habría que diferenciar la actitud diferente entre los beats y los hippies. Mientras los primeros tendían hacia el cinismo, gustaban de la filosofía existencialista y vestían usualmente todo de negro o marrón, los hippies tenían una actitud más positiva y vestían de ropas multicolores. La influencia clave del los beats con los hippies fue el estilo de vida bohemio y una actitud antiautoritaria. Por otro lado San Francisco, que ya era una ciudad importante para la Generación Beat, se convirtió en "La Meca" del movimiento hippie.

Durante el comienzo de los 1960s el novelista Ken Kesey y los Merry Pranksters vivían comunalmente en La Honda, California. Los miembros de este colectivo incluían el héroe de la Generación Beat Neal Cassady, Ken Babbs, Mountain Girl, Wavy Gravy, Paul Krassner, Stewart Brand, Del Close, Paul Foster, George Walker, Sandy Lehmann-Haupt y otros. Sus acciones y travesuras fueron documentadas en el libro de Tom Wolfe The Electric Kool-Aid Acid Test. En un bus escolar llamado "Furthur" (una deformación intencional de la palabra inglesa para más allá), los Merry Pranksters viajaron a través de los Estados Unidos para celebrar la publicación del libro de Kesey y para visitar la Feria Mundial de 1964 en la ciudad de Nueva York. Los Pranksters eran conocidos por usar marihuana, anfetaminas, y LSD, y durante sus viajes introdujeron a mucha gente a estas drogas y a su estilo de vida. Los Merry Pranksters filmaron y grabaron en audio sus viajes en bus, creando una experiencia multimedia que después se presentaría al público en la forma de festivales y conciertos realmente novedosos.[8]


Otra influencia clave fue el movimiento de música folk estadounidense el cual tenia base fuerte en el noroeste de EE.UU. y en Berkeley en California. Chandler A. Laughlin III era fundador de un bar de conciertos de música folk. En el verano de 1965, Laughlin reclutó a gran parte del talento que llevó hacia la amalgama única de música folk tradicional y la escena de rock psicodélico. El y otros crearon lo que se comenzó a conocer como "The Red Dog Experience", en la cual estaban bandas como Big Brother and the Holding Company, Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, The Charlatans, The Grateful Dead y otros que tocaron en el Red Dog Saloon de Virginia City, en Nevada. .[9] Laughlin y George Hunter ya vestían en la forma posterior típica de los hippies con el pelo largo y ropa con influencias indígenas estadounidenses.

En los conciertos que tocaban estas bandas se comenzó a crear el show de luces psicodélicas[10] y masivas fiestas en donde se bailaba en forma libre. Algunos de los primeros hippies fueron estudiantes del San Francisco State College intrigados con el movimiento en gestación.[11] Muchos de estos se unieron con las bandas de su preferencia y comenzaron a vivir el el legendario barrio de San Francisco de Haight-Ashbury. Así mismo jóvenes de otras partes de EE.UU. comenzaron a mudarse a San Francisco a Haight-Ashbury. Las acciones de teatro callejero y happenings comenzaron a darse en este contexto. A fines de 1966, los Diggers abrieron tiendas donde se regalaban cosas como comida, drogas, dinero, se organizaban conciertos gratuitos y se realizaba arte político. Casi en respuesta a todo esto se declaró ilegal al LSD en el estado de California en octubre de 1966.

El año de 1967 usualmente es conocido como el verano del amor. En enero se organizó el Human-Be In en el cual se dieron actividades diversas como una feria de productos contraculturales, discursos de personalidades como Timothy Leary, Ram Das, así como la poesía beat de Allen Ginsberg y Gary Snyder y un concierto de Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y The Grateful Dead. Se estima que asistieron alrededor de 20,000 personas de todo el país. En el verano se dio el famoso Festival de Monterey Pop en el cual tocaron las bandas psicodélicas de San Francisco así como bandas británicas como The Who y The Animals como además se dio el hecho importante allí del lanzamiento a la fama en EE.UU. de Jimi Hendrix. Estos hechos le dieron notoriedad nacional al fenómeno hippie y así mismo fue recibido con escándalo y rechazo las formas y propuestas de vida de los hippies por parte de sectores conservadores de EE.UU. Lo que más escandalizaba era el uso de drogas de los hippies y la moral y practicas sexuales libertarias hedonistas.

Popularización, reacción social, y política

La atención masiva de los medios de comunicación estadounidenses al movimiento hippie causo molestias inclusive dentro de los mismos hippies. En un parque de San Francisco al final del verano del amor los Diggers decidieron organizar un evento teatral-político llamado "La muerte del hippie" en el cual se enterró simbólicamente a un hippie en un ataúd. Denunciaron allí al fenómeno de atención nacional como mucho una creación de los medios de comunicación.[12] En alguna forma se quería también denunciar como esto había causado la llegada de muchas personas a San Francisco con perspectivas limitadas a la fiesta y las drogas y poco alineadas con los valores más profundos en gestación como la no violencia y la creación de una sociedad alternativa. En algunos casos se dio la llegada de personas adictas a drogas duras como la heroína y con comportamientos violentos asociados al consumo de estas. En si se quería denunciar la mercantilización de la moda hippie y su recuperación por el capitalismo de consumo que ya comenzaba a dar indicios de querer presentar una moda hippie para el consumo masivo. De todas formas el fenómeno y las formas de vida estereotipadas por medio de los medios de comunicación adquirieron una notoriedad nacional.

Los sectores conservadores de la sociedad estadounidense también se encontraban reaccionando contra el movimiento de Derechos Civiles que en ese entonces peleaba por la desegregación racial de EE.UU. En este contexto sectores de afro-estadounidenses dentro del movimiento de derechos civiles se radicalizaban y así aparecieron las Panteras Negras en la ciudad vecina de San Francisco, la ciudad de Oakland. Aunque el ímpetu de los hippies y los cercanos a ellos poseía un claro sentido político, este comenzó a provocar una convergencia de muchos hippies con los movimientos sociales reivindicativos de la época.[13]

La causa que llevo a muchos hippies a entrar en la protesta social fue la Guerra de Vietnam. En algunos casos se dieron alineaciones con una perspectiva política más amplia e inclusive el llevar a las propuestas utópicas a la práctica vivencial radical como fue la aparición de comunidades intencionales hippies. Este movimiento tuvo como pionero al proyecto llamado Drop City el cual comenzó como un intento artístico creativo pero que atrajo la atención y el voluntariado de muchas personas. Esto se dio en Colorado en donde posteriormente se establecerían otras comunidades intencionales hippies.

Así mismo desde 1964 comenzó a darse un importante movimiento de prensa alternativa contracultural. Los Diggers constituían un ala de los hippies altamente politizada con posiciones políticas de izquierda libertaria. Posteriormente se daría la aparición de los yippies los cuales deseaban profundizar y expandir las propuestas y acciones anticapitalistas de los diggers así como sus formas de acción directa basadas en el happening y en el humor subversivo. Estos adquirieron su mayor nivel de notoriedad nacional en la convención nacional del Partido Demócrata de 1968 en donde decidieron "presentar" como "candidato presidencial" a un cerdo al que llamaron Lyndon Pigasus Pig. Los hippies politizados se comenzaban a alinear con el movimiento de derechos civiles y el movimiento contra la guerra de Vietnam<.[13]


En agosto de 1969 se dio el famoso Festival de Woodstock con la asistencia de alrededor de 500,000 personas de todo el país. Entre los artistas que se presentaron allí están Richie Havens, Joan Baez, Janis Joplin, Sly & The Family Stone, The Grateful Dead, Creedence Clearwater Revival, Crosby, Stills, Nash & Young, Santana, The Who, Jefferson Airplane, y Jimi Hendrix. Se organizaron servicios médicos y de seguridad principalmente por el colectivo Hog Farm. Estos se habían aliado en la convención del partido Democrata de 1968 con los yippies y ya se encontraban viviendo comunalmente. La comuna de Hog Farm se encuentra hasta hoy en existencia en California.

Tal vez ese momento fue la cúspide del movimiento. La reacción mediática y conservadora posteriormente quiso desprestigiar al movimiento entero asociándolo a dos hechos sobre los cuales se desplegó una fuerte acción. Por un lado estuvo el asesinato de un joven afro-americano por parte de un miembro de la pandilla de motocicletas Hell´s Angels en el concierto de Altamont en California de 1969. Por otro lado se intento asociar a los asesinatos de Charles Manson de 1970 con los hippies y el movimiento contracultural. Para muchos Manson parecía un hippie típico debido a su pelo largo y a sus prácticas sexuales promiscuas. De todas formas tenia un récord policial con varios crímenes de robo y agresión física armada contra otros e inclusive salio de la cárcel en 1967 justo para el Verano del Amor. Las practicas de Manson estaban diametralmente opuestas con los valores hippies de pacifismo y empatía pero muchos decidieron asociarlo con ellos de todas formas.


Declinación de la moda hippie en EE.UU.

El escándalo mediático sobre los hechos de Altamont y el caso Manson desprestigiaron a los hippies en los ojos de algunos que inclusive en un inicio simpatizaron con ellos. Por otro lado partes del atuendo típico de los hippies como el pelo largo o los pantalones de campana ya se convirtieron en moda seguida por muchos jóvenes en EE.UU. que igual podían no compartir los ideales hippies o solo querían seguir cierta estética.

Por otro lado el movimiento de comunidades intencionales tenia diversas circunstancias individuales. En gran parte no sobrevivió el comienzo de la década de los setenta pero se dan casos como el de la Hog Farm todavía continua existiendo hasta hoy. El movimiento en EE.UU. desde los setenta en adelante regresaría en donde comenzó; al underground.

Expansión a otros países y nuevas manifestaciones del movimiento

Aunque este movimiento fue de origen estadounidense, se expandió dentro de la globalización general de la subcultura juvenil rebelde de los sesenta. En EE.UU. la subcultura se expandió sobre todo a partir de 1966-67 desde su origen californiano hacia el este del país, y después llegaría a Europa, América Latina, y Oceanía. El año 1967 así fue conocido como el verano del amor y después se alcanzaría un punto cúspide en el festival de Woodstock de 1969 en la costa este de EE.UU. Cuando se declaraba el fin de los hippies en EE.UU. a comienzos de la decada de los setenta, en algunas partes del globo recién llegaba la influencia hippie. Así mismo en muchos casos como paso en EE.UU. a fines de los sesenta mucha gente tomo esta influencia en forma superficial ligada a una estética de ropa o a escuchar rock y estar en fiestas o usar drogas.

Ejemplos de la posterior expansión del movimiento y su influencia son muchos. En América Latina por ejemplo esta la escena jipiteca de México de los setenta. En ese país se dio el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro en 1971 o como se lo ha llegado a llamar el "Woodstock" mexicano. En Chile se realizo un evento similar, el Festival de Piedra Roja en 1970 en el cual tocaron entre otras bandas la banda chilena de rock progresivo con influencias andinas Los Jaivas así como Aguaturbia, Los Blops y Lágrima Seca. En estos conciertos en mucho se dio una convergencia masiva a lo Woodstock pero por ejemplo en el caso del Festival de Avandaro rondaba la idea de que lo auspiciaba Coca-Cola y que incluyó una carrera de automóviles.[14] Posteriormente se daría una profundización cultural que ya se verían posiciones de responsabilidad social y ecológica como valores a tener en cuenta, realizándose acciones para lograrlo.. Esto incluía cosas como el tomar acción sobre la basura en los conciertos de los setenta y ochenta de los Grateful Dead lo cual iba en muchas veces a cargo de los mismos deadheads.

Las ideas y los caminos que estas motivaban de todas formas siguieron su curso. Algunos hippies decidieron comenzar a viajar por varias razones. Así es famosa la aparición en los setenta del hippie trail o el camino hippie. Usando varias formas de reducción de gastos muchos hippies se decidieron a tomar largos viajes a través de EE.UU. o inclusive el mundo. Una ruta muy popular fue una que comenzaba en Europa ciudades como Londres or Amsterdam. Después Luxemburgo, y posteriormente Estambul, Teherán, Herat, Kabul, Peshawar, Lahore y finalmente Katmandú o la isla de Goa en la India.[6] Katmandú todavía tiene una calle conocida como "Freak Street" en memoria de los miles de hippies que pasaron por allí. Otros continuaban a India, Sri Lanka, y en algunos casos Australia y Nueva Zelanda. Las motivaciones para esto eran muchas así como las razones del porque llegar a una ciudad en especifico. En el caso de lugares como la India lo que se buscaba era algún encuentro espiritual o el conocer mas las practicas religiosas-espirituales orientales. Otras como Londres o Amsterdam eran escogidas por su vibrante vida bohemia, artística y underground. Ciudades como Katmandu eran escogidas por el hecho de que el consumo de drogas era prácticamente legal allí.

Otras vias que tomaron los hippies o los influenciados por estos fueron los de una búsqueda religiosa-espiritual. Esta el caso del Jesus movement el cual era una sección de hippies cristianos que simpatizaban con las posiciones de la simplicidad voluntaria pero se alineaban con las posiciones de rechazo del sexo y las drogas usuales del cristianismo. Tendían a querer situaciones comunitarias similares a las de los cristianos originales bajo el Imperio Romano. Otros casos se dieron en los cuales algunos tomaron las vías de cultos new age, neopaganismo, neochamanismo o religiones y cultos orientales. El sincretismo religioso era una tendencia importante en esa época. Algunos hippies abandonaron el hippismo por estas tendencias. Otros no.

Así mismo esta el masivo movimiento de viajeros en casas carro de Nambassa, Nueva Zelanda a fines de la década de los setenta. En el Reino Unido en los ochenta aparecerían con fuerza los New Age Travellers que viajaban alrededor del país recorriendo los festivales de música gratuitos. Estos protagonizaron el evento conocido como la Batalla de Beanfield en la cual se quiso realizar el Festival de Stonehenge de 1985 pero esto fue impedido por la policía antidisturbios, todo en una forma que después anticiparía al movimiento freetekno y sus fiestas techno okupa de los noventa y 2000. En EE.UU. en los años setenta, ochenta y noventa, así mismo aparecerían grupos de fanáticos de la banda psicodélica folk The Grateful Dead que fueron conocidos como deadheads y seguían a la banda en sus múltiples tours alrededor del país en fiestas interminables.

Algunos viejos y nuevos hippies comenzaron a aparecer en los ochenta junto con un renovado interés de la juventud de ese entonces en la subcultura de los sesenta. En está década comenzaron a aparecer en EE.UU. las llamadas jambands que seguían el estilo de The Grateful Dead de rock improvisatorio y rock progresivo. La banda más conocida de este movimiento fue Phish y ésta lograría un culto parecido a los deadheads. Así también durante los tours del grupo Phish que realizaba alrededor de la geografía de su país, eran seguidos por numerosas colectividades de phishheads quienes practicaban un estilo de vida muy cercano al de las comunidades hippies de los años sesenta.

Otro desarrollo tuvo influencia en nuevas generaciones de hippies o neohippies.

En la isla de Goa en la India se había establecido una fuerte influencia de hippies desde los sesenta e inclusive algunos se quedaron a vivir en ella. Esto había pasado por la aparición en los setenta del hippie trail o camino hippie. En los ochenta en está isla comenzó a llegar la música electrónica de Europa y el techno. Así comenzaron a ser populares entre los hippies de allí la música de artistas como el Rock espacial, el krautrock de Kraftwerk o Klaus Schulze y su música espacial new age. Esta música se caracterizaría por el uso de instrumentos electrónicos como sintetizadores. En los ochenta aparecería el tecno y en los noventa aparecerían el Goa trance y el Psytrance. La subcultura rave retomaría algunos aspectos de los hippies y fue así que nuevos hippies abrazarían al goa trance y al psytrance o trance psicodélico.[15]

Así en gran parte de occidente existen algunos grupos de hippies y neohippies que preservan y renuevan los valores y estilos de vida "hippies" en una forma u otra.

Actualmente existe cierta tendencia a encontrar hippies cercanos al psytrance y otros que se han quedado en el gusto por el rock psicodélico, el rock progresivo o la música folclórica de sus países. Muchos de los hippies cercanos al psytrance ahora participan en el movimiento contemporáneo del freetekno que se basa en fiestas electrónicas ilegales masivas en Europa y América del Norte. Es también común encontrar neohippies que escuchan todos estos géneros de música al mismo tiempo.

Los festivales de rock masivos o de arte al aire libre al estilo sesentero continúan en muchas formas y algunos de estos, que se desarrollan hoy en día, tienen una fuerte reputación hippie. Así pues tenemos al festival Burning Man de EE.UU. o Glastonbury en el Reino Unido. En estos festivales se combina música de diferentes características y origen, con manifestaciones artísticas de diverso tipo; fiesta que se propone mantener una fuerte cultura basada en el respeto, ecologismo, y en la celebración de la diversidad y la interculturalidad.

Por otro lado además de movimientos como los New Age travellers existen otros de alcance global como los llamados Rainbow Family Gatherings que implican encuentros en los que se quiere crear un ambiente y una celebración de paz, diversidad, libertad, ecologismo y solidaridad. Usualmente asisten personas interesadas en la perspectiva de la Sociedad alternativa y se suelen realizar múltiples actividades como círculos de tambores, música en vivo, círculos de meditación y espiritualidad alternativa y acampadas.[16] Los Rainbow Family Gatherings suelen tener festivales en EE.UU. así como festivales mundiales en diversas partes del globo.

Legado

Alrededor de 1980, gran parte del estilo hippie, pero muy poco de la esencia del movimiento, fue absorbido por la cultura mayoritaria. La prensa generalista perdió interés en está subcultura. Por su parte, muchos de los antiguos hippies se integraron en la corriente dominante de pensamiento y los sistemas sociales y económicos de los que otrora habían renegado.

No obstante, otros hippies continuaron manteniendo un compromiso profundo con está forma de vivir y sus ideales.
En virtud a que los hippies tendieron a evitar la publicidad después del Verano del amor y de Woodstock, surgió un mito popular de que el movimiento había desaparecido, aunque de hecho continuó existiendo en comunidades instaladas en diversos países. La evolución de algunas comunas hippies ha dado lugar a las ecoaldeas de hoy, también llamadas «comunas del 2000».

Aun hoy, muchos de estos hippies se dan cita en festivales y encuentros para celebrar la vida y el amor, como en el Festival de la Paz.

Woodstock




El festival de música y arte de Woodstock fue uno de los festivales de rock más famosos de la historia. Tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado que tuviese lugar en un lugar del pueblo de Woodstock, en Ulster County; la oposición local casi cancela el evento, pero Sam Yasgur convenció a su padre Max Yasgur para acoger al concierto en los terrenos de la familia, localizados en Sullivan County.

Ocurrieron tres muertes en el festival de Woodstock: una debida a una sobredosis de heroína, otra tras una ruptura de apéndice y una última por un accidente con un tractor. También ocurrieron dos nacimientos no confirmados en el festival. Se realizó un famoso documental sobre este concierto, dirigido por Michael Wadleigh y montado por Martin Scorsese. Fue estrenado en 1970 y ganó el Premio Oscar al mejor documental. La película ha recibido el título de "culturalmente significativa" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.



Woodstock ha sido de los mejores festivales de música y arte de la historia. Congregó a 1.000.000 de espectadores, 340.000 más de los que esperaba la organización, y se estima que 250.000 no pudieron llegar, la entrada costaba $18 americanos de la época para un solo día, por lo que en la actualidad costaría sobre unos $24; y el bono de tres días estaba a $94.

Woodstock se convirtió en el ícono de una generación de norteamericanos hastiada de las guerras y que pregonaba la paz y el amor como forma de vida y mostraban su rechazo al sistema, por lo tanto, gran parte de la gente que concurrió a dicho festival era hippie(realmente ellos no se designan así, sino que así fue como los denominaba la gente).Este festival fue un movimiento que se desarrolló en los Estados Unidos durante la década de los 60, en la cual los que concurrían llevaban melena y amuletos, las chicas faldas de colores; sus símbolos eran la bandera del arco iris, y el llamado símbolo de la paz.



Los "hippies" estaban en contra de la guerra de Vietnam, por lo que Jimi Hendrix tocó el himno estadunidense en eléctrico durante el festival para demostrar que porque estuvieran en contra de la política militar de su país seguían siendo estadounidenses, ya que algunos los tachaban como un movimiento Anti-Estados Unidos. Sus ideales eran, aparte del pacifismo, el amor libre, la vida en comunas, el ecologismo, y el amor por la música y las artes; se llegó a creer que habían dejado de existir ya que desde el Verano del amor de 1967 y Woodstock tendieron a evitar publicitarse, aunque aún siguen existiendo en numerosos países, evolucionando algunas comunas hippies a ecoaldeas, que también se denominan como comunas del año 2000 y todavía siguen dándose cita en algunos festivales y encuentros para celebrar la vida y el amor, como en el Festival de la Paz; aun así, debido al número de asistentes, las condiciones sanitarias dejaban más que desear ya que se organizó el festival pensando que iban a acudir unas 250.000 personas pero al final según estimaciones se llegó a un aforo de unas 500.000, provocando que hubiera algo de delincuencia durante el festival, en contraste con las pretensiones de este que pretendía ser una celebración a favor de la paz y del amor.

Durante el festival se vivieron intensas noches de sexo y drogas, destacando el consumo de LSD y Marihuana; todo esto aderezado con música rock. Aunque inicialmente el concierto se organizó pensando que conllevaría pérdidas para la organización, el éxito del documental sobre el evento hizo que finalmente resultara un acto rentable.

Posteriormente se celebrarían otros festivales de Woodstock: 1979, 1989, 1994 y 1999, pero el de 1969 es el Woodstock por antonomasia.




Artistas participantes
Los cantantes, con sus actuaciones y el orden que ocuparon en el festival son los siguientes:


Viernes 15 de agosto

El concierto empezó oficialmente a las 5:08 de la tarde, empezó con Richie Havens con un recital folk.

Richie Havens (Abrió el festival - tocó 7 canciones)
High Flyin' Bird
I Can't Make It Anymore
With A Little Help
Strawberry Fields Forever
Hey Jude
I Had A Woman
Handsome Johnny
Freedom

Swami Satchidananda. Dio la invocación espiritual para el festival

Country Joe McDonald. El tocó sin su banda The Fish
I Find Myself Missing You
Rockin' All Around The World
Flyin' High All Over the World
Seen A Rocket
The "Fish" Cheer/I-Feel-Like-I'm-Fixin'-To-Die Rag

John Sebastian
How Have You Been
Rainbows All Over Your Blues
I Had A Dream
Darlin' Be Home Soon
Younger Generation

Sweetwater
What's Wrong
Motherless Child
Look Out
For Pete's Sake
Day Song
Crystal Spider
Two Worlds
Why Oh Why

Incredible String Band
Invocation
The Letter
This Moment
When You Find Out Who You Are

Bert Sommer
Jennifer
The Road To Travel
I Wondered Where You Be
She's Gone
Things Are Going my Way
And When It's Over
Jeanette
America
A Note That Read
Smile

Tim Hardin, an hour long set
If I Were A Carpenter
Misty Roses

Ravi Shankar, tocó cinco canciones mientras estaba lloviendo
Raga Puriya-Dhanashri/Gat In Sawarital
Tabla Solo In Jhaptal
Raga Manj Kmahaj
Iap Jor
Dhun In Kaharwa Tal

Melanie
Beautiful People
Birthday of The Sun

Arlo Guthrie
Coming Into Los Angeles
Walking Down the Line
Amazing Grace

Joan Baez
Oh Happy Day
The Last Thing On My Mind
I Shall Be Released
Joe Hill
Sweet Sir Galahad
Hickory Wind
Drug Store Truck Driving Man
I Live One Day At A Time
Sweet Sunny South
Warm and Tender Love
Swing Low Sweet Chariot
We Shall Overcome



Sabado 16 de agosto

El concierto se reanudo a las 12:15 pm

Quill, tocó durante 40 minutos un recital de 4 canciones
They Live the Life
BBY
Waitin' For You
Jam

Keef Hartley Band
Spanish Fly
Believe In You
Rock Me Baby
Medley
Leavin' Trunk
Halfbreed
Just To Cry
Sinnin' For You

Santana
Waiting
You Just Don't Care
Savior
Jingo
Persuasion
Soul Sacrifice
Fried Neckbones

Canned Heat
A Change Is Gonna Come/Leaving This Town
Going Up The Country
Let's Work Together
Woodstock Boogie

Mountain, tocó durante una hora larga, su repertorio incluyó un tema de Jack Bruce's "Theme For An Imaginary Western"
Blood of the Sun
Stormy Monday
Long Red
Who Am I But You And The Sun
Beside The Sea
For Yasgur's Farm (then untitled)
You and Me
Theme For An Imaginary Western
Waiting To Take You Away
Dreams of Milk and Honey
Blind Man
Blue Suede Shoes
Southbound Train

Janis Joplin (Realizó dos repeticiones de Piece of My Heart y Ball and Chain).
Raise Your Hand
As Good As You've Been To This World
To Love Somebody
Summertime
Try (Just A Little Bit Harder)
Kosmic Blues
Can't Turn you Loose
Work Me Lord
Piece of My Heart
Ball and Chain

Sly & The Family Stone empezaron a la 1:30 de la mañana
Chip Monck Intro/M’Lady
Sing A Simple Song
You Can Make It If You Try
Everyday People
Dance To The Music
I Want To Take You Higher
Love City
Stand!

Grateful Dead
St. Stephen
Mama Tried
Dark Star/High Time
Turn On Your Love Light

Creedence Clearwater Revival
Born on the Bayou
Green River
Ninety-Nine and a Half (Won't Do)
Commotion
Bootleg
Bad Moon Rising
Proud Mary
I Put A Spell On You
Night Time is the Right Time
Keep On Choogin'
Suzy Q

The Who comenzaron a las 3 de la mañana, tocaron 24 canciones incluyendo Tommy
Heaven and Hell
I Can't Explain
It's a Boy
1921
Amazing Journey
Sparks
Eyesight to the Blind
Christmas
Tommy Can You Hear Me?
Acid Queen
Pinball Wizard
Abbie Hoffman Incident (see above section)
Fiddle About
There's a Doctor
Go to the Mirror
Smash the Mirror
I'm Free
Tommy's Holiday Camp
We're Not Gonna Take It
See Me, Feel Me
Summertime Blues
Shakin' All Over
My Generation
Naked Eye

Jefferson Airplane empezaron a las 8 de la mañana, después de la maratón de la noche, su repertorio incluyó ocho canciones, su concierto en este festival es considerado por algunos como uno de los momentos más memorables de la historia del rock.
Volunteers
Somebody To Love
The Other Side of This Life
Plastic Fantastic Lover
Saturday Afternoon/Won't You Try
Eskimo Blue Day
Uncle Sam's Blues
White Rabbit

Domingo 17 de agosto, a Lunes 18

Joe Cocker fue el primer concierto del día después de la noche maratónica, él abrió el incio del programa del día a las dos de la tarde.

Joe Cocker
Delta Lady
Some Things Goin' On
Let's Go Get Stoned
I Shall Be Released
With a Little Help from My Friends

Después de Joe Cocker el festival se suspendió durante unas horas por una fuerte tormenta.

Country Joe and the Fish Con ellos se volvió a reanudar el concierto a las 6 de la tarde.
Rock and Soul Music
Thing Called Love
Love Machine
The "Fish" Cheer/I-Feel-Like-I'm-Fixin'-To-Die Rag

Ten Years After
Good Morning Little Schoolgirl
I Can't Keep From Crying Sometimes
I May Be Wrong, But I Won't Be Wrong Always
Hear Me Calling
I'm Going Home

The Band
Chest Fever
Tears of Rage
We Can Talk
Don't You Tell Henry
Don't Do It
Ain't No More Cane
Long Black Veil
This Wheels On Fire
I Shall Be Released
The Weight
Loving You Is Sweeter Than Ever

Blood, Sweat & Tears fue sobre la medianoche con un recital de cinco canciones.
More and More
I Love You Baby More Than You Ever Know
Spinning Wheel
I Stand Accused
Something Coming On

Johnny Winter
Mama, Talk to Your Daughter
To Tell the Truth
Johnny B. Goode
Six Feet In the Ground
Leland Mississippi Blues/Rock Me Baby
Mean Mistreater
I Can't Stand It (With Edgar Winter)
Tobacco Road (With Edgar Winter)
Mean Town Blues

Crosby, Stills, Nash & Young empezaron a las tres de la mañana, su recital está separado en dos partes, parte acústica y otra eléctrica

Parte Acustica
Suite: Judy Blue Eyes
Blackbird
Helplessly Hoping
Guinnevere
Marrakesh Express
4 + 20
Mr. Soul
Wonderin'
You Don't Have To Cry

Parte Electrica
Pre-Road Downs
Long Time Gone
Bluebird
Sea of Madness
Wooden Ships
Find the Cost of Freedom
49 Bye-Byes

Paul Butterfield Blues Band
Everything's Gonna Be Alright
Driftin'
Born Under A Bad Sign
Morning Sunrise
Love March

Sha-Na-Na
Na Na Theme
Jakety Jak
Teen Angel
Jailhouse Rock
Wipe Out
Who Wrote the Book of Love
Duke of Earl
At the Hop
Na Na Theme

Jimi Hendrix Insistió en ser él quien tocara en último lugar. Se programó su parte para la medianoche, pero por retrasos en el festival no tocó hasta las 9 de la mañana del lunes. Se dice que le llegaron a ver 500.000 personas, aunque empezó con un público de 80.000. El recital duró dos horas, siendo el concierto más largo de su historia. Tocó 18 canciones, concluyendo con Hey Joe:
Message to Love
Hear My Train A Comin'
Spanish Castle Magic
Red House
Mastermind
Lover Man
Foxy Lady
Jam Back At The House
Izabella
Get my heart Back together
Gypsy Woman
Fire
Voodoo Child (Slight Return)/Stepping Stone
Star Spangled Banner
Purple Haze
Woodstock Improvisation
Villanova Junction
Hey Joe



http://es.wikipedia.org/wiki/Woodstock

Jefferson Airplane




Jefferson Airplane fue una banda de Estados Unidos surgida en la ciudad de San Francisco (California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. La actuación en agosto de 1969 en Woodstock es considerada uno de los momentos más memorables del rock.

A lo largo del tiempo en función de las salidas y entradas de miembros fueron variando su nombre a Jefferson Starship, al más simple Starship antes de convertirse en Jefferson Starship The Next Generation en 1991.

De acuerdo con uno de sus miembros, Jorma Kaukonen, el nombre lo inventó un amigo suyo llamado Steve Talbot para parodiar los nombres de las bandas de blues o motes de cantantes de este género como "Blind Lemon" Jefferson.



Jefferson Airplane

El grupo se forma en la costa oeste durante el verano de 1965 en lo que se llamó el boom de la música folk de la bahía de San Francisco. Todo comenzó cuando Marty Balin se une a otro músico, Paul Kantner. Estos a su vez se unieron con el guitarrista de blues Jorma Kaukonen, a la vocalista de jazz y folk Signe Toly Anderson, al batería Jerry Peloquin, y al bajista acústico Bob Harvey. Cogen su inspiración inicial de bandas como los Beatles, The Byrds o The Lovin' Spoonful, es decir influencias básicas del Merseybeat británico y el folk de esos años.

Su primera aparición en público es el 13 de agosto de 1965 en The Matrix Club de San Francisco. Peluquin, músico de sesión, abandona la formación unas semanas después descontento con el uso de drogas por el resto de miembros. Le sustituye Skip Spence.

La banda va adoptando un sonido más eléctrico que lleva al reemplazo de Bob Harvey en octubre de 1965 por el amigo de la infancia de Kaukonen, Jack Casady. A finales de año firman con RCA Victor y graban su primer disco que se editará al año siguiente bajo el título de Jefferson Airplane Takes Off.



La música folk mantiene todavía mucha influencia en este primer disco que contiene temas como Tobacco Road (de John D. Loudermilk), Let's Get Together (de Dino Valente), It's No Secret and Come Up the Years.

En 1966, Spence es reemplazado por el batería de jazz Spencer Dryden y su vocalista Anderson por Grace Slick, de The Great Society, también de San Francisco. Su potente voz sería característica principal del sonido de la banda así como por escribir algunos de los temas más conocidos: White Rabbit y Somebody to Love (junto a su hermanastro de The Great Society Darby Slick).

Su paso de la escena local a la nacional se produce por su aparición en el Festival de Monterrey en junio de 1967, que presentaba a grandes bandas de Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, e Inglaterra. El concierto se edita como película y es emitido por televisión.



Acceden así a la posibilidad de actuar en el show de Ed Sullivan donde en color y con edición de imágenes mediante Chroma key para crear efectos psicodélicos realizan uno de sus más míticas actuaciones tocando White Rabbit.

En el período de 1967 a 1970 la formación se mantiene estable y graban sus cinco discos principales. Surrealistic Pillow (1967) incluye los dos clásicos White Rabbit (inspirado por el LSD, el Bolero de Ravel y Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll) y Somebody to Love, así como el solo acústico de Kaukonen de reminiscencias folk Embryonic Journey. El disco alcanza el éxito, consiguiendo el puesto nº3 en USA, tras el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. Fue uno de los discos principales del que fue llamado Verano del Amor.

El nombre del disco, Surrealistic Pillow, fue sugerido por su productor Jerry García (de Grateful Dead) cuando estimó que sonaba surrealista como una pastilla. La compañía no permitió que García apareciera como productor así que en el libreto aparece como consejero espiritual.

Con el siguiente trabajo After Bathing at Baxter's, se introducen en lo que se llamó rock ácido. Su famosa portada fue dibujada por Ron Cobb. En 1968 editan Crown of Creation. Sus canciones más destacadas son Lather (de Grace Slick), supuestamente dedicada al batería Spencer Dryden con quien se decía que tenía una relación; Triad, una canción de David Crosby (The Byrds no publicada con su banda por su temática sobre un ménage à trois; y el himno del sexo libre y las drogas Greasy Heart.

Ese mismo año editan Bless Its Pointed Little Head a partir del concierto en el Fillmore (donde hay multitud de discos editados en directo de gente como Jimi Hendrix.

Cuando la escena de San Francisco comenzaba a desaparecer, en 1969, editan Volunteers, su disco más político. Canciones como We Can Be Together, Good Shepherd, y la post-apocalíptica Wooden Ships (escrita por Paul Kantner, David Crosby y Stephen Stills y editada también por Crosby, Stills & Nash).

En agosto de 1969 realizan su mítica actuación en Woodstock, y apenas unos meses después, en diciembre, en el desastre del festival de Altamount. El concierto, liderado por The Rolling Stones, y en el que tocaban bandas como The Grateful Dead; contaba como equipo de seguridad con Ángeles del Infierno que mantuvo continuos enfrentamientos con el público y las bandas. Marty Balin fue noqueado por uno de los guardias en una pelea.

El desastre ocurriría finalmente en el llamado incidente Gimme Shelter. Durante la actuación de The Rolling Stones, el joven de raza negra Meredith Hunter empuñó una pistola y fue acuchillado por el Ángel del infierno Alan Passaro. La grabación del incidente permitió la absolución de Passaro. Las imágenes aparecería en el documental Gimme Shelter.

En 1970 editan su primer grandes éxitos bajo el título de The Worst of Jefferson Airplane (reeditado en 2006 por Sony BMG con dos temas extras). En este año sólo compusieron dos canciones para el single, Mexico b/w ave You Seen the Saucers. La cara A era una crítica muy dura contra el presidente Richard Nixon por tratar de cortar la llegada de marihuana a los Estados Unidos; y la cara B iniciaba la obsesión por la ciencia ficción de Paul Kantner que marcaría el futuro de la banda durante la siguiente década.

Balin abandona la banda tras la edición del single. Más tarde, Kantner y Slick despiden a Dryden (al que consideraban un "idiota"). El grupo continuó sin ellos editando Bark en 1971 y Long John Silver en 1972.

Ambos discos se editan en el sello de la banda, Grunt, que sería distribuido por RCA. Para reemplazar a Dryden entra Joey Covington (quien aporta su voz para el single Pretty as You Feel). También se les une el legendario The legendary Afro-American blues violinista de blues "Papa John" Creach.

Durante este tiempo, Kaukonen y Casady comienzan un proyecto paralelo bajo el nombre de Hot Tuna donde, con ayuda de buen número de músicos, comienzan a explorar el blues tradicional. Edita el acústico Hot Tuna en 1970 y el eléctrico First Pull Up-Then Pull Down en 1971. Con el tiempo van centrándose más en este grupo que en los Jefferson (se dice que en la canción Third Week in the Chelsea, de Bark, Kaukonen escribe sus pensamientos acerca de dejar la banda) .

En 1973 aparece el segundo disco en directo, Thirty Seconds Over Winterland, y en 1974 una colección de singles, caras B y material inédito bajo el nombre de Early Flight. Sería el último disco oficial de Jefferson Airplane.


Discografía

Albumes

Jefferson Airplane Takes Off (1966) - posición de ventas en USA: 128
Surrealistic Pillow (1967) - posición de ventas en USA: 3
After Bathing at Baxter's (1967) - posición de ventas en USA: 17
Crown of Creation (1968) - posición de ventas en USA: 6
Bless Its Pointed Little Head (1969) - directo
Volunteers (1969) - posición de ventas en USA: 13
The Worst of Jefferson Airplane (1970) - grandes éxitos - posición de ventas en USA: 12
Bark (1971) - posición de ventas en USA: 11
Long John Silver (1972) - posición de ventas en USA: 20
Thirty Seconds Over Winterland (1973) - directo
Early Flight (1974) - colección de singles, caras B y material inédito
Flight Log, 1966-1976 (1977) - recopilatio, incluye canciones de Jefferson Starship, Hot Tuna e individuales
Time Machine (1984) - recopilación
2400 Fulton Street (1987) - recopilación
Jefferson Airplane (1989) - disco de reunión
White Rabbit & Other Hits (1990) - recopilación
Jefferson Airplane Loves You (1991) - caja con tres discos
The Best of Jefferson Airplane (1993) - recopilación
Live at the Monterey Festival (1995) - directo en el festival de Monterrey de 1966
Journey: The Best of Jefferson Airplane (1996) - recopilación para Inglaterra
Live at the Fillmore East (1998) - directo en el Fillmore de Nueva York
The Roar of Jefferson Airplane (2001) - recopilación
Platinium & Gold Collection (2003) - recopilación
The Essential Jefferson Airplane (2005) - recopilación
The Worst of Jefferson Airplane (2006) - reedición del recopilatorio de 1970 con dos temas extra

Sunday, March 29, 2009

Velvet Goldmine



http://lacovachadedarkspider.blogspot.com/2008/08/velvet-goldmine.html

Sí algo tiene la cultura pop que surgió en el siglo pasado, es su capacidad para darle sentido a un sinúmero de personas a través de la seducción de sus formas, colores y sonidos. Y qué mejor época de seducción que la juventud, cuando precisamente uno anda en el embrollo existencial de encontrar una identidad propia. Para las personas que han vivido desde mediados del siglo XX a la fecha, la juventud representa una abigarra diversidad de formas de ser en donde las trabas, los límites y las categorías son frecuentemente trastocados, subvertidos, amalgamados y sincretizados.

Todos en algún momento nos hemos identificado con algún género músical contempóraneo, hicimos lo imposible por parecernos, actuar y convivir de acuerdo a lo que dictaba alguna figura popular. Si ya hemos salido de esos bochornosos momentos, de vez en cuando nos retrotraemos a aquellas felices épocas al escuchar una rola que nos marcó o que formó parte indispensable de nosotros.



Todo esto es muy bien explorado en la película Velvet Goldmine, dirigida por Todd Haynes y que vió la luz en la salas de cine hace casi diez años. La historia es simple: al periodista Arthur Stuart (Christian Bale) se le encargá investigar sobre el paradero final de la estrella del Rock-glam Brian Slade (Jonathan Rhys-Meyers), para esto debe de seguirle el rastro e indagar con todas aquellas personas que estuvieron en relación con el cantante como su ex-esposa Mandy Slade (Toni Collete) y uno de sus ex-amantes, Curt Wild (Ewan Mc Gergor), quien a su vez es también un destacado cantante aún en activo.

Stuart al iniciar sus investigaciones se sumerge en su propio pasado, pues conforma va avanzando la historia nos vamos dando cuenta que él fue un obseso fan de este movimiento musical. Como muchos de los jóves de su época, Stuart fue subyugado por la figura Slade y fue parte importante en su largo recorrido de descubrimiento de su propia sexualidad y su forma de ser. Quizá por ello toma con recelo el encargo, pues sabe que estaría removiendo sus propios escombros.



La película en sí es un mosaico extravagante de colores y ritmos frenéticos. El glam es un género en el que los sexos se superponen y se confunden, dando lugar a un desenfreno sexual y erótico que se manifiesta en lo cargado de la indumentaria de los cantantes en donde lo femenino, lo masculino, lo grotesco y lo trangresor van de la mano. Slade desea ser la estrella admirada, el ícono que todos imiten, y su forma de vivir la sexualidad y llevar hasta el límite sus perversiones hallan suelo propicio en una juventud alejada de los desos carnales naturalistas y comunales -como los hippies- cambiándolos por el glamour y el personalismo sexual.

En los personajes de Slade podemos ver reminiscencias de David Bowie en sus gloriosos años de Ziggy Stardust y de Iggy Pop en Curt Wild; aunque podría catalogarse como una historia nostalgica, la realidad es que la cinta muestra que el verdadero arte es transgresivo en la medida que increpa y pone en tela de juicio los valores imperantes de una sociedad, y que la juventud siempre será el motor de cambio de las ideas y las costumbres, de nuevas formas de amar y relacionarse aun cuando ésta sea breve y haya que volver a encasillarse en la moralina y el reabsorvimiento por el sistema. Slade en un momento de hartazgo de sí mismo finge su propia muerte, y aparece años después con otra personalidad defendiendo los valores a los que se opuso en su juventud con su revolucionaria música. Así también Stuart hace un ajuste de cuentas con su pasado y despierta de los temores y resabios que quedaron resguardados en él en esos tiempos de acelerados cambios.



El director, Todd Haynes, proveniente del cine independiente, nos da en esta película su particular visión de los ciclos por los que pasa la cultura popular, con sus excesos y rupturas, hasta el regreso a la moderación y sus políticas conservadoras. Un excelente retrato de tiempos que se han ido pero que se sedimentan en la memoria y resurgen intempestivamente al recuerdo de una nota o un gesto.

La música de la pelicula logra una simbiosis perfecta con la trama y captura esos momentos exhuberantes y de colores estridentes que catapultan una crítica y una reflexión interesantes sobre la importancia que los movimientos contraculturales, y la cultura del rock en particular, tiene sobre la vida de las personas. En el soundtrack se pueden apreciar las soberbias participaciones de grupos como Placebo, Radio Head, Sonic Youth entre otros, y rescata muchos de los clásicos de la era del glam rock.



Una película ya de culto que no deben dejar de ver. Nadie puede quedar indiferente ante una historia que remueve nuestros ser más simple y cotidiano, y quizá por eso más esencial.

Intérpretes: Ewan McGregor (Curt Wild), Jonathan Rhys-Meyers (Brian Slade), Christian Bale (Arthur Stuart), Toni Collette (Mandy Slade), Eddie Izzard (Jerry Devine), Emily Woof (Shannon), Michael Feast (Cecil)
Origen: Reino Unido / Estados Unidos

Año: 1998

Director: Todd Haynes

Guión: Todd Haynes

Duración: 124 minutos.

La Banda Sonora

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La banda sonora fue una parte muy importante en la película. Estuvo coordinada también por Michael Stipe y cuenta con varias canciones clásicas del Glam Rock, algunas en su versión original y otras versionadas por artistas coetáneos a la película. Además de los grupos ya conocidos, se formaron dos supergrupos ex profeso para grabar esta banda sonora, integrados por primeras figuras de la música alternativa:

Wylde Rattz: Mark Arm de Mudhoney; Ron Asheton de The Stooges; Thurston Moore y Steve Shelley de Sonic Youth; Mike Watt de Minutemen y Don Fleming de Gumball.
The Venus In Furs: Thom Yorke y Jon Greenwood de Radiohead; Andy McKay de Roxy Music; Bernard Butler de Suede y Paul Kimble de Grant Lee Buffalo.
Listado de canciones de la banda sonora:

01. Needle In The Camel's Eye - Brian Eno. Versión original de la canción.
02. Hot One - Shudder To Think. Canción compuesta expresamente para la película.
03. 20th Century Boy - Placebo. Versión de la canción de T.Rex
04. 2HB - The Venus In Furs. Versión de la canción de Roxy Music
05. T.V. Eye - Wylde Ratttz. Versión de la canción de Iggy Pop & The Stooges
06. Ballad Of Maxwell Demon - Shudder To Think. Canción expresamente compuesta para la película.
07. The Whole Shebang - Grant Lee Buffalo. Canción expresamente compuesta para la película.
08. Ladytron - The Venus In Furs. Versión de la canción de Roxy Music
09. We Are The Boys - Pulp. Canción compuesta expresamente para la película.
10. Virginia Plain - Roxy Music. Versión original de la canción.
11. Personality Crisis - Teenage Fanclub/Donna Matthews. Versión de la canción de The New York Dolls.
12. Satellite Of Love - Lou Reed. Versión original de la canción.
13. Diamond Meadows - T.Rex. Versión original de la canción.
14. Bitter's End - Paul Kimble/Andy MacKay. Canción compuesta expresamente para la película.
15. Baby's On Fire - The Venus In Furs. Versión de la canción de Brian Eno.
16. Bitter-Sweet - The Venus In Furs. Versión de la canción de Roxy Music.
17. Velvet Spacetime - Carter Burwell. Canción compuesta expresamente para la película.
18. Tumbling Down - The Venus In Furs. Versión de la canción de Steve Harley
19. Make Me Smile (Come Up And See Me) - Steve Harley. Versión original de la canción.
20. Cosmic Dancer - T.Rex. Versión original de la canción.